Разделы: МХК и ИЗО, Конкурс «Презентация к уроку»
Загрузить презентацию (1,6 МБ)
Внимание! Предварительный просмотр слайдов используется исключительно в ознакомительных целях и может не давать представления о всех возможностях презентации. Если вас заинтересовала данная работа, пожалуйста, загрузите полную версию.
Предмет: изобразительное искусство
Цель: познакомить учащихся с многообразием форм изображения мира вещей в истории искусства.
Задачи:
Здоровьесохраняющая цель: Создавать на уроке атмосферу доброты, увлеченности, способствующую сохранению психического здоровья.
Тип урока: комбинированный.
Оборудование: картон; педагогический рисунок; рисунки-схемы; тренажёр для глаз; демонстрационная таблица "композиция натюрморта"; выставка литературы; ТСО; раздаточный материал шаблонов,учебник.
Ход урока
1. Организационный момент.
Есть волшебные слова, Скажешь, сразу тишина. Повнимательней, дружок, Начинается урок.
(Сели правильно, всё внимание на меня)
Проверка готовности к уроку.
2. Сообщение темы и цели урока.
Да, мир вещей влечёт меня, Да, краски я стремлюсь подмечать, И то, что в этих красках светит, Любовь и радость бытия. Она повсюду разлита: Она везде, где красота!
Так поэтично и образно я определила тему нашего урока. А, чтобы узнать тему вам необходимо разгадать ребус (Слайд №2)
Итак тема нашего урока - изображение предметного мира - натюрморт. На уроке вы познакомитесь с одним из врасивейших жанров изобразительного искусства - натюрмортом, узнаете об особенностях его композиционного решения. Вам предстоит самим составить композицию натюрморта приёмом аппликации.
3. Изучение нового материала. (Слайды №4,5,6,7)
1. Рассказ "Из истории натюрморта".
Учитель. Натюрморт очень любят многие профессионалы-живописцы. Он входит как важный элемент в обучение будущего художника. Здесь оттачивается умение цельно скомпоновать несколько предметов, понять разность их качеств. Такие постановки, пожалуй, наиболее верно иллюстрируют термин "натюрморт".
Натюрморт (от франц.nature morte - буквально "мёртвая натура") - один из жанров изобразительного искусства, посвященный воспроизведению предметов обихода, снеди(овощей, фруктов и т.д.), цветов и прочего. Это один из жанров изобразительного искусства, посвященный воспроизведению предметов обихода, снеди (овощей, мяса т.д.), цветов и прочего. Отдельное произведение этого жанра также называется натюрмортом.
Предельно точно суть натюрморта выражается в голландском и немецком языках. Там его классифицируют как - тихая жизнь. Действительно, натюрморт - тихая жизнь вещей, полная своих внутренних событий, жизнь, которую мы так редко замечаем. Разве только невзначай в сумерках остановимся пораженные таинственным блеском металла или залюбуемся гордым профилем кувшина.
Конечно, сами художники заметили очень давно, сколь красноречивы могут быть отдельные вещи. Не только нидерландский художник XV столетия мог в библейской композиции поместить на первом плане прекрасный букет цветов. На востоке издревле увлекались "живописью цветов". Но как и у пейзажа, родина современного натюрморта - пытливая и любознательная Голландия, старательно заботящаяся об уюте своих домов.
Задача художника в области натюрморта состоит не только в передаче вещей самих по себе, но и в том, чтобы выразить отношение к ним человека данной эпохи, а через них и к окружающему миру вообще. Вот почему голландский натюрморт XVII века явился поэтическим отражением национального голландского быта.
Потомки знатных рыцарских фамилий, любители шумных охотничьих забав просили художника написать "охотничьи трофеи". Это были патетические и очень показные, бравурные натюрморты, подобные невероятным, но неубедительным охотничьим рассказам. Внешний блеск их не привлекал живших более просто, без претензий горожан. Они предпочитали небольшие натюрморты -"завтраки" - чаще скромные, интимные, но порой и весьма торжественные.
В натюрморте художник ведет с нами доверительную беседу. Тонкость восприятия жизни, поэтичность или, наоборот, бравурность и торжественность - во всем этом мы почувствуем отношение к миру очень зримо и точно. А неожиданный подбор и живописная трактовка предметов могут придать натюрморту фантастический смысл, он может звучать и драматически.
(Слайды №8 -17)
2. Х а р а к т е р и с т и к а особенностей натюрморта в скульптуре.
У ч и т е л ь. Лепные орнаментальные украшения в виде геометрических фигур, предметов быта, фруктов и т.д. мы найдём на многих памятниках старины, современных нам сооружениях.
Сочностью, богатством форм отличаются оконные наличники 18 века.(Павловский дворец).
Современные мастера также использовали традиции классического натюрморта, сообразуясь с новым характером архитектуры.(рис. в учебнике)
Таким образом, натюрморт входит как деталь, составная часть в скульптурную композицию.
3. Последовательность и правила работы над натюрмортом. (Слайды №18 -23)
Учитель. Чтобы работа над натюрмортом была по-настоящему интересной и полезной, натюрморт должен быть хорошо составлен и правильно поставлен. А это начало творчества и не такое простое, как может показаться. Здесь уже проявляются вкус и композиционное чутье художника.
В искусстве жестких рецептов нет. Нет их и для постановки натюрморта, их заменяет вкус, чутье, интуиция, композиционное видение художника. Отметим только некоторые, самые общие моменты. Прежде всего, набор предметов не может быть случайным, их должно что-то объединять, роднить, в них должна быть заложена определенная идея, тема. Это могут быть, например, предметы труда, растения, плоды или кушанья, старинные или бытовые вещи, характеризующие определенный быт, и т. п.
Затем сама постановка. Если рассматривать предметы слишком далеко друг от друга, в композицию может войти пустота; если слишком сблизить - натюрморт может получиться, наоборот, очень тяжелым, громоздким. Одинаковые предметы, расположенные по одной линии, создадут впечатление скучного однообразия. Для создания равновесия в композиции рекомендуется использовать чередование светлых и темных предметов, тяжелых и более изящных по форме, вертикальных и горизонтальных по своим основным пропорциям. Этим будет усиливаться выразительность натюрморта, предметы будут как бы помогать выявлять характерные качества друг друга.
Натюрморт должен иметь композиционный центр - предмет либо самый крупный, либо самый яркий, либо наиболее выразительный в соответствии с задуманной темой. Предметы в натюрморте должны быть зрительно уравновешены, но расположены не строго симметритрично-композиционный центр совсем не обязательно совпадает с центром геометрическим.
В постановке натюрморта предметы должны быть сгруппированы так, чтобы чувствовалась слаженность, уравновешенность, чтобы уже ничего не хотелось убрать, передвинуть или добавить.
Существенную роль в натюрморте играет фон, задник. Взгляд зрителя имеет свойство стремиться вдаль. Откройте позади натюрморта дверь - и мы невольно будем в нее смотреть. Отодвиньте постановку от стены - и она окажется окруженной со всех сторон пространством, воздухом, и наш взгляд невольно несколько рассеется, натюрморт уже будет восприниматься с некоторым напряжением. Помещенный же вплотную за натюрмортом фон не позволяет нашему взгляду рассеиваться, уходить от постановки. Такое, несколько "насильственное" привязывание взгляда рисующего к постановке способствует успеху в работе.
Еще одно правило группировки предметов в пространстве натюрморта - относительно свободный, легкий передний план. Зрительно наиболее тяжелые, крупные предметы должны находиться где-то сзади; более легкие - перед ними, а самый первый план должен быть совсем свободным, открытым. Здесь может находиться, например, только драпировка. Такой облегченный передний план позволяет нашему глазу лучше воспринять предметы, размещенные в пространстве.
Физкультминутка
Упражнение для рук:
1. Массируйте, начиная с кончиков пальцев к ладони так, как будто вы надеваете узкую перчатку.
2. Сожмите в кулак, а затем с силой, напрягая каждый палец, растопырьте их.
3. Возьмите в каждую руку два средней мягкости детских мяча и, держа между большим и указательным пальцами, сожмите. Проделайте то же самое, сменив указательный палец средним, а затем остальными по .очереди. Сожмите мяч 3 раза каждым пальцем, а затем 3 раза всеми вместе.
4. Актуализация знаний.
Учитель;. Содержание взятого нами натюрморта (из плоских предметов кухонной утвари) несложно. Но выбрать предметы - это еще не все. Необходимо их расположить так, чтобы в совокупности они смотрелись с интересом.
Задания и вопросы:
1. Составьте композицию из предложенных предметов. (Учащиеся предлагают различные варианты расстановки предметов.)
2. Объясните свой замысел. (Учащиеся рассказывают, что и как они вообразили, охарактеризовывают, насколько их замысел соответствует составленным композициям.)
3. Какой из вариантов расстановки предметов вам кажется лучшим и почему? (Ответы учащихся.)
5. Практическая работа.
Задание. Выполните композиции натюрморта, составленный из плоских предметов кухонной утвари (например, тарелок).
Во время практической работы учитель делает целевые обходы: 1) контроль организации рабочего места; 2) контроль правильности выполнения приемов работы; 3) оказание помощи учащимся, испытывающим затруднения; 4) контроль объема и качества выполненной работы.
6. Итог урока.
Заключительное слово.
Учитель. Над каким изображением на картинах вы сегодня работали?
Ученики. Над натюрмортом.
Учитель. Что представляет собой эта картина?
Ученики. Картина с изображением крупным планом предметов: цветов, битой дичи, рыбы, утвари, то есть предметов неживой природы.
Учитель. Действительно, в натюрморте мы никогда не увидим изображения человека. И все-таки натюрморт может многое рассказать зрителю, напомнить про солнце, про лето или другое время года, пробудить радость или грусть. Надо быть большим мастером, чтобы живо, точно написать "неживую природу", показать все ее особенности и тонкости.
Иоганн Вольфганг Гете писал: "Цвета действуют на душу: они могут вызывать чувства, пробуждать эмоции и мысли, которые нас успокаивают или волнуют, печалят или радуют". Попробуйте подтвердить эти слова своими работами: как ваше изобразительное искусство, созданное сегодня, "действует на душу"? Покажите свои работы, проанализируйте изображенное на них, полагаясь на правила выполнения натюрморта.
Радуют или печалят использованные в них цвета?
7. Домашнее задание (Слайд №24)
xn--i1abbnckbmcl9fb.xn--p1ai
Разделы: МХК и ИЗО, Конкурс «Презентация к уроку»
Загрузить презентацию (12,9 МБ)
Внимание! Предварительный просмотр слайдов используется исключительно в ознакомительных целях и может не давать представления о всех возможностях презентации. Если вас заинтересовала данная работа, пожалуйста, загрузите полную версию.
Цель урока: формирование целостного представления о жанре «натюрморт», его видах.
Задачи урока:
Зрительный ряд:
Подбор репродукций разных жанров, таблички с названиями жанров. Подбор репродукций натюрмортов Караваджо, Ф. Снайдерса, И.Хруцкого, И.Машкова, Ван Гога, К.Петрова-Водкина, П.Кончаловского.
Электронный ресурс: Презентация «Жанр изобразительного искусства – натюрморт».
Музыкальный ряд: популярные классические произведения в современной обработке.
Литературный ряд: Стихотворение Александра Кушнера «Если видишь на картине».
Оборудование: компьютер, мультимедиапроектор, экран, белая бумага формат А3, цветная бумага, ножницы, клей.
ХОД УРОКА
Ученики входят в класс под сопровождение классической музыки, занимают свои места.
1. Оргмомент
Приветствие класса. Постановка темы урока.
2. Постановка темы урока
– Сегодня мы будем вспоминать, уже известные вам, жанры изобразительного искусства, а также подробно поговорим об одном из них.
3. Погружение в тему
На классной доске выставлены репродукции картин художников, относящиеся к различным жанрам. Под ними на магнитах – таблички с названиями жанров (произвольно перепутаны).
– В нашей импровизированной галерее выставлены репродукции картин великих художников, относящиеся к разным жанрам. Однако, кто-то спутал название жанров, к которым относятся эти произведения. Пожалуйста, помогите привести все в соответствие: правильно распределите таблички под картинами и прокомментируйте свое решение.
Ученики, по желанию, распределяют таблички правильно и объясняют, по каким признакам, определили принадлежность к жанру: портрет, пейзаж, анималистический, исторический, НАТЮРМОРТ.
4. Изучение нового материала
– Каждая эпоха, каждый народ имели свои излюбленные предметы, свои поводы и причины для их изображения. В росписях Древнего Египта мы видим ритуальные предметы и предметы быта. Они создавались в соответствии с системой изображения своей эпохи. Их можно увидеть в росписи таинственных египетских гробниц. Мастера Древней Греции тоже создавали прекрасные произведения, но их живопись разрушилась и до нас не дошла. Однако, сохранилась легенда о соревновании двух знаменитых древнегреческих живописцев. Сначала победил Зевксис: он так убедительно написал виноградную гроздь, что птицы пытались склевать ее. Но затем сам был введен в заблуждение Паррасием, когда попытался отодвинуть нарисованную им занавеску.
5. Работа с учебником
– Выясните, какое развитие получил натюрморт в более поздние века.
Ученики (по рядам) получают задание найти материал о развитии натюрморта в
Источник: учебник для 6 класса Л.А.Неменская «Искусство в жизни человека», 2010 год, стр58-60.
Через 3 минуты – фронтальный опрос класса по заданию.
6. Основные типы натюрморта
– Особого расцвета достигает в XVII веке, прежде всего в Голландии и Испании. На Голландском языке натюрморт получил название – stilleven – «тихая жизнь».В голландском натюрморте всегда чувствуется некая созерцательность, особое внимание к формам, фактуре, свету. Немудрено, что натюрморты здесь пользовались огромным спросом.
– Это работа Френсиса Снайдерса «Натюрморт с лебедем», голландского живописца который жил в 17 веке, именно на это время и приходится начало расцвета натюрморта как жанра. Дело в том, что людей стал интересовать мир обычный, а не возвышенный и поэтому художники рисуют очень много натюрмортов, которые рассказывают нам не только о быте людей того времени, но и о том как сам художник видит и чувствует жизнь.
– Как вы считаете, каким человеком был Ф.Снайдерс? Глядя на его картину, попробуйте описать его внутренний мир?
Обсуждение картины Ф.Снайдерс. Приходят к выводу о том, что здесь сильна роль человека, незримый эффект присутствия. Кажется человек куда-то ненадолго ушел и вот-вот вернется.
– Рассмотрите картину Винсента Ван Гога «Подсолнухи». Что может быть проще? Однако, обычные подсолнухи вызывают в нас определенные чувства. Какие?
Обсуждение картины Ван Гога. Дети приходят к выводу о том, что и предметы могут быть самоценными, главными.
– Молодцы! Вы, практически самостоятельно подошли к главному выводу. Подумайте и сформулируйте, на какие два типа можно поделить все натюрморты?
Дети делают вывод об основных типах натюрморта: в первом вещи говорят о хозяине, во втором – сами о себе.
7. Тест
– А сейчас предлагаю проверить свои знания, отвечая на вопросы теста. Учитель показывает презентацию – тест. Дети знакомятся с известными натюрмортами и их авторами, одновременно отвечая на вопросы теста.
8. Творческое задание
– Я вижу, что вы стали настоящими специалистами в области теории натюрморта. Выполнять творческое задание вы будете в парах.
На странице 61 учебника вам предложено задание. Прочитайте его самостоятельно.
Дети читают, учитель комментирует. Школьники в парах выполняют творческое задание. Негромко звучит классическая музыка.
9. Итог урока
– Итак, время урока подходит к концу. Прошу разместить получившиеся натюрморты на доске. – Ребята, какой из натюрмортов кажется вам более интересным и почему?
Дети комментируют работы одноклассников.
– Что нового вы узнали сегодня на уроке?
Дети отвечают.
– Наш урок о жанре «натюрморт» подошел к концу. Спасибо за работу!
xn--i1abbnckbmcl9fb.xn--p1ai
Учитель ИЗО Ершова Людмила Викторовна
МОБУ «СОШ №3», г. Оренбург
Изобразительное искусство. Класс 6.
Дата «_____»____________201__г.
Урок №__
Тема: «Изображение натюрморта с натуры»
Цели деятельности учителя
Формировать художественные знания об основных приемах изображения предметов с натуры; об основных средствах художественной выразительности – форме, пропорциях, композиционном центре.
Научить видеть конструкцию формы предмета, владеть первичными навыками плоского и объемного изображения предметов.
Развивать пространственное мышление, навыки рисования с натуры.Воспитывать эстетическое отношение к действительности.
Тип урока
Комбинированный.
Планируемые образовательные результаты
Предметные: научатся устанавливать аналогии, создавать модели объектов; сравнивать объекты по заданным критериям; строить логические обоснованные рассуждения; познакомятся с жанром натюрморта, его местом в истории искусства; узнают имена выдающихся художников, работавших в жанре натюрморта; получат навыки составления композиции натюрморта.
Метапредметные: научатся определять цель и проблему в учебной деятельности, принимать учебную задачу; излагать свое мнение, выдвигать контраргументы в дискуссии; делать выводы; различать художественные средства и их возможности; планировать деятельность в учебной ситуации; определять способы достижения цели; аргументировано оценивать свою работу, корректировать свое мнение.
Личностные: проявляют интерес к поставленной задаче, имеют мотивацию к учебной деятельности.
Методы и формы обучения
Беседа, объяснительно-иллюстративный, проблемное изложение, частично-поисковый, творческий поиск, игра, практический
Фронтальная, индивидуальная, групповая.
Образовательные ресурсы
Оборудование
Для учителя: наглядные пособия в виде таблицы – рисунка с изображением фигуры взрослого человека, построенной по схеме, где за единицу измерения взята величина головы (канон на восемь голов). Две таблицы, показывающие стадии построения фигуры подростка.Для учащихся: альбомы, карандаши, резинки.
Наглядно-демонстрационный материал
Репродукции картин:
методическая таблица «схематическое изображение фигуры человека»
Основные понятия и термины
Предметный мир, натюрморт, композиция
Организационная структура (сценарий) урока
Этапы урока
Обучающие и развивающие компоненты, задания и упражнения
Деятельность учителя
Осуществляемая деятельность учащихся
Формы организации со-взаимо-дейст-вия
Формируемые умения (универсальные учебные действия)
Проме-жуточ-
ный кон-троль
1
2
3
4
5
6
7
I. Организационный момент - (2-3 мин.)
Беседа с постановкой проблемы
Приветствие. Проверка численности учащихся и готовности к уроку.
Посмотрите внимательно на доску. Перед вами репродукции картин. Как вы думаете, что объединяет все эти произведения искусства?
Вы, конечно, уже догадались, о каком жанре пойдет речь сегодня на уроке?
О жанре «Натюрморт».
Французы назвали бы эти картины – «мертвая природа» (неодушевленная натура), а англичане - «тихая жизнь».
Все эти картины посвящены изображению предметного мира.
Так, что такое натюрморт, дайте определение жанру.
-Натюрморт – это жанр изобразительного искусства, который посвящен изображению предметного мира человека.
-Что изображают в натюрмортах?
-Домашнюю утварь, цветы, фрукты, овощи, дичь и другие предметы.
Роскошные натюрморты - это не только воплощение огромного мастерства художника в передаче неповторимого многообразия натуры, но и выражение его нескрываемого восторга перед красочным богатством окружающей жизни.
Слушают учителя, отвечают на вопрос учителя, обозначают тему урока по представленным картинам.
Осмысливают цель урока.
На всех картинах изображены предметы.
Мы сегодня будем говорить о натюрмортах.
Дают определение жанру . Перечисляют что можно увидеть в натюрмортах.
Фронтальная работа.
Регулятивные: определяют цель и проблему в учебной деятельности; принимают учебную задачу.
Личностные:
Проявляют интерес к поставленной задаче.
II. Изучение нового материала- (12-15 мин.)
Частично-поисковый
Показ методической таблицы «Композиция натюрморта на плоскости листа»
Демонстрация последовательности выполнения линейного построения рисунка, учителем на доске.
Окружающие вещи, предметы обихода изображались во все времена. Во фрагменте настенной росписи Древнего Египта «Яства» мы видим сосуды и чаши, богов и героев, ритуальные предметы.
В Древнем Риме большую популярность приобрело украшение стен. Стены вилл, жилых домов и общественных зданий покрывали росписями и мозаиками, достигая большой достоверности в изображении. Каждая эпоха, каждый народ имели свои излюбленные предметы, свои поводы и причины для их изображения.
Искусство Средневековья было сосредоточено на сюжетах религиозного характера, его мастеров не интересовала материальность вещей. Но в эпоху Возрождения появляется интерес к материальному миру. Натюрморт как самостоятельный жанр, возник во Фландрии и Голландии на рубеже XVI и XVII веков. В русском искусстве натюрморт появился в XVII веке вместе с утверждением светской живописи, отражая познавательный пафос эпохи и стремление правдиво и точно передавать предметный мир.
Сегодня мы можем любоваться натюрмортами великих художников: А. Матисс Красные рыбки», А. ван Бейерен «Натюрморт с омарами», М.С. Сарьян «Натюрморт», Караваджо «Ваза с фруктами».
Давайте определим цель нашего урока.
Верно, сегодня мы поучимся в простом карандаше изображать натюрморт с натуры, а на следующем уроке продолжим, но уже в цвете натюрморт с натуры.
Красота предметного мира, воспеваемая в натюрморте, - лишь одна из граней привлекательности этого жанра. В нем, как в зеркале, отражались история и культура народа, рукотворность мира и индивидуальность каждой вещи, эстетические предпочтения человека, сословия, времени, мысли, чувства и миропонимание самого художника.
Достижению такой смысловой глубины жанра способствовало мастерство художника – умение отобрать предметы, расставить их на предметной плоскости так, чтобы композиция несла определенную смысловую нагрузку, вписать в выбранный формат, объединить колористическими характеристиками.
Перед тем как рисовать, художник отбирает предметы, которые интересны ему по форме и цвету, и составляет из них натуральную постановку.
Обратите внимание на нашу постановку. Композицию нашего натюрморта составляет кувшин и два яблока.
Композиция – это цельное объединение всех частей произведения искусства для наиболее яркого изображения его содержания.
Что нам нужно знать, чтобы нарисовать этот натюрморт?
-Нам предстоит понять, как правильно компонуется натюрморт. Понять расположение предметов в композиции.
Работа над натюрмортом начинается с определения композиционного расположения всей группы предметов на плоскости листа бумаги. Затем прорисовываются очертания и конструкция предметов натюрморта, начиная с самых крупных. Каждый предмет имеет свою форму. Форма предмета определяется конструкцией – строением. В основе любой формы или её конструкции лежат простейшие геометрические тела.
Какие геометрические тела лежат в основе формы предметов нашего натюрморта? (Выявляется конструктивная основа формы.)
Чтобы предметы смотрелись естественно, его необходимо правильно изобразить – построить.
Выбирается точка зрения на группу предметов, которая позволяет показать красоту каждого из них и подчеркнуть их смысловое единство. Построить – значит нарисовать предмет так, чтобы изображение сохранило все его характерные признаки, соразмерность частей, чтобы была соблюдена в композиции симметрия, пропорции и создавалась иллюзия объема.
Каждый предмет имеет свои определенные пропорции. Пропорции предметов – это соотношение величин частей предмета, соотношение части предмета и целого.
Необходимо найти соотношение между предметами и форматом листа. Ограничив поле, в котором будет находиться изображение основных частей натюрморта, можно несколькими легкими линиями наметить место каждого из предметов и плоскость, на которой они установлены.
Какой предмет в нашей постановке стоит ближе к вам, а какой дальше?
Какой предмет самый высокий в натюрморте? Самый низкий? (уточняется место каждого предмета по относительно друг друга, определяются их пропорциональные отношения).
Обратите внимание на таблицу с расположением предметов натюрморта на листе.
Какое расположение предметов на ваш взгляд является правильным?
Изображение предметов не должно быть очень крупным и выходить за пределы листа бумаги. Изображение не должно быть слишком мелким или сдвинуто, к какому- то краю.
Скажите, на какой, из этих композиций, предметы расположены правильно, а на каких - нет? Объясните почему?
Далее педагог при помощи педагогического рисунка показывает последовательное выполнение практического задания. Главное в натюрморте - это компоновка. Начинаем рисования с определения плоскости, на которой будут стоять все предметы. Плоскость выбирается с учетом перспективного искажения. Мы обобщаем изображение всех предметов натюрморта до прямоугольников, компонуем их на листе, начиная с самого крупного. В данном случае с кувшина. Наметив все предметы натюрморта, приступаем к построению кувшина. Работу начинаем с изображения осевой линии. Затем размечаем на ней точки, которые сформируют силуэт кувшина. Соединяем точки с помощью эллипсов. Эллипс это круг, который лежит в плоскости. В нашем случае мы смотрим на предметы немного сверху. Поэтому эллипс основания кувшина буде более открытым, чем сверху. Затем обрисовываем контур. Затем намечаем маленькое яблоко. Потом строим большое яблоко. Делаем легкую светотеневую раскладку. Определяем куда падает свет. Легким тоном отделяем теневую сторону предметов, и натюрморта в целом. Постепенно насыщаем рисунок тоном. Штрихи на предметах кладем по форме.
Ощущение объема достигается передачей разницы в освещении сторон (граней) предмета в зависимости от их расположения по отношению к источнику света.
Работу по выявлению формы мы продолжим на следующем уроке. А пока приступайте к графическому изображению натюрморта с натуры.
Учащиеся получают исторические знания. Занимаются творческим поиском для решения практико-теоретической задачи.
Определяют художественную цель урока.
Работают над формой предметов в натюрморте. Под руководством учителя вспоминают основы композиции, понятие конструкции, пропорций.
Анализируют форму и сравнивают с геометрическими телами.
Находят соотношение между предметами.
Выясняют правильное расположение композиции на плоскости. Объясняют свое решение.
Фронтальная, индивидуальная работа
Познавательные:
Устанавливают аналогии, создают модель объектов; сравнивают объекты по заданным критериям; строят логически обоснованные рассуждения.
Коммуникативные:
Излагают свое мнение, выдвигают контраргументы в дискуссии, делают выводы.
Личностные:
Осознают многообразие взглядов, свою позицию.
Предметные:
- получают представление о построении натюрморта с натуры.
III. Творчес-кая практи-ческая деятель-ность – ( 20-23 мин.)
Напоминание в виде кратких указаний
Индивидуальная работа с учащимися, помощь учителя нуждающимся ученикам, выявление общих ошибок, их анализ.
Напоминание детям: помните, что все мы измеряем, все предметы сравниваем по высоте, ширине, тону, форме, находим какой предмет выше, какой ниже и на сколько, какая геометрическая форма лежит в основе конструкции формы предмета.
Характерные ошибки исправляем вместе с детьми в ходе работы.
Ребята готовят рабочее место, размещают художественные материалы. Работают над построением натюрморта по предложенному описанию.
Индивидуальная работа.
Регулятивные:
Различают художественные средства и их возможности; планируют деятельность в учебной ситуации; определяют способы достижения цели.
Коммуникативные:
адекватно выражают и контролируют свои эмоции.
VI. Итоги урока.
Рефлек-сия – (4-5 мин.)
Беседа на основе заданных вопросов. Выставка работ учащихся.
-Скажите, пожалуйста, а какими основными приемами композиции пользуется художник для достижения образной выразительности?
Давайте рассмотрим наши рисунки и оценим работу по следующим критериям:
- правильно выбранный формат листа, компоновка;
- соблюдение пропорций и соотношений величины предметов;
- соблюдение правил перспективы;
- аккуратность выполнения работы.
Что нового узнали на уроке?
В чем испытывали трудность?
Что больше всего вас заинтересовало на уроке?
Где могут вам пригодиться знания, полученные на уроке?
На следующем уроке мы продолжим работу над натюрмортом, а сегодня всем спасибо за работу.
Отвечают на поставленные вопросы, анализируют свои работы и работы одноклассников. Обобщают полученные на уроке сведения. Оценивают результаты работы.
Индивидуальная работа.
Фронтальная работа.
Коммуникативные:
Излагают свое мнение в диалоге; строят понятные для партнера по коммуникации речевые высказывания; аргументированно оценивают свою работу; корректируют свое мнение.
Регулятивные: оценивают свою работу и работы своих товарищей; осознают правила контроля. корректируют свое мнение.
Регулятивные: оценивают свою работу и работы своих товарищей; осознают правила контроля.
infourok.ru
История натюрморта как жанра.
В изобразительном искусстве натюрмортом (от фран. natur morte - "мертвая природа") принято называть изображение неодушевленных предметов, объединенных в единую композиционную группу. Натюрморт может иметь как самостоятельное значение, так и быть составной частью композиции жанровой картины.
В натюрморте выражается отношение человека к окружающему миру. В нем раскрывается то понимание прекрасного, которое присуще художнику как человеку своего времени.
Искусство вещи издавна, еще задолго до превращения в самостоятельную область художественного творчества, было неотъемлемой частью всякого значительного произведения. Роль натюрморта в картине никогда не исчерпывалась простой информацией, случайным добавлением к основному содержанию. В зависимости от исторических условий и общественных запросов предметы более или менее участвовали в создании образа, оттеняя ту или иную сторону замысла. До того, как натюрморт сложился в самостоятельный жанр, вещи, окружающие человека в обыденной жизни, лишь в той или иной мере входили в качестве атрибута в картины древности. Иногда такая деталь приобретала неожиданно глубокую значительность, получала собственный смысл.
Как определенный вид или жанр живописи натюрморт знает в истории искусства свои расцветы и падения.
Суровое, напряженно-аскетическое искусство Византии, создавая бессмертные, монументально-обобщенные, возвышенно-героические образы, с необыкновенной выразительностью пользовалось изображениями отдельных предметов.
В древнерусской иконописи также большую роль играли те немногочисленные предметы, которые художник вводил в свои строго канонические произведения. Они вносили непосредственность, жизненность, порой казались открытым выражением чувства в произведении, посвященном отвлеченно-мифологическому сюжету.
Еще большую роль натюрморт играл в картинах художников XV - XVI веков в эпоху Возрождения. Живописец, впервые обративший пристальное внимание на окружающий его мир, стремился указать место, определить ценность каждой вещи, служащей человеку. Предметы обихода приобретали благородство и горделивую значительность их обладателя, того, кому они служили. На больших полотнах натюрморт занимал обычно очень скромное место: стеклянный сосуд с водой, изящная серебреная ваза или нежные белые лилии на тонких стеблях чаще ютились в углу картины. Однако в изображении этих вещей было столько поэтической влюбленности в природу, смысл их так высоко одухотворен, что здесь уже можно увидеть все черты, которые определили в дальнейшем самостоятельное развитие целого жанра.
Предметы, вещественный элемент получили в картинах новое значение в XVII веке - в эпоху развитого натюрмортного жанра. В сложных композициях с литературной фабулой они заняли свое место наряду с другими героями произведения. Анализируя произведения этого времени, можно увидеть какую важную роль стал играть натюрморт в картине. Вещи стали выступать в этих произведениях, как главные действующие лица, показывая, что может достичь художник, посвятив этому роду искусства свое мастерство.
Предметы, сделанные умелыми, трудолюбивыми, мудрыми руками, несут на себе отпечаток мыслей, желаний, влечений человека. Они служат ему, радуют его, внушают законное чувство гордости. Недаром мы узнаем о давно исчезнувших с лица земли эпохах по тем черепкам посуды, домашней утвари и ритуальных предметов, которые становятся для археологов разрозненными страницами истории человечества.
Вглядываясь в окружающий мир, проникая пытливым умом в его законы, разгадывая увлекательные тайны жизни, художник все полнее и многостороннее отображает его в своем искусстве. Он не только изображает окружающий его мир, но и передает свое понимание, свое отношение к действительности.
История сложения и развития различных жанров живописи - живое свидетельство неустанной работы человеческого сознания, стремящегося охватить бесконечное многообразие деятельности, эстетически ее осмыслить.
Натюрморт - сравнительно молодой жанр. Самостоятельное значение в Европе он получил лишь в XVII веке. История развития натюрморта интересна и поучительна.
Особенно полно и ярко натюрморт расцвел во Фландрии и Нидерландах. Его возникновение связано с теми революционными историческими событиями, в результате которых эти страны, получив независимость, в начале XVII столетия вступили на путь буржуазного развития. Для Европы того времени это было важным и прогрессивным явлением. Перед искусством открылись новые горизонты. Исторические условия, новые общественные отношения направляли и определяли творческие запросы, изменения в решении стоящих перед живописцем проблем. Прямо не изображая исторических событий, художники по-новому взглянули на мир, новые ценности нашли в человеке. Жизнь, обыденно предстали перед ними с неизвестной дотоле значительностью и полнотой. Их привлекали особенности национального быта, родной природы, вещей, хранящих на себе отпечаток трудов и дней простых людей. Именно отсюда, из сознательного, углубленного, самим строем подсказанного интереса к жизни народа, родились обособленные и самостоятельные жанры бытовой картины, пейзажа, возник и натюрморт.
Искусство натюрморта, сложившееся в XVII веке, определило основные качества этого жанра. Картина, посвященная миру вещей, рассказывала об основных свойствах, присущих предметам, окружающим человека, раскрывала отношение художника и современника к тому, что изображено, выражала характер и полноту познания действительности. Живописец передавал материальное бытие вещей, их объем, вес, фактуру, цвет, функциональную ценность предметов обихода, их живую связь с деятельностью человека.
Красота и совершенство домашней утвари определялись не только их необходимостью, но и мастерством их создателя. В натюрморте революционной эпохи побеждающей буржуазии отражалось уважение художника к новым формам национальной жизни соотечественников, уважение к труду.
Сформулированные в XVII веке, задачи жанра в общих чертах существовали в европейской школе вплоть до середины XIX века. Однако это не означает, что художники не ставили перед собой новых задач, механически повторяя готовые решения.
На протяжении эпох менялись не только методы и способы живописного решения натюрморта, но накапливался художественный опыт, в процессе становления развивался более сложный и постоянно обогащающийся взгляд на мир. Не один предмет как таковой, но различные его свойства становились объектом перевоплощения, и через раскрытие вновь понятых качеств вещей выражалось свое, современное отношение к действительности, переоценка ценностей, мера понимания реальной действительности.
Импрессионизм как течение.
. Импрессионизм, живопись импрессионистов… сегодня, в последние годы уходящего тысячелетия, одно лишь упоминание этих окрашенных эмоциями понятий неизменно вызывает теплые чувства у тех, кто знаком с творчеством представителей, быть может самого популярного направления современного искусства. Французские слова "импрессион" ("впечатление") и "импрессионисты" ассоциируются с поэтической атмосферой небольших по формату пейзажей, словно наполненных солнечным светом и вибрирующим воздухом, с прекрасными женскими образами, как бы материализующими встречу с "мимолетным видением".
За относительно короткий исторический период импрессионизм как художественное течение прошел эволюционный путь становления, расцвета и, наконец, кризиса. Прежде монолитная группа художников – единомышленников распалась, в творчестве каждого из них произошел перелом, обусловивший отход от канонов импрессионистической системы. Полотна импрессионистов с точки зрения американского поставангардизма превращаются в милые сердцу виньетки, засушенные цветы между страницами любимых книг, успокаивающие и вызывающие ностальгию о прошлом, не более; им нет места в мире бездушной технократии. Но так ли это? И кто же они импрессионисты? Последние романтики отжившей цивилизации, стремительными, яркими мазками как бы перечеркнувшие грязно-коричневые холсты XIX века или аляповатые по цвету, зализанные и залаченые полотна прославленных академиков, что бы в этом легком прикосновении кистью заодно проститься и с переполненным эмоциями культурным пространством "века романтиков" и не менее романтичных "реалистов"? Или первые бунтари, интеллектуалы, ощутившие свободу и мощь собственно живописи, материальной стихии красок, способных "проживать" вместе с художником реальные мгновения бытия, преломлять лучи дневного света с помощью положенных прямо на холст, но не скрытых под слоями лака и лессировок выпуклых мазков, нести информацию данном, конкретном, ускользающем состоянии мира и зависящей от него эмоциональной сферы, смены настроений?
В противоположность академическому искусству, опиравшемуся на каноны классицизма – обязательное помещение главных действующих лиц в центре картины, трехплановость пространства, использование исторического сюжета, - импрессионисты выдвинули собственные принципы восприятия и отображения окружающего мира. Они перестали разделять предметы на главные, достойные высокого искусства, и второстепенные. Отныне изображенным в картине мотивом мог стать стог сена, фрагмент неровной поверхности каменного готического собора, разноцветные тени от предметов в полуденные часы, куст сирени, отражение зелени и неба в воде, движение снующей по улице толпы. При этом они не ставили перед собой задачу копировать переходящее состояние природы. Беспрерывная вибрация пульсирующих шероховатых мазков на картинах импрессионистов уничтожала иллюзию трехмерного пространства, обнажая исконную двухмерность холста и, заставляя зрителя расшифровывать тайны самой живописи.
От времени, когда импрессионисты вели яростные сражения с академическими мэтрами за утверждение новых средств в живописи, нас отделяет больше столетия. Но споры вокруг интерпретации их наследия не утихли до тех пор. В сотнях монографий, посвященных отдельным художникам, каталогов выставок статей даются разные оценки роли их искусства в становлении нового языка живописи XX века.
Двумя главными завоеваниями импрессионистов стали: изменение живописной техники и психологического содержания картины. И сегодня, даже зная обстановку той эпохи, трудно сразу найти ответ на вопрос, почему же пейзажи импрессионистов, столь радостные, бесхитростные, поэтические, вызывали резкое неприятие и насмешки публики и критиков. Главная причина понимается в том, что для обывателей и официальной критики, импрессионистическая живопись не укладывалась в рамки общепринятого, воспринималась как нечто низменное и вульгарное, недостойное того, чтобы быть признанным "истинным" искусством.
Весной 1874 года группа молодых художников пренебрегла официальным салоном и устроила собственную выставку. Подобный поступок ужу сам по себе был революционным и рвал с вековыми устоями. Картины же этих художников на первый взгляд казались еще более враждебными традиции. Реакция на это новшество со стороны посетителей и критиков была далеко не дружественной. Они обвиняли художников в том, что те пишут не так как призванные мастера, - просто для того, чтобы привлечь внимание публики. Наиболее снисходительные рассматривали их работы как насмешку, как попытку подшутить над честными людьми. Потребовались годы жесточайшей борьбы, прежде чем члены маленькой группы смогли убедить публику не только в своей искренности, но и в своем таланте. Эта группа включала Моне, Ренуара, Писсаро, Сислея, Дега, Сезанна и Берту Моризо. Члены ее обладали не только различными характерами, но в известной мере придерживались также различных концепций и убеждений. Однако все они принадлежали к одному поколению, прошли через одни и те же испытания и боролись против общей оппозиции. Объединившись почти случайно, они сообща разделили свою участь. Так же как и приняли название "импрессионисты" - название, придуманное в насмешку одним журналистом – сатириком.
Новый этап искусства, начавшийся выставкой 1874 года, не был внезапным взрывом революционных тенденций, он явился кульминацией медленного и последовательного развития. Когда импрессионисты организовывали свою выставку, они уже не были неопытными, начинающими художниками; это были люди, перешагнувшие за 30, имевшие за плечами свыше пятнадцати лет усердной работы. Из уроков прошлого и настоящего они создали свое собственное искусство.
Натюрморт в импрессионизме.
Новую концепцию натюрморта наиболее отчетливо сформулировал в своем творчестве величайший французский реалист Гюстав Курбе. Непосредственность его контакта с природой и демократизм, лежащий в основе его творчества, вернули западноевропейскому натюрморту жизненную силу, сочность и глубину. Курбе был первым крупным мастером XIX столетия, который создал школу в натюрморте.
Дальнейшее развитие реалистический натюрморт получил в творчестве Эдуарда Мане. В серьезном внимании Мане к этому жанру пример Курбе сыграл не последнюю роль. Обоих мастеров объединяло сходное стремление к наибольшему приближению к натуре. Однако в понимании задач и возможностей натюрморта позиции художников значительно расходились. Там, где Курбе стремился с пристрастием подчеркнуть проявление извечных общих законов жизни, Мане через фиксацию внешних и как бы случайных качеств пытался проникнуть в трудно уловимый индивидуальный характер предмета. Поэтому рядом с Курбе Мане кажется менее солидным и основательным. Но в изображении доступной глазу красоты художник был непревзойден. Более того, Мане и в натюрморте точно так же, как в других жанрах, стремится постичь современную жизнь, современное ему понимание прекрасного. Он упрощает композицию, сокращая количество предметов. Мы никогда не встретим у него перегруженности или искусственной многосложности, которые так любили его предшественники. Но зато все возможные материальные качества мира вещей, являемые в тех двух - трех предметах, которыми он ограничивается, запечатлены всегда с большим блеском и виртуозностью. Примером такого решения темы могут служить его натюрморты, возникшие в 1860-е годы.
В 1863 году в "Салоне отверженных" среди других картин Мане выставил "Завтрак на траве"(1863, Лувр, Париж), на долю которой выпало наибольшее количество насмешек и совсем не литературной брани критиков, хотя в этой работе он взял на себя смелость всего лишь пересказать любимый им "Сельский концерт" Джорджоне, хранящийся в Лувре, на современный лад, воодушевившись прогулкой с Прустом на берег Сены в Аржантейле и зрелищем купальщиц на солнце.
Человеческие фигуры "Завтрака на траве" и натюрморт на первом плане картины - шляпа, платье, хлеб, корзина с фруктами - превосходны. Они очень реальны. Прозрачны и солнечны чистые и нежные оттенки натюрморта переднего плана - серебристые, голубые, сливающиеся в подлинную музыкальную гармонию. Мане впервые здесь решил с такой новизной и блеском задачу настоящей пленэрной живописи, словно вобравший в себя все находки и открытия Веласкеса, Гойи, Шардена, Констебля, но еще более свободной, открытой и смелой. Но в ней он еще не довел до конца свою живописную революцию. В ней еще нет солнца прозрачности воздуха, еще нет чистоты цвета и цвет еще локальный и мертвый. В полотне присутствует еще театральность и условность. Но лежащие на траве платье, шляпа, фрукты все равно полны пленэрной свежести, легкости и изящества. Именно из-за этих, не предвиденных Мане композиционных и колористических противоречий в картине возник оттенок рассудочности и условности, явно в замысел Мане не входивший.
Мане быстро разобрался в причинах противоречий в "Завтраке на траве" и никогда их больше не повторял. Картина эта была переломной в его творчестве.
Большое внимание уделено натюрморту в последнем его шедевре - написанным за два года до его ранней смерти, картине "Бар в Фоли - Бержер"(1881,Лондон, Институт Варбурга и Курто) Обращенная к зрителю девушка - продавщица за стойкой бара, уставленной бутылками и фруктами, - задумчива и печальна. За ней в зеркале во всю стену отражено переливающееся серебром, заполненное публикой, залитое сверканием ламп и люстр обширное пространство бара. Прозаическая стойка бара превращена волшебством художника в драгоценную оправу, из сверкающего нежными и глубокими оттенками натюрморта, для прекрасной девушки - продавщицы, представленной нам Эдуардом Мане прекрасной богиней. В мерцающем свете люстр на белой поверхности стойки бара зелеными и коричневыми тонами переливается стекло бутылок с вином, золотыми искрами поблескивают их головки. В прозрачной хрустальной вазе, которая словно соткана из сверкающих бликов, золотистой горкой лежат фрукты. Прямо перед девушкой на стойке в прозрачном, как воздух бокале, стоят две розы. Их лепестки также нежны, как и кожа девушки.
Портрет и натюрморт в этой картине гармонично соединены талантом художника единое целое и живут одной жизнью. Эта картина стала блестящим завершением той колористической революции, которую Мане развернул в своей живописи, начиная с "Олимпии", "Выхода у Булонского порта" и ряда натюрмортов в 1860-1870-х годах. Мане опирался на цветовую гармонию и пленэрные открытия своих предшественников, но он придал своему цвету и свету особенную остроту и прозрачность, изгнал из своей живописи черные тени, заменив их окрашенными в дополнительный цвет солнечного спектра, выбросив глухие, землистые краски, освободился от сухой и искусственной академической моделировки.
Начиная с 1875 года и, особенно в натюрмортах последних лет жизни, Эдуард Мане приближается к импрессионизму, хотя и в эти годы остается верен принципу предметной характеристики образа. Его многочисленная серия цветов, выполненная уже серьезно больным художником, демонстрирует новый взлет творчества Мане - натюрмортиста. Работы этих лет поражают чистотой вдохновения и искренностью, тем особым тонким чувством трепетной жизни цветка, которое, пожалуй, никто, кроме него, не мог уловить. Перед нами его картина "Ваза с цветами"(1882, Париж, Лувр). Композиция натюрморта крайне проста - в небольшом сосуде стоит скромный букет, Зеленые листья и крупные цветы небрежно и естественно переплелись между собой. Сумрак фона ласковой воздушной волной окутывает и как бы пронизывает легкую трепетную массу букета. Каждый лепесток, словно радужное крыло бабочки, хранит отблеск других цветов и листьев, отсвет солнца, голубой рефлекс небесной синевы. Стекло воспринимает отражение стеблей внутри и краски предметов снаружи вазона. Отдельная вещь уже не обладает единственным, ему присущим цветом, а как бы связана общей красочной средой с другими, откликаясь на близлежащие тона и полутона. Благодаря этому создается особое, новое для искусства той поры ощущение многокрасочности и целостности мира. Рефлексы заставляют чувствовать роль света для выявления звучности, интенсивности отдельных цветовых пятен.
Вместе с освещением в натюрморт "входит" воздух. Предметы кажутся окутанными легкой голубоватой думкой прозрачной пространственной среды. От этого живая ткань цветов и листьев обретает новую трепетность едва ощутимую подвижность. Лепестки, напоенные влагой, раскрываются, тянутся к свету чашечки цветов, зелень топорщится вырезанным кружевом. Жизнь предстает еще в одном своем качестве - в прелести единственного, непрочного, неповторимо прекрасного мгновения. Возникает по-своему яркое, хотя и несколько одностороннее раскрытие определенных свойств окружающего мира.
В ключе изысканности тончайших оттенков написан другой натюрморт Мане с цветами "Белая сирень стеклянной вазе" (1882 или 1883 год, Берлин - Далем, Музей). Мане легко и свободно лепит пластику букета, стакана и глубину пространства точными и немногими ударами кисти и большими плоскостями чистого цвета, а светоносную среду передает выверенной градацией и смелыми контрастами тончайших оттенков белого и зеленого. Натюрморт удивительно лаконичен, в нем нет ничего лишнего. Только ветка сирени и луч света. Мане ввел в живопись солнце. Белые гроздья цветов словно напоены, как влагой, солнечным светом, который выхватывает их из нежных зеленых сумерек заднего фона картины. Напоен светом и стеклянный стакан, в котором стоят цветы. Он похож на кристалл благородного и чистого хрусталя.
Не так уж много было до него художников, чье искусство было полно такого же, поистине солнечного и мудрого, утверждения жизни.
Новый метод чрезвычайно обогатил живопись, открыв ей целый мир, ускользавший раньше от внимания художников. Картины молодых живописцев отличались небывалой свежестью восприятия, говорившей об их предельной искренности, о трепетном, живом чувстве природы.
В этом же ключе пишет свои полотна и Эдгар Дега. Наиболее значительную часть творчества раннего Дега составляют портреты. Они отличаются высоким мастерством. В его творчестве получают развитие тенденции бытового портрета. Примером этого может служить портрет "Дамы с хризантемами".(1865, Нью-Йорк, Музей Метрополитен). Большую часть картины занимает громадный букет пестрых цветов. Фигура сидящей женщины отодвинута в сторону и гораздо скромнее дана колористически, однако благодаря мудрому композиционному решению, между ней и букетом хризантем устанавливается своеобразное эмоциональное равновесие, при котором они взаимно дополняют друг друга: цветы придают поэтическую прелесть образу задумывавшейся женщины, ее же присутствие сообщает их красоте особую одухотворенность. Здесь натюрморт занимает большую часть картины. Задумалась на мгновение женщина, и на мгновение застыли пестрым ковром роскошные пушистые цветы.
Дега - не только умелый рисовальщик и опытный колорист, но и столь же талантливый литератор и философ, что чувствуется в каждом произведении этого глубокого художника.
Клод Моне берется за рисование всего, что поражает его взгляд: луг, уголок сада, вокзал, интерьер квартиры, фрукты на столе - все одинаково его интересует. Все его картины свидетельствуют о наблюдательности искренности большого художника.
Перед нами его натюрморт "Яблоки и виноград"(1880, Чикаго, Институт искусств). Гармоничность и лаконичность этого натюрморта ласкает глаз. Отличительной его чертой является простота, посредством которой и достигается гармония. Весь секрет тут в очень точном наблюдении и взаимоотношении тонов, умении, чувствовать которые во всей их точности, есть совершенно особый дар, которым и определяется талант живописца.
Белая скатерть играет всеми оттенками голубого. Поблескивают гладкие упругие бока сочных яблок. Налитые соком гроздья винограда живописно улеглись на изящной плетеной тарелке. Несколько прозрачных, налитых соком и светом виноградин скатились на скатерть. Чувствуется, что натюрморт существует не в пустоте. Пространство вокруг него наполнено голубоватым воздухом и светом.
В этом натюрморте Моне вкладывает в предметы ту силу и динамичность, которые придают им жизнь, он одушевляет их. На его картине все живет напряженной жизнью, которую никто до него не сумел уловить, о которой никто даже не догадывался.
При взгляде на это полотно испытываешь восхищение, а если и сожалеешь, то лишь о том, что не можешь взять в руку эти плоды и ягоды и почувствовать их спелые и тугие, налитые соком бока.
В отличие от Моне в творчестве Огюста Ренуара сложно найти полотна в жанре натюрморта. Их очень немного, они небольшие по размерам и почти все находятся в частных коллекциях.
Ренуар любил цветы и писал их с большой любовью. Может, поэтому он часто их использовал и в своих жанровых композициях, и в своих натюрмортах. Ранние натюрморты, где главенствуют цветы, написаны в пастельных тонах; да и сложно сказать, что они относятся к импрессионизму. Но вот перед нами небольшой натюрморт "Анемоны" (1898, Нью-Йорк, Частное собрание)". Здесь уже нет никаких пастельных тонов. Вглядываясь в него, можно увидеть, что Ренуар очень тонко передает не только различные оттенки цветов и их очевидную красоту, но и их форму: одни цветы стоят вертикально, другие - согнулись, а третьи - опустили свои головки почти до стола. Каждый цветок настолько естественен и неповторим, словно художник проник взглядом в его сущность.
Этот холст выполнен в той же технике, что и все его картины этих лет. В нем есть все то новое, что привнес в живопись импрессионизм: воздух и свет. Желто - коричневый фон лежит тонким слоем и словно вода обтекает цветы и вазу, создавая эффект воздушности. И на этом фоне яркими цветными бабочками пламенеют головки цветов. Штриховые мазки подчеркивают эффект огня. Темная ваза уравновешивает букет. Поверхность стола сливается с фоном, чтобы большое пространство одного цвета не перевешивало композицию. И только небольшое световое пятно указывает поверхность, на которой стоят цветы. Игра бликов и цветных штрихов создают неповторимую естественность и непосредственность, которая присутствует во всех работах Ренуара.
Другой его натюрморт из частного собрания - "Плоды в вазе в форме раковины (Fruits of the midi)" (1881,Нью-Йорк). Плоды, которые запечатлел Ренуар на этом полотне, словно живые.
В то время, когда Ренуар писал это полотно, он часто бывал у друзей в Эстаке, где встречался с Сезанном и видел его работы. Ренуар был в восторге от натюрмортов Сезанна, он считал его непонятым талантом. И этот натюрморт Ренуар явно пишет под влиянием картин Сезанна. Но есть и отличия в их работах. Если Сезанн создавал свои композиции из нескольких предметов, то у Ренуара – их двадцать четыре! И все самые разные: изобилие форм и красок! Все предметы в этом натюрморте Ренуара очень декоративны. Декоративно и блюдо в форме створки раковины. Композиция очень живописна: ярко – красный перец, фиолетовые баклажаны с голубыми бликами света –словно живут в плоскости этой картины. Очень четко разделены светлые и темные стороны композиции. Темная – в левой верхней стороне холста и в противовес ей светлая – в основном на переднем плане и справа. Яркие пятна красных перцев образуют почти равносторонний треугольник. Темно – фиолетовый и голубой, желтый и зеленый сохранены для другой стороны. Вся эта композиция усиливается двумя круглыми ярко красными плодами слева и уравновешивается двумя пурпурными гранатами с фиолетовыми бликами – справа. Во всем этом опять чувствуется влияние Сезанна. Все нюансы верхней части композиции повторяются в складках скатерти, словно она впитала в себя со светом все краски плодов.
Великолепный натюрморт есть и в его жанровом полотне "Завтрак гребцов" (1881, Вашингтон, Галерея Филлипс).
Вся картина написана в удивительно радостной гамме. Свет заливает все полотно, в нем все - и радость, и ясность, и жаркий летний день, и трепетные зеленые заросли кустарника, и заставленный посудой, фруктами и бутылками стол. Не смотря на обилие предметов на столе, натюрморт на перегружен, все в нем гармонично. Сразу чувствуется, что картина написана подлинным художником - импрессионистом, наблюдателем, не только умеющим подмечать живописное, но и делающим это со всей добросовестностью. Этот натюрморт обладает высокой художественностью и исключительным вкусом. Как и вся картина, натюрморт обаятелен во многих отношениях: эффекты верны, гамма утонченная, впечатление едино и отчетливо, свет превосходно распределен. Натюрморт написан с большой искренностью, которой отличаются все картины импрессионистов. Прелестны оттенки белого на солнце. Безмятежность и ясность не только в фигурах людей, но и в предметах. Во всем царит жизнь, задорное веселье летнего дня. Предметы оживают под кистью художника. Дробятся солнечные блики в стекле бутылей с вином, в хрустальных гранях бокалов и само вино - густое и терпкое - пронизано солнечным светом. Блики солнца играют и на тугих боках, нагретых солнцем, фруктов и винограда, которые удобно расположились в высокой изящной вазе. Одна золотистая кисть винограда на белой скатерти вся искрится в лучах солнца. Голубые тени, словно живые, спрятались в складках белой скатерти. Глядя на этот накрытый стол солнечным летним утром, чувствуешь, что и натюрморт, и вся картина полны жизни и безмятежности. Эти молодые люди на террасе наслаждаются жизнью, великолепной погодой, утренним солнцем, чудесным завтраком. "Они счастливы" - вот, что приходит в голову каждому, кто видит эту очаровательную картину.
Ренуар - импрессионист - романтик, наделенный сверхчувствительным темпераментом. Все в его картине сохраняет подлинную динамичность, а лучи света - свою трепетность. Переданные впечатления в этой картине столь же неуловимы, как непосредственное впечатление от утренней свежести реки, от тепла, которым дышит нагретый солнцем песок, запаха реки, румянца девичьих щек... Мы должны быть признательны этому великому художнику, что он уловил и сохранил для нас их на своем полотне.
В творчестве импрессионистов натюрморт не был столь же важной темой, как у реалистов и Мане. Импрессионисты создали свою концепцию натюрморта, как бы походя, перенеся на этот жанр принципы пленэра разработанные ими в области пейзажа. Признав и в натюрморте активным началом лишь свет и воздух, они превратили предмет в простого носителя световоздушных рефлексов. Поэтому предмет начинает терять свои объективные свойства, контуры его расплываются, объем и масса утрачивают свою материальную ощутимость. Воспринимая мир вещей лишь с одной красочно - живописной стороны и достигнув определенного прогресса в наблюдении и фиксации изменчивости освещения в природе, они дошли, наконец, до того, что утеряли и последнее материальное качество предмета - устойчивость цвета. Эта дематереализация предмета в искусстве импрессионистов явилась первым симптомом упадка западноевропейского натюрморта, хотя импрессионизм, с его культом солнечного света и сверкающей чистыми цветами радуги палитрой, внес в этот жанр радостные, светлые, оптимистические нотки.
Импрессионизм недолго был ведущим направлением в западноевропейском натюрморте. Помимо К. Моне и О. Ренуара, весьма немногие среди импрессионистов создали значительные произведения в этом жанре. Но отдельные мастера, в том числе даже такие крупные, как П. Боннар, следовали примеру К. Моне и XX веке. Первой реакцией на импрессионисткую концепцию изображения предметного мира были натюрморты Сезанна.
Натюрморт был вторым важнейшим жанром, после пейзажа, в творчестве Поля Сезанна. Работы начала 1870- х годов еще несложны по расстановке предметов, и в них сквозит какая - то теплота, напоминающая о Шардене. К этому периоду относится романтический по настроению "Натюрморт с черными часами"(1869 – 1870, Частное собрание). В нем часы, раковина, ваза, чашка, лимон - послужили Сезанну мотивом для натюрморта, представляющего собой по силе выполнения, по простоте, а главное - по пластичности формы, бесспорно, одну из самых больших удач Сезанна. Выбранные предметы несут символические ассоциации, но акцент перемещается в область конструктивного настроения: здесь чувствуется пространство, со всех сторон окружающее вещи, но вместе с тем подчеркнута и плоскость картины.
Проблема пространства в творчестве Сезанна была решающей, ибо "продолжать импрессионизм было некуда и незачем. Разве что в тупик к абстракции. Оставался только один путь спасения искусства, способного охватить мир в его целостности, - путь создания новейшей системы видения, которая могла бы вместить в себя как пространство, так и время. Нужно было пойти на штурм времени, как когда - то Джотто пошел на штурм пространства. Вот тогда-то и появился Сезанн" (Прокофьев В.Н)
В 1873 году в Овер-сюр-Уаз Сезанн ходит к другу доктору Гаше писать натюрморты. Доктор Гаше предоставляет в его распоряжение фрукты, кувшины и кружки, итальянский фаянс, ячеистое стекло и всякую всячину. Цветы, собранные для него госпожой Гаше, художник ставит в дельфитские вазы.
Сезанн терпеливо, обостряя свое виденье, постигает сложное сочетание красок, какое дарит ему мир. К этому времени Сезанн - ученик Писсаро - становится поистине художником - импрессионистом. Однако в силу своей природной склонности, а может быть, сказывается и привычка к точности и порядку, Сезанну трудно удовлетвориться простой передачей "впечатлений"; у него врожденная потребность "организовать" свое полотно, придать ему стройность, ритм, единство, постичь его разумом. Импрессионизм, безусловно, научил Сезанна всему или, по крайней мере, существенно важному. А главное - тому, что в живописи цвет имеет решающее значение. Но есть в импрессионизме какая - то тенденция к поверхностным впечатлениям, которая мешает художнику, и которую он более или менее сознательно старается устранить. Кроме всего прочего, разум тоже должен сказать свое слово. Импрессионисты с восторгом поэтов ограничиваются тем, что непосредственно во всей его свежести фиксируют ощущение, вызванное натурой. Но Сезанн больше не считает это допустимым так просто, без всякого усилия, отдаваться на волю своего чувственного восприятия. "Художник, - говорит он, - не должен передавать эмоции, подобно безумно поющей птичке, художник творит сознательно".
Странная загадка эта живопись! Наблюдая предметы, Сезанн приходит к выводу, что симметрия, которую мы вносим в изображение, не более чем обман. В действительности же, если подробно и внимательно изучать форму, замечаешь, что та сторона предмета, которая освещена с боку, как бы разбухает, увеличивается, обогащенная тысячью оттенков, в то время как тень сокращает, уменьшает, словно гасит темную сторону. Выясняет он это с кистью в руках. Под его мазками бока вазы - "Голубой вазы"(1885 - 1887 года) - теряют пропорциональность.
Уже давно в живописи Сезанн опередил эпоху. Он устремился в будущее. Зрело обдуманная и точно построенная, каждая работа Сезанна становится песней, которую художник насыщает волнующей поэзией и трепетным чувством.
"Залитые светом в фарфоровых вазах, разбросанные на белой скатерти лежат груши и яблоки, грубоватые, топорные, как будто вылепленные лопаткой штукатура и поправленные большим пальцем. Если подойти вплотную, перед вашими глазами - неистовое нагромождение мазков киновари и желтого цвета, зеленого и синего; отступив на фокусное расстояние, видите плоды, достойные витрины лучшего магазина", сочные, спелые, аппетитные. И тут вам открывается то, чего вы до сих пор не замечали: странные и в то же время реальные тона, цветовые пятна неожиданные в своей достоверности, прелестные грубоватые тени в складках скомканной скатерти и вокруг разбросанных по ней плодов. Сравнивая эти полотна с обычными натюрмортами, выполненными в неприглядных серых тонах и на невыразительном фоне, вы с особой ясностью ощущаете всю их новизну. Словом, перед нами колорист - предвестник будущего, который в еще большей мере, чем Мане, способствовал развитию импрессионизма; "он открыл горизонты нового искусства" - так писал о натюрмортах Сезанна парижский журналист "Ла краваш" Гюисманс в 1888 году.
К концу 1880-х годов относится натюрморт "Персики и груши" (Москва, музей им. А. С. Пушкина). Рассматривая его, ощущаешь внутреннюю напряженность картины. Здесь Сезанн сам задает себе урок, расставляет посуду, подкладывает мелкие монетки под фрукты, чтобы придать им разный наклон, выбирает точку зрения.
Простой столик с выдвижным ящиком фигурирует в натюрмортах десятки раз, но каждый раз он служит площадкой для иного действа.
Предметы не напоминают о частной жизни художника, нет в них никаких ассоциаций, как было в ранних работах. Сила их и красота в сопоставлении простых форм и чистых цветов. В этом натюрморте струится волнами салфетка, смятая на столе, и, сопротивляясь ее движению, лежат тяжелые груши, слегка накренилась тарелка с персиками, а высокий молочник стоит устойчиво прямо, указывая своим носиком в левый верхний угол картины. Динамичность в натюрморте подчеркивает то, что на фоне его видна, идущая под углом к краю стола, нижняя часть стены с широкой синей полосой по низу. Пространство веером раскрывается слева направо, обтекая и обволакивая все предметы, создавая между ними некое напряженное поле. Легко заметить, что в картине отнюдь не соблюдаются правила прямой перспективы, совмещается несколько точек зрения - так откровенно этот прием в живописи до Сезанна не применялся.
В свой краткий импрессионистский период он разглядел и попытался преодолеть слабые стороны этого течения. Сезанн вернул цвету устойчивый характер, отказавшись от чрезмерно нюансированного цвета импрессионистов - цвета, починенного задачам изображения света. Благодаря этому Сезанн вновь обрел материальный предмет в натюрморте. Любое цветовое пятно в зрелых произведениях художника ложится строго по форме предмета, свидетельствует о его реальном цвете, подчеркивает его контур и объем.
Импрессионисты - приверженцы оптического, поверхностного, и в буквальном и в переносном смысле слова, восприятия предмета - начисто забыли о существовании материальной субстанции вещей, об их внутреннем содержании и структуре. В поиске этих качеств Сезанн несколько перегибает палку. Стремление вернуть предмету вес, костяк и объем приводит его к попыткам утвердить неизменные, как бы изначальные формы предметов, прообразы которых он видел в основных простейших фигурах стереометрии - шаре, цилиндре, пирамиде. Композиции его натюрмортов получают устойчивость и почти классическую уравновешенность, но мир, воссозданный по законам его искусства, выглядит лишенным подлинной жизни - статичным. Так односторонность импрессионистского восприятия предмета только лишь мимолетном моменте беспрерывного, не знающего покоя движения сменяется у Сезанна другой крайностью - восприятием его в момент абсолютного, ничем не нарушенного покоя вечности. В произведениях последнего периода творчества Сезанн в известной степени преодолевает этот свой недостаток - его композиции становятся динамичнее, эмоциональнее, подавляемое раньше чувство природы чаще находит себе единственный выход.
Русский натюрморт XIX века.
Русская культура на рубеже веков имеет самое непосредственное отношение к истории импрессионизма. А Москва, наряду с Парижем и Нью-Йорком, является третьим городом мира, где перед первой мировой войной была сосредоточена лучшая часть импрессионистического наследия. Это заслуга представителей двух старинных купеческих фамилий – Щукиных и Морозовых, обогативших нашу столицу в начале века уникальными коллекциями новейшей французской живописи, от Моне до Пикассо.
В творчестве русских реалистов середины и второй половины XIX столетия натюрморт был явлением сравнительно редким. И только на рубеже прошлого и нынешнего веков он вырос в художественное явление мирового значения.
Особенный интерес к натюрморту в русской живописи начинает пробуждаться в 80- х годах прошлого века. Одно из главных мест принадлежит здесь работам И. И. Левитана (1860 - 1900). Они не велики по размеру, скромны по замыслу. Эти работы Левитана, в сущности, еще традиционны: букеты взяты изолированно от окружающего их пространства комнаты, на нейтральном фоне. Задача здесь ясна и проста: по возможности более убедительно передать неповторимую прелесть выбранной натуры. Однако в эти годы в творчестве К. К. Коровина (1861 - 1939) и В. А. Серова (1865 - 1911) можно ощутить новые веяния.
Характер новых тенденций можно определить, как стремление художников связать натюрморт - сюжетно и живописно - с окружающей средой. "Мертвую натуру" выносят на пленэр, то есть на воздух, под открытое небо, связывают с пейзажем или же, напротив, органически соединяют с интерьером комнаты. В натюрморте хотят увидеть отражение мироощущения конкретного человека, его жизненного уклада, наконец - его настроения.
Одно из ранних полотен Коровина прекрасно иллюстрирует эти новые тенденции. Речь идет об изображении дружеского общества на даче художника В. Д. Поленова - "За чайным столом" (1888, музей-усадьба В, Д, Поленова). Картина написана почти в пленэре - на террасе загородного дома. За столом сидит жена художника, рядом мирно беседуют ее сестра и сестра самого Поленова - обе молодые талантливые художницы. Целью живописца было передать ощущение теплого летнего дня, прелесть непринужденной дружеской беседы. Бодрящая свежесть, исходящая от солнечной зелени, от молодых лиц, в большей мере создается и натюрмортом - этим зрелищем красных спелых ягод в белой тарелке, белизной свежей скатерти, молоком, налитым в высокие прозрачные стаканы. Внутреннее, эмоциональное единство, в котором находится все изображенное на картине, достигается, прежде всего, чисто живописным решением полотна. И фигуры людей, и пространство природы, и предметы сервировки накрытого стола - все написано с учетом той световоздушной среды, которая их окружает. Пронизана солнцем зелень сада, отбрасывает зеленоватый свет на лица людей. Зеленоватыми и золотыми бликами искрится самовар в центре стола. Мягко поблескивает стекло стаканов, отражая и вместе с тем пропуская свет. Легкие холодные тени лежат на скатерти, на белой, тщательно отглаженной блузе молодой женщины; в свою очередь, свет, отраженный от блузы, от скатерти, еще более высветляет те немногие легкие тени, которые есть в картине.
В этой работе Коровин положил начало дальнейшему развитию натюрморта. Стремление художника расширить границы натюрморта, теснее связать его с человеком, с окружающим миром приводит во многих случаях к органичному слиянию этого жанра с портретом, пейзажем, интерьером и бытовой живописью. Изображение "мертвой натуры" становиться здесь более многозначительным, превращается в активное средство раскрытия образа. И это характерно не только для начальных этапов, но и для всего периода развития натюрморта конца XIX- начала XX веков. Особенно связь натюрморта с пейзажем прослеживается в творчестве К. А. Коровина и Э. Грабаря.
И. Э. Грабарь – художник не только другого поколения, но и несколько другого направления, чем К. Коровин, но его также причисляют к лучшим и типичным представителям русского импрессионизма.
Но К. Коровина и Грабаря можно объединять, лишь слишком широко и общо понимая импрессионизм как искусство впечатления и, так сказать, оптического восприятия и трактовки природы. Но за этим общим начинается существенное различие и в самом конкретном восприятии.
Именно в творчестве этих художников много работ, которые можно назвать натюрмортом в чистом виде. Именно в их искусстве новые тенденции нашли свое наиболее отчетливое выражение: натюрморт становиться выразителем настроения человека, он органически соединяется - и по содержанию и чисто живописно - с той жизненной средой, в которой существует этот человек.
В работах Грабаря всегда ощущаешь отражение чьей-то жизни. Вспоминая свои работы, Грабарь рассказывает, что большинство из них было почти целиком "увидено" им в реальной бытовой обстановке, в загородном имении его друга художника Н. В. Мещерина, где очень любили цветы, и где разнообразнейшие букеты ставились круглый год. Там были созданы "Цветы и фрукты на рояле" (1904, Русский музей), "Сирени и незабудки" (1904, Русский музей). Они потребовали, по свидетельству самого художника, совсем незначительной компоновке, подсказанной к тому же натурой.
Как позволяют судить воспроизведения, очень интересна одна из ранних работ этой группы - полотно "Утренний чай" (1904, Национальная галерея, Рим). "Стояло дивное лето, - пишет художник. - Для утреннего чая стол с самоваром накрывался в примыкавшей к дому аллее из молодых лип… на ближнем конце длинного, накрытого скатертью стола стоял пузатый медный самовар в окружении стаканов, чашек, вазочек с вареньем и всякой снедью… Весь стол был залит солнечными зайчиками, игравшими на самоваре, посуде, скатерти, цветах и песочной дорожки аллеи". Сходная тема развита в картине "За самоваром" (1905, ГТГ), этой по выражению художника, "полунатюрмортной" вещи. Здесь, по-видимому, изображена одна из племянниц Мещерина, позднее ставшая женой Грабаря. Ощущение домашней теплоты и тихого уюта сумерек создается мерцанием тлеющих углей в самоваре, мягким, приглушенным поблескиванием хрусталя. Его грани отражают холодный свет гаснущего дня. Притихшая за чаем девочка, кажется, всем существом ощущает наступившую тишину. "Меня занимала главным образом игра хрусталя в вечереющий час, когда всюду играют голубоватые рефлексы", - писал позже художник.
Тесное соединение специфически натюрмортных задач с задачами пленэрной живописи, наметившееся, как нечто новое, еще в коровинском полотне "За чайным столом", находит место в "Дельфиниуме" (1908, Русский музей). Ваза с высокими синими цветами написана на садовом столе под деревьями. И ваза и скатерть - все в световых бликах, в скользящих тенях от ветвей берез, окружающих стол. Характерно, что даже созданное в закрытом помещении большое полотно "Неприбранный стол " (1907, ГТГ) кажется написанным в саду - так много в нем света и воздуха.
Один из наиболее значительных натюрмортов Грабаря - "Хризантемы" (1905, ГТГ). Здесь внутренняя объединенность всех предметов, создающая единое настроение и единое эмоциональное состояние, решена с блестящим мастерством. В центре накрытого стола - большие букеты пушистых желтых цветов. Сумеречный свет, щарящий в комнате, где окна заставлены цветами, лишает предметы четкости форм и контуров. Он превращает фарфор и хрусталь на столе в сгустки голубых, зеленых, бирюзовых и лимонно-желтых бликов. В прозрачных сумерках лимонно-желтые хризантемы кажутся излучающими своеобразное свечение. Отблески этого света лежат на скатерти и хрустале, им вторят желтые тона, проскальзывающие в зелени у окон, на крышке рояля. Густой синий, почти лиловый цвет вазы по контрасту сообщает этому желтому свечению особенную остроту: он тоже дробиться в бесчисленных гранях хрусталя, сливается с общим тоном голубоватых сумерек. Сложная, построенная на контрастах и все же единая цветовая симфония придает чисто бытовому, даже несколько банальному мотиву приподнятое звучание, окрашивая его в романтические тона.
Сам художник считал свои натюрморты 1900-х годов созданными под влиянием импрессионизма. "Сирень и незабудки" он определял как "чистокровный импрессионизм ". Именно тогда Грабарь увлекался живописным методом Клода Моне. "Хризантемы" в этом отношении чрезвычайно типичны. Цветовой анализ вибрирующей световоздушной среды близок некоторым исканиям французских живописцев этого направления. Однако уже в "Хризантемах" чувствуется стремление преодолеть рыхлость формы, неустойчивость, "таяние" цвета. Художник ищет выхода в подчинении форм и красок определенному декоративному ритму.
Очень скоро это преодоление известной ограниченности импрессионистического метода становиться у Грабаря последовательным. Художник ставит натюрморты с целью специального анализа цвета, формы, материальности предмета. Об этом свидетельствуют работы "На синей скатерти", "На голубом узоре" (обе 1907). Натюрморты этого года вообще отмечены разнообразием и сложностью поставленных задач, поисками новых художественных приемов. Это не случайно. Все здесь говорит о близости нового этапа в развитии русского натюрморта. В атмосфере борьбы за новые художественные формы, которой проникнута живопись 1900-х годов, натюрморт становиться одним из ведущих жанров, ареной творческого эксперимента.
В работах И. Грабаря можно заметить некоторую декоративность.
Картинное изображение, теряя пространственность, становилось, по сути дела, плоскостным. Плоскостность живописи мелкими мазками, которые выглядят расположенными на одной плоскости, моменты декоративности появляются и в работах К.Коровина начиная с 1900 года. Но эта декоративность не выходит за пределы импрессионистической манеры его живописи с широким и динамичным мазком и построениями изображения цветными пятнами. Они лишь интенсифицируются, цвет становится ярким и напряженным. Но сравнение черт декоративности у позднего Коровина и у Грабаря выявляет различие между этими художниками. Выявляет, что творчество Грабаря – это нечто иное, чем импрессионизм. Импрессионизм К. Коровина был естественным выводом из той "правды видения", той эмоциональности, которая развилась в живописи 80-90-х годов. К импрессионистическим решениям он пришел самостоятельно, еще до знакомства с импрессионизмом и постимпрессионизмом. Иными были истоки творчества Грабаря и его становления. Еще в школе у Ашбэ и в первых поездках в Париж он познакомился с импрессионизмом и постимпрессионизмом. Если творчество Коровина развивалось в большей степени стихийно, то расцвету творчества Грабаря предшествовали долгие годы учения и самых разнообразных опытов. Это, разумеется, не лишало искусство Грабаря ни национального характера, ни самостоятельности и оригинальности, но стимулировало его в своих поисках идти дальше импрессионизма, искать и разрабатывать новую систему живописи.
Возвращаясь к Коровину, следует заметить, что его живописный метод также в известной мере близок к импрессионизму. Его натюрморты 1900-1910-х годов развивают ту же живописную проблематику, которая была поставлена им еще в 1880-х годах в картине "За чайным столом". Чувственная прелесть предметного мира - вот, в сущности, содержание его работ. Радость бытия - вот их главная тема. В духе традиций конца 1880 - 1890-х годов Коровин сближает натюрморт с пейзажем, объединяя их приемами пленэрной живописи.
Одно из превосходных полотен этих лет - "Розы и фрукты" (Костромская картинная галерея). Весь розово-голубой натюрморт пронизан взрывающимся через открытое окно летним солнцем. Великолепен стеклянный графин, "сотканный" по всем правилам импрессионистской живописи из одних рефлексов. Ощущение объемной формы дается здесь только цветом, мазками краски, передающими отражение солнечного света на поверхности стекла, отмечающими рефлексы, бросаемые соседними предметами. В этой типичной исполнены "Розы" начала 1910-х годов (частное собрание, Киев), изображенные на фоне моря, на столе, рядом с яркими ягодами на тарелке; все предметы здесь окутаны воздухом, над ними чувствуется небо. Подобных работ у Коровина много. В большинстве своем они написаны в Крыму, на даче в Гурзуфе. В них необычайно убедительно передано ощущение южного теплого воздуха, влажных морских испарений, яркого солнца, всей нежащей атмосферы юга. Очень хорошо и в тоже время типично в этом отношении полотно "Розы" (1912, Омский музей изобразительных искусств). Натюрморт здесь органически соединен с пейзажем. На столе, покрытом белой скатертью, - огромный, залитый солнцем букет бледно-розовых цветов. Вокруг - панорама гурзуфской бухты, с синим морем, маленькой пристанью, с фигурками людей, со скалами на горизонте. Определяющим моментом в решении колорита служит яркий, прямой солнечный свет, щедро заливающий и прибрежные скалы, и море, и крупные тугие цветы, бросающие дрожащую тень на белую скатерть. Все дышит зноем. Лучи солнца как бы съедают цвет предмета, окутывая все слепящим маревом. В этих лучах скалы приобретают розовато - пепельный оттенок, на лепестки цветов ложатся голубовато-белые блики, а стеклянный стакан на столе как бы исчезает вовсе, оставаясь заметным лишь по легкой тени, отбрасываемой им на скатерти. И только в глубине террасы, в тени, сгущаются темные, теплые тона.
Коровинское жизнерадостно - чувственное восприятие мира очень убедительно в написанной несколько позже работе "Рыбы, вино и фрукты " (1916, ГТГ). Маслянистый блеск чешуи в связке вяленой рыбы, насыщенный, глубокий тон красного вина в бутылке, бросающего кругом золотые и кровавые рефлексы, - во всем ощущается как бы аромат приморской лавчонки с ее простой, но смачной снедью. Все многообразие формы, цвета и фактуры предметов дано чисто живописными приемами. Вяленая рыба написана по теплому коричнево-охристому подмалевку свободными ритмичными мазками красок холодной гаммы: розовыми, голубыми, бирюзовыми, сиреневыми. Это и создает впечатление переливов серебристой чешуи. Тень от бутылки вина, определяющая пространственное соотношение предметов переднего плана, - как бы и не тень вовсе: она цветная и состоит из золотых отсветов, которые рождает солнечный луч, проходя сквозь вино. Эти золотые тона замечательно гармонируют с желтыми и красными яблоками, рассыпанными на переднем плане. Ликующее ощущение радости жизни, исходящее от этого полотна (как и от других работ художника), есть и в самой манере Коровина, свободной и легкой. Она артистически передает то чувство радостного восхищения, которое охватывает зрителя в первый момент при виде всех этих цветов, залитых солнцем и пронизанных воздухом моря, или многоцветного мерцания рыбьей чешуи в лучах солнца, проникшим сквозь закрытые ставни. Однако при кажущейся небрежности мазок художника необычайно точен в передаче цвета, оттенка, тона.
Иные эмоции вызывают натюрморты, написанные в Париже: "розы и фиалки" (1912, ГТГ) или "Гвоздики и фиалки в белой вазе" (1912, ГТГ). Изысканность сервировки, блеск серебра, возбуждающие красно - лиловые тона цветов прекрасно сочетаются с мерцающими огнями ночного города. "Узел" цветового решения первого натюрморта - густой вишневый тон роз, холодная лиловизна фиалок в темно-бирюзовых листьях и золотое, яркое пятно апельсина, источающее теплое сияние. Все окрашено теплым, неярким светом, льющимся из глубины комнаты, от переднего края картины. И здесь Коровин отнюдь не ограничивается передачей внешнего вида группы предметов. Он стремиться раскрыть то настроение, которое вызывает в нас созерцание этих предметов, те ассоциации, которые они пробуждают. Он пишет здесь огни за окном не просто как источники света, но стремиться передать их мерцающую, манящую трепетность, говорящую о романтике большого, немного таинственного города, о романтике ночного Парижа. Пряное сочетание лилового, вишнево-красного и холодно зеленого вторит этому ощущению. Неровные блики света на столовом серебре перекликаются с мерцающими уличными огнями за окном. Какая - то особенная пламенеющая насыщенность желтого пятна апельсина усиливает общее ощущение затаенного беспокойства, передающего атмосферу вечера в далеком, "чужом" городе. Пусть в самой идее картины нет большой глубины, эмоциональная убедительность раскрытия этой идеи несомненна.
Однако следует оговориться. Отнюдь не все работы Коровина, особенно 1910-х годов, столь интересны. В некоторых из них проскальзывают нотки салонности, чего-то поверхностного. Свобода его манеры порой звучит как нечто самодовлеющее. Живописный метод Коровина, который несколько условно можно было бы назвать импрессионистическим, доведен в натюрмортах этих годов до виртуозности. Однако в последующие годы развитие натюрморта как жанра пошло иными путями. Да и в работах Коровина такой метод иногда давал срывы, обнаруживая свои слабые стороны. Форма порой слишком раздроблялась, цвет погасал. Иногда, желая преодолеть этот кризис, художник впадал в пестроту.
То понимание натюрморта, которое мы находим у Грабаря и Коровина, отнюдь не было единственным для конца XIX - первых лет XX века. Расцвет натюрморта, который наступил в 1910-х годах, подготовлялся порой исподволь в исканиях художников, часто не занимающихся этим жанром специально. Одни художники, открывая истину в процессе анализа, неуклонно идут к реализму, отказываясь оттого, что в их опытах было случайного и ложного. У других искания превращаются в экспериментаторство, как самоцель, иногда перерастая в сознательную спекуляцию на вкусах легковерной, малоподготовленной буржуазной публике, осаждавшей модные выставки.
Искания нового в натюрморте были чрезвычайно разнообразны.
Русские живописцы первой половины XIX века по-своему решали стоящие перед ними задачи натюрморта. Живая достоверность, изображения, влюбленное внимание ко всему, что выражает потаенную жизнь природы, отмечает лучшие произведения той поры.
Вглядываясь в натюрморты русских художников, мы замечаем, как различно подходили они к своей задаче, и это ощутимо даже в характере изображения отдельных предметов.
Кризис натюрморта начала XX столетия.
Западноевропейское искусство второй половины XIX века неизбежно шло по пути специализации, обособления и выделения из всей совокупности художественных задач лишь некоторых, наиболее острых живописных проблем. Такие мастера, как Сезанн или Матисс, рассказывая о вещах, показывали не всю полноту присущих природе особенностей, но избирали один из возможных аспектов, подчиняя свое произведение сознательно ограниченной образной системе.
Импрессионисты, в своем творческом методе следуя мгновенности зрительного восприятия и придавая самодовлеющее значение световоздушной среде, изменчивости красочных сочетаний и зыбкой пространственности, отказывались от плоти вещей, от качеств постоянных и неизменных - веса, формы, объема. Постимпрессионисты, которые появились в конце XIX века, пытались восстановить утраченное живописью импрессионистов качество, вернуть материи ее предметность. Это можно увидеть в натюрмортах Поля Сезанна и Анри Матисса.
Однако, говоря об искусстве конца XIX - начала XX века, признавая достоинства некоторых выдающихся произведений, созданных в это время, нельзя не видеть, что жанр натюрморта разделил общую судьбу искусства и культуры эпохи. Так полнокровно и гармонически развившийся в XVII и XVIII веках, получивший ряд интересных и новых направлений в середине XIX века, на рубеже нашего столетия натюрморт приобрел специфику тех тенденций, которыми отмечена вся живопись этой поры. Отказавшись от полноты изображения, художники этого времени подчас искали и в натюрморте не целостного постижения жизни предметного мира - они передавали лишь отдельные его стороны, обособляя и превращая их в самодовлеющую ценность.
Но, если в некоторых произведениях, несмотря на ограниченность самого подхода к изображению природы, еще не нарушалось единство художественного образа, не искажалась действительность, то дальнейшее развитие этой тенденции неизбежно приводило к отходу от реализма, к утрате жизненности. Живопись переставала быть живым отражением мира. Надуманная, условная конструкция заменяла некогда полнокровное и трепетное искусство натюрморта. В середине XX века процесс разложения художественного образа в творчестве ряда художников привел в некоторых случаях к прямому отказу от изобразительности, к формализму и абстракционизму.
В конце XIX века в натюрморте наступает кризис западноевропейских реалистических традиций. В произведениях Гогена он обнаруживает себя с наибольшей силой. Творчество Сезанна и Ван-Гога развивается еще целиком в русле западноевропейского искусства, хотя Ван-Гог и использует иногда опыт японского эстампа в своих натюрмортах с "опрокинутой перспективой".
XIX век оставил противоречивое художественное наследие, но судьбы искусства XX столетия зависели не только от наследия, но и от наследников. В искусстве импрессионистов, Сезанна, Ван-Гога и даже Гогена, наряду с формалистическими исканиями, имелся значительный положительный опыт выражения темы натюрморта. Однако наследник - одряхлевшее, разлагающееся буржуазное общество кануна первой империалистической войны с его разнузданным культом индивидуализма, гедонистической эстетикой и культивированием болезненных форм сознания взяло от художников конца XIX века только их формалистические искания. Оно исказило и обескровило их искусство: сделало из Сезанна предшественника кубистов, из Ван-Гога - духовного отца экспрессионистов, а из Гогена - предтечу фовистов и символистов. В рамках этих течений и развивался натюрморт начала XX века.
В своих главных чертах натюрморт XX века развивался в направлении последовательного отрицания импрессионистов. И в самом деле, лишь очень немногие мастера этого времени пытались отстаивать достижения импрессионизма. В числе немногих, прежде всего, следует назвать П. Боннара, творчество которого времени 1900-х годов можно рассматривать как заключительную фазу импрессионистического видения предметного мира. На очень близких к нему позициях стоял и французский живописец Ж. д' Эспанья. К представителям позднего импрессионизма обычно относятся также бельгиец А.Саверейс и итальянец Фю де Пизис. Как импрессионист начинал свой путь в натюрморте и другой итальянский художник П. Маруссиг.
Однако эта линия развития западноевропейского натюрморта не обладала даже подобием того единства, какое имел импрессионизм. П. Боннар эволюционирует в своем позднем творчестве в сторону фовизма, правда, так и не сближаясь с ним непосредственно. Ж. д'Эспенья увлекается поиском чисто декоративных эффектов, в искусстве А. Саверейса дает себя знать, хотя зачастую и внешне, влияние экспрессионизма, а П. Маруссиг стремится обрести в натюрморте утраченные импрессионистами качества - вещественность и четкую обозримость. Любопытный и единственный в своем роде эксперимент был предпринят Ф. де Пизисом, который в своих изображениях цветов внешне удачно сочетал уроки французского импрессионизма с национальными венецианскими традициями цветочного жанра XVIII века. Но подлинно прогрессивные национальные традиции появляются в западноевропейском натюрморте лишь у художников следующего поколения, которые нашли в себе силы возвратиться на путь реалистического м
bukvasha.ru
Содержание
Введение…………………………………………………………………………….5
Глава 1. Историческая справка жанра «натюрморт»……………………………....6
1.1. История развития натюрморта………………………………………6
1.2. Натюрморт, как жанр живописи………………………………...12
Глава 2. Особенности, пути и средства выбранного жанра……………………..14
2.1. Характеристика выбранного жанра ………………………………..14
2.2. Объекты, изображаемые в натюрморте……………………………….16
2.3. Композиционные особенности натюрморта………………………….18
2.4.Цвет в живописи………………………………………………………..20
Глава 3. Описание техники выбранной для написания постановки…………..24
3.1 История пастели………………………………………………………..24
3.2 Техника рисования пастелью………………………………………….25
Глава 4. Работа над натюрмортом………………………………………................28
4.1. Ход работы …………………………………………………………….28
Заключение ………………………………………………………………………...29
Список использованной литературы ……………………………………………...30
Приложение
Введение
Главная задача искусства и живописи – будить в человеке прекрасное, заставлять его думать, чувствовать, задача художника привлечь внимание зрителя, вызвать в нем чувство сопричастности переживаниями, выраженными в картине, заставить взглянуть по-новому на окружающий мир, разглядеть в привычных предметах, необычайную суть.Искусство натюрморта имеет свою прекрасную и давнюю историю. Натюрморт вводит нас в мир, окружающий художника, дает возможность оглянуться на несколько веков назад, сопережить вместе с мастером особо любимые им мотивы.В натюрморте художник пытается ограниченными средствами передать многоцветие окружающих его предметов, стремится в каждом мазке отразить пульсацию жизни, свое настроение, свое ведение окружающего мира.На протяжении многих веков художники пытаются с помощью окружающих их вещей выразить свое понимание мира, свои мысли и интересы, и у каждого творца это получается по-своему, каждое произведение индивидуально. В одних натюрмортах преобладает реальность, для других мастерство. Важнее выразительные начала живописи. У каждого живописца свое ведение мира.
Основными требованиями к данной курсовой работе является:
- знакомство с иллюстрациями великих художников прошлого;
- композиционный поиск на основе эскизов;
- поиск композиционного центра;
- конструктивное построение предметов натюрморта;
- передача цвета и материала;
- создание эмоциональной выразительности.
Глава 1.Историческая справка жанра «натюрморт»
1.1. История развития натюрморта
1.2. Натюрморт, как жанр живописи
Наряду с бытовым жанром натюрморт долгое время считался второстепенным видом живописи, в котором невозможно выразить высокие общественные идеи, гражданские добродетели. Действительно, многое из того, что свойственно произведениям исторического, батального и других жанров, натюрморту недоступно. Однако великие мастера доказали, что вещи могут характеризовать и социальное положение, и образ жизни их владельца, порождая таким образам, различные ассоциации и социальные аналогии.
Натюрморт как жанр живописи можно назвать творческой лабораторией живописи, поскольку он является и составной частью и пробным камнем станкового искусства. В нем максимально раскрываются пластические и колористические возможности живописца, выявляются особенности его мышления.
Этот жанр имеет много функциональных особенностей, иногда его называют камерной музыкой живописи. Его используют как учебную постановку, первичную стадию изучения натуры в период ученичества. Профессиональный художник нередко обращается к натюрморту как к живописному этюду с натуры. Натюрморт, как не один из жанров живописи представляет характеристику стольких возможностей для занятий формальными живописными исканиями. Он также может стать самостоятельной картиной, по-своему раскрывающей вечную тему искусства - тему бытия человека. Такая емкость функций натюрмортного жанра и делает живопись неодушевленных предметов сферой поиска не только форм и содержания, но и поиска личного взгляда художника на окружающее, его понимание и ощущение жизни, выработку своего стиля.
Радость непосредственного общения с натурой, живой источник изобразительного искусства, в работе над натюрмортом приобретает особый смысл. «Натюрморт - одна из острых бесед живописца с натурой». В работе над натюрмортом никто не отвлекает художника, заставляя его сосредоточиться на собственной живописи, ибо от красоты, глубины и выразительности живописной речи зависит в натюрморте красота и глубина выразительного образа, острота тех ассоциаций, которые этот образ рождает у зрителя. Осмысление простых предметов как частица реальности делает таким этот замечательный жанр живописи.5
Глава 2. Особенности, пути и средства выбранного жанра
2.1. Характеристика выбранного жанра
Мир вещей в натюрморте всегда призван раскрыть их объективное своеобразие, неповторимые качества, красоту. Вместе с тем, это всегда человеческий мир, выражающий строй мысль и чувств, отношение к жизни людей определенного общества8.
В чем же состоит отличие этого жанра от других? Что может дать живописцу изображение неодушевленных вещей?
В отличие от портретной живописи, имеющей дело только с человеком, или пейзажем, воссоздающего природу и архитектуру, натюрморт может состоять из различных вещей домашнего и личного обихода человека, элементов растительного мира, произведений изобразительного искусства и многого другого.
Натюрморт больше чем какой-либо другой жанр ускользает от словесных описаний; натюрморт надо внимательно смотреть, разглядывать, погружаться в него, так как он учит постигать собственно живопись, любоваться его красотой, силой, глубиной - только так постигается истинное содержание любой картины, ее образ10.
В натюрморте живописец обращается к миру неодушевленных вещей, выделяя их из всего богатства окружающего мира.
Натюрморт отличается особыми принципами построения композиции при всем различии исторических и индивидуальных форм этого жанра на разных этапах его развития. Предметы здесь взяты обычно вблизи, так что взгляд может их как бы ощущать, оценить в первую очередь их собственно материальные качества - их тяжесть, пластику форм, рельеф и фактуру поверхности, детали, а также их взаимодействие со средой - их жизнь в среде. Масштаб композиции в натюрморте ориентирован обычно на размер комнатной малой вещи, откуда большая интимность натюрморта по сравнению с другими жанрами. При этом сама форма натюрморта глубока и многоярусна, многосложна, содержательна: структура натюрморта, постановка, выбор, точка зрения, состояние, характер трактовки, элементы традиции и др.
В натюрморте художник не просто изображает предмет, но посредствам их выражает свое представление действительности, решает разнообразные эстетические задачи.
Сущность «содержания» натюрморта (по Б. Випперу) - в отношении человека и предмета в чувстве предметности жизни, естества материи... Это «в определенном смысле целое мировоззрение, определенное понимание видимости, ощущение реальности».11
К этим словам можно лишь добавить, что предметы - это язык, на котором говорит художник, и он должен владеть этим языком в совершенстве.
Как самостоятельный жанр искусства натюрморт сильно воздействует на зрителя, поскольку вызывает ассоциативные представления и мысли во время восприятия неодушевленных предметов, за которыми видятся люди определенных характеров, мировоззрений, различных эпох и т.д.
Влияние натюрморта зависит прежде всего от верно выбранной и правильно раскрытой темы, а также от особенностей творческой индивидуальности того или иного художника.
Натюрморт, как ни какой другой жанр непосредственно связан с соотношением к изображению, к решению определенной изобразительной задачи.
При всем разнообразии, огромном количестве формы разновидности натюрморт остается «малым жанром», но именно этим и ценен, потому что обращает живопись, прежде всего к самой себе и ее вечным ценностям и проблем.
2.2. Объекты, изображаемые в натюрморте
Натюрморт - это прежде всего предметы, которые организованы тематически, связаны смысловым содержанием и несут в себе определенную идею.
Их можно разделить надве больших группы:природные предметы (цветы, плоды, снедь, рыба, дичь и т.д.) и вещи, сделанные руками человека.
Особенности природных объектов натюрморта - их недолговечность. Как правило, они относятся к природному миру (хотя бывают и исключения). Вырванные из естественной среды, они обречены на скорую гибель, цветы вянут, плоды загнивают, дичь портится. Поэтому одна из функций этого жанра - придать неизменность изменчивому, закрепить не стойкую красоту, одержать ход времени, сделать тленное вечным.
Это придает натюрморту философичность и глубину, всегда привлекательные для зрителя.
Предметы, изготовленные человеком, как правило, сделаны из долговечных материалов: металла, дерева, керамики, стекла, они относительно стабильны, их формы устойчивы.
Отличие изготовленных вещей от природных объектов заключается в той содержательной стороне, которую они играют в натюрморте. Они в значительно большей степени служат характеристикой человека и его деятельности, вносят в натюрморт социальное содержание, дает в нем место теме труда и творчества.
При всем различии природных и искусственных предметов они имеют общие черты, позволяющие органично объединить эти предметы в натюрморте. И те, и другие являются частью интерьера, относительно не
велики по размерам, гармонично сочетаются другсдругом (вазы и цветы, блюда и фрукты). Главное же, что объединять их - воздействие на человека.
Огромное разнообразие мира вещей бесконечно расширяет содержательные возможности натюрморта.
Вводя в него изображения картин, гравюр, рисунков можно привносить элементы других жанров: портрета, пейзажа интерьера - создающие новые своеобразные пространственные, смысловые и декоративные отношения.
Натюрморт также часто обогащается изображением росписей (на подносах, чашках), мелкой скульптуры (бюстов, статуэток; барельефов, резьбы на вазах) и прочее.
Богатые живописные, пространственные и содержательные эффекты дают изображение зеркал.
Кроме бытовой у вещевой есть так называемая знаковая сущность. Эта особенность очень важна, так как без учета ее невозможно понять натюрморт и его возможности.
При раскрытии темы необходимо учитывать символическое значение предметов, растений, что, несомненно, влияет на характер натюрморта, который может быть лирическим, интимным, торжественным и т.д., а также создает некоторую особенность, индивидуальность той или иной работе.
2.3. Композиционные особенности натюрморта
Особенности образов натюрморта, передающие через неодушевленные
предметы черты и характеры людей, времени является основной композиционной деятельности художника в этом жанре.
Натюрморт как таковой объективно не существует, он придумывается, составляется, компонуется, специально, для того чтобы быть изображенным. При этом неважно, что он может иметь вполне жизнеподобный реальный вид.
Вся композиционная работа сосредотачивается на вопросах размещения натюрморта в пределах картинной плоскости. В зависимости от характера натюрмортной группы ее высоты и ширины, глубины пространства, степени контрастности предметов по величине и цвету определяется формат и размеры плоскости, положение композиционного центра находится тональное и цветовое решение, ведутся поиски наиболее оптимальной композиции, в которой найдут свое решение вопросы равновесия, пропорциональных отношений.
В организации композиции, используют различные виды ритмов -линейные, тоновые, цветовые. Особую роль играют контрасты. Выделяя те или иные участки изображения, они делают их то более заметными, то затухающими. Произведение, построенное на ели заметных колебаниях света и тени без определенных, акцентирующих внимания зрителя «вспышек», кажется однообразным, монотонным, лишенным живописной выразительности. Резко звучащие контрасты создают напряжение, динамику, в противоположность симметрии, динамическое изображение строится на резких сдвигах центра к композиции к оси картинной плоскости. В этих случаях ритмы направлены на достижение зрительного равновесия масс.
Ритм организует изображение. Заложенный в структурную основу натюрморта, он создает зрительный каркас, который руководит нашим восприятием. Зрительно сопоставляя одни элементы изображения с другими, мы выделяем главные из них и сосредотачиваем на них внимание.
Вопросы формата в своей основе зависят от замысла, а он, в свою очередь выражает характер группировки предметов, ее пропорции.
К тонкостям поиска формата относятся выяснения величины свободных мест слева и справа, снизу от группы предметов. Замысел в натюрморте подсказывает характер решение пространство в натюрморте. Это связано с особенностями цветного строя. Характер пространственного решения связан также с количеством относительно свободного места слева справа.
Как правило, в натюрморте, основную группу предметов располагают на втором пространственном плане, где находится сюжетно композиционный центр. Целью достижения, взаимосвязи композиции группы предметов с форматом является ритмическое решение картинной плоскости, чередование пятен, пауз,уравновешенность картинной плоскостью с определением смыслового композиционного центра, размещение второстепенных частей, с поиском цветовых и тональных контрастов.
Так же эффекты решения композиции как в натюрморте, создаваемом на основе замысла, так и при работе специальной натурой постановки зависит от необходимости учета разных уровней зрения и особенностей перспективного построения. Различные уровни зрения на постановку дают возможность художнику увидеть наилучший неожиданный вариант композиционного решения, несущий в себе новизну эстетического восприятия известных предметов.
Картинная плоскость может решаться как декоративная композиция, где необходимо сохранить впечатление плоскости, и цвет играет главную роль. В этом случае необходимо обратить внимание на характер цветового решения, на силу его эмоционального воздействия.
Важную роль в создании целостного композиции натюрморта играет приведение цветового решения в работе к колористическому единству, которое является высшим качеством живописи. Цветовое решение композиции натюрморта может быть в теплом или холодном состоянии.
2.4. Цвет в живописи
Живопись освоила свет, она пишет цвет света, полусвета, тумана, воздуха, тени, полутени...14
Цвет - душа живописи, без цвета живопись не существует. Не воспринимаемая колоритом, мы еще не знаем, в сущности, данного произведения. Вот почему всякая однотонная репродукция с картины отнимает у нее основное, что у нее есть с точки зрения средств выразительности. Цвет - это жизнь живописи.
Важнейшая функция цвета в живописи - доводить до предела, как чувственную достоверность изображения, так и смысловую и эмоциональную выразительность произведения.15
Понятие цвета неразрывно связано с определением света. В художественной деятельности принять узкое определение света как энергетическое излучения ощущаемого визуально. Цвет - это часть светового излучения, воспринятого нашим глазом непосредственно от источника или при его отражении от поверхности. Цвет поверхности зависит от того каким светом она освещена, и от того, какая часть световой энергии от этой поверхности отразится.
Поверхность, отражающая все лучи света, рассеивая их во все стороны - белая, поверхность поглощающая практически все лучи - черная, поверхность отражающая часть световой энергии и поглощающая стальную - цветная.
Цвет имеет ряд характеристик, таких как тон, светлота, насыщенность. Цвет может вызывать и не цветовые ощущения, например, свежести, легкости, прохлады и даже аромата. Разделяют следующие психологические характеристики цвета:
1. Характеристика по физическим аналогиям (теплые — холодные, легкие - тяжелые, близкие - отдаленные и т.д.)16
2. Характеристика по воздействию на нервную систему (активные -пассивные, бодрящие - утомляющие, успокаивающие - возбуждающие).
3. Характеристика по эмоциональному настрою (праздничные - будничные, веселые - грустные, спокойные - беспокойные и т. д.).
Создавая живописные произведения, мы стремимся наиболее точно передать эффекты освещения, рефлексы, оттенки. Но не менее важное значения для восприятия картин накладываем краски. Одни приемы позволяют сделать звучание красок более мощным, насыщенным, другие обогащают цвет мазка множеством нюансов. Для того чтобы более полно выразить все великолепие цвета пользуются различными приемами.
Все изменение цветов расположенным рядом друг с другом поверх друг друга описываются законом дополнительных цветов и подчиняются правилам субтрактивного и аддитивного смешения.
Знание того, как используются научно-теоретические основы цветоведения в организации живописного произведения, дает живописи возможность научно обосновать творческие приемы различных мастеров, и, соответственно найти способы обучить этим приемам.
Но одно только знание не ведет к успеху. Только работая практически, смешивая различные цвета, изучая их поведение во взаимодействии, мы сможем узнать все их свойства.17
Все многообразие цветов в произведении подчиняется замыслу художника и общему колориту. Богатство цвета, наблюдаемого вдействительности, художник претворяет в целостную гармонию. Такое цветовое единство картины называют колоритом.
Колорит решает первое впечатление, которое производит картина; в зависимости от него зритель, идущий по галерее останавливается или пройдет мимо. Чтобы с первого взгляда произвести большое впечатление, надо избегать всех пустяковых или искусственных эффектов, спокойствие и простота должны господствовать над всем произведением. Этому очень содействует широта единообразных и чистых красок. Впечатление величия может быть достигнуто двумя противоположными путями. Один - сводит цвет почти до одной светотени. Другой - давать краски очень ясно определенно и интенсивно, но в обоих случаях - основным принципом остается простота. Хотя можно и признать, что изысканная гармония колорита, постепенный переход одних тонов в другие означает для глаза тоже, что изысканные гармонии в музыке для слуха.
Колорит картин может быть выдержан в различных гаммах цвета. Так различают розоватый колорит, колорит, выдержанный в голубой, золотистой и других гаммах. Здесь под колоритом подразумеваются то, что все цвета произведения имеют сходные оттенки или один и тот же оттенок.
Также колорит картины может быть выражен цветами близкими друг другу или контрастами. О колорите говорят также применительно к разнообразию оттенков цвета, найденных художником. Тут мы имеем дело с терминами "колористическое богатство" и "бедный колорит".
Таким образом, понятие колорита вмещает в себя все отношения цветов картины по количеству и разнообразию оттенков, по силе и интенсивности цвета, по гармоничным сочетаниям и т.д.
Различные живописцы для решения разных задач использовали свой колорит. Колорит произведения зависит от замысла картины, от того какие чувства художник хотел выразить. Колорит, в отличие от содержания,
действует не осознанно, но всегда сильно.18
Знание того, как используются научно-теоретические основы цветоведения в организации живописного произведения, дает живописи возможность научно обосновать творческие приемы различных мастеров, и, соответственно, найти способы обучить этим приемам.
Подводя итог всему выше сказанному, мы видим, что труд живописца очень сложен и интересен. Все начиная от наблюдения натуры и заканчивая оформлением идеи и выражением замысла в произведении живописи, требует знание многих законов, умения их применять, и постоянным стремлением выразить не только реальную жизнь, такой как мы ее видим, но и сопричастности переживаниям художника и восхищения окружающей действительностью.
Глава 3. Описание техники выбранной для написания постановки
3.1 История пастели
Пастель получила своё название от слова «а пастелло», которым именовали приём рисования одновременно чёрным итальянским карандашом и красной сангиной, иногда с подкраской другими цветными карандашами, применявшийся итальянскими художниками ХVI века, в том числе и Леонардо да Винчи.
XVIII век - расцвет пастели. Пастель становится самостоятельной техникой и получает особую популярность во Франции, где её использовали такие известные художники, как Буше, Латур, Шарден, Грёз, Лиотар, Делакруа. Выдающимся пастелистом была итальянская художница Розальба Каррьера. Затем классицизм решительно отвергает пастель, как технику слишком нежную, бледную и лишенную решительности линий.
Во второй половине XIX века пастель переживает некоторое возрождение в творчестве Менцеля, Мане, Ренуара, Одилона Редона и особенно Эдгара Дега, который открывает в пастели совершенно новые возможности - сильную линию, звучность краски и богатство фактуры.
Творческие поиски художников XX века нашли отражение в развитии пастели — в усложнении структурного состава, в сближении рисунка и живописи, привнесении новых технических приемов. В технику пастели включаются уголь, гуашь, темпера, акварель, радикально меняющие эмоциональное звучание пастели, наделяющие ее невиданной прежде энергией.
3.2. Техника рисования пастелью
Слово пастель (pastello) происходит от итальянского pasta — тесто или паста. Пастелью называют художественные материалы для рисования. Пастелью также называют технику, в которой работают художники, и художественные произведения, рисованные пастельными карандашами. Пастель выпускается в виде цветных мелков или карандашей без оправы, имеющих форму брусков с круглым или квадратным сечением. Пастельные мелки спрессованны из тонко размолотой смеси, в которую входили три ингредиента: красящий пигмент, минеральный наполнитель (мел или особый сорт глины) и связующее (в большинстве случаев — гуммиарабик).
Пастель имеет более тысячи шестисот оттенков. Пастель применяется и в графике и в живописи. Пастель часто называют живописным рисунком. Она действительно прошла долгий путь от рисунка тремя цветами до полноценной живописной техники, популярной в эпоху барокко и столь любимой импрессионистами. Сегодня в распоряжении пастелистов сотни цветов и оттенков, позволяющих создавать удивительно проникновенные произведения в различных жанрах.
Пастель бывает трех типов — «сухая», масляная и восковая.
Масляная пастель производится из смесей пигмента с льняным маслом путем прессовки. По своему составу больше напоминает восковые мелки, чем мягкую пастель. Мелки должны быть мягкими и давать насыщенный цвет. В лучших марках масляной пастели содержится больше пигмента; они более упругие и эластичные по сравнению с восковыми мелками. Одной из лучших масляных пастелей являются мелки фирмы «Панда».
Аналогично производится «сухая» пастель, за тем исключением, что не используется масло.
Основу замеса восковой пастели составляют воск высшего качества и пигменты. Будучи материалом на основе воска, масляная пастель не подвержена изменениям в процессе высыхания, чем отличаются масляные краски. Масляная пастель считается учебным материалом, в то время как её сухой аналог используется как в учебных целях, так и в чисто художественных.
Природа масляной пастели позволяет создавать эффекты, которые неповторимы в других техниках рисунка. Масляная пастель даёт глубокий, насыщенный цвет и красивую фактуру. Она хороша для создания декоративных картин.
Масляная пастель не предназначна для нежных переливок и растушевок. Не рекомендуюется пользоваться масляной пастелью, если необходимо добиться светостойких и долговечных характеристик. Масляную пастель часто используют в работе для последующей репродукции или в качестве вспомогательного материала для компьютерной графики.
Преимущества и недостатки пастели
Пастель состоит из обычных красочных пигментов, но отличается тем, что имеет мало связующих веществ. Пастельные карандаши должны быть сухими и мягкими, чтобы можно было перекрывать один слой другим. Недостаток пастели: она очень чувствительна к мелким повреждениям, легко стирается, осыпается и т. п. Пастель плохо удерживается на поверхности, поэтому она требует специальной шероховатой основы. Палочками пастели работают на особых сортах бумаги, таких как «торшон», наждачная, на рыхлом, ворсистом картоне, замше, пергаменте, холсте.
Преимущества пастели - в большой свободе радикальных изменений: она позволяет снимать и перекрывать целые слои, в любой момент прекращать и возобновлять работу.
Пастель соединяет возможности живописи и рисунка. Ею можно рисовать и писать, работать штриховкой или живописным пятном, сухой и мокрой кистью.
Пастельные штрихи втираются пальцами, ладонью, специальными растушками (из бузинной сердцевины), кожаными валиками, шелковыми квадратными щеточками-кистями, мягкими тампонами.
Пастель обладает свойством придавать любому сюжету необыкновенную мягкость и нежность. В этой технике можно писать любые картины, написанные любом жанре – от пейзажей до портретов.
При многих достоинствах пастель имеет один очень существенный недостаток - она слабо сцепляется с основанием и легко осыпается, поэтому выполненную картину часто закрепляют специальными фиксативами. Но самое надежное сохранение пастели - в рамке под стеклом. В этом случае пастельная живопись может жить, не теряя своей прелести, столетия. Пример тому "Шоколадница" - знаменитая картина пастелью из Дрезденской галереи. Картина, поражает зрителей свежестью и чистотой красок, кажется, что она закончена совсем недавно, хотя создана она в ХVIII веке.
Если картина, написанная пастелью пока не оформлена в раму под стеклом, то хранить её надо, положив между листами бумаги (это предотвратит осыпание пастели с листа).
Глава 4. Ход работы над натюрмортом
4.1. Ход работы
Важным в работе над произведением является выбор формата. Принято считать, что квадратный формат создает впечатление устойчивости, статичности композиции. Вытянутый горизонтально формат используют при изображении широкого панорамного пространства. Вертикальный формат способствует созданию впечатления величавой торжественности, монументальности. Но если вертикаль узкая - придает некоторую фрагментарность.При этом необходимо найти решение соразмерное картинной плоскости, попытаться уравновесить и придать стройный ритм композиции.После того как мной было найдено композиционное решение постановки и сделан подготовительный легкий рисунок, я приступила, непосредственно, к письму натюрморта. Для написания данного натюрморта, мной была выбрана пастель, так как она мягкая и дает насыщенный цвет. Для работы с пастелью я использовала тоновую бумагу серого цвета. Затем я начала рисовать пастелью. Сперва был нанесен первый слой. После точного определение с гармоничным сочетание цветов, началось более точное прорисовывание предметов.
После завершения, работа была оформлена в рамку белого цвета.
Заключение
Натюрморт - это исповедь художника. И он не может не быть поэтом. Поэзия - это состояние, в котором он живет, и живет постоянно. Взволнованность - вот что неизбежно проявляется в картине, если это сопутствовало ее созданию. Холодное искусство мертво. Нельзя имитировать чувства, делать вид, что переживаешь. Надо любить и волноваться. Отражая красоту объектов окружающей природы или вещей, созданных трудом человека, натюрморты могут волновать нас не меньше, чем жанровые картины. Курсовая работа дала мне возможность проверить свои творческие способности, пополнить запас теоретических и практических знаний, познакомиться с приемами и техникой ведущих живописцев современности.
Во время выполнения данной курсовой, я приобрела навыки рисования пастелью, познакомилась с картинами великих художников прошлого. Эти знания являются необходимы для моей будущей профессии. Я считаю, что мне удалость выполнить поставленный перед мной задачи.
Список используемой литературы
1. Виппер Б.Р. Статьи об искусстве - М.;1972.
2. Всеобщая история искусств - М.; 1972.
3. Выборнова Г. Роль освещения в натюрморте. - Художник; 6. 1984.
4. Герчук Ю.Я. Живые вещи - Советский художник; - М.; 1977.
5. Гусарева А.П., Константин Коровин - Советский художник;
6. Кантор А.М. Предмет и Среда в живописи - Советский художник.
7.Кузнецов Ю. Западноевропейский натюрморт - Советский художник.
8. Неклюдова М.Г. Традиции и новаторства в русском искусстве концаXIX - начала XX веков - Искусство.; - М.; 1991.
9. Ю.Ракова М.М. Русский натюрморт конца XIX - XX веков - Искусство.;
10.Пучков А.С., Триселев А.В. Методика работы над натюрмортом – Просвещение, 1982.
11.Шитов Л.А., Ларионов В.Н. Живопись - М.; - Просвещение.
[1]Кузнецов Ю.И. Западно-европейский натюрморт. - М.: Сов. художник, 1966
[2]Перрюшо А. Сезанн. - М., 1996
3 Болотин И.С. Проблемы русского и советского натюрморта. М.: Сов. художник, 1989.
4 Ракова М.М. Русский натюрморт конца XIXначала XXв. - М.: Искусство, 1970.
8Филонович И.Н. Натюрморт. - М.: Просвещение, 1975.
10Болотина И.С. Проблемы русского и советского натюрморта. Изображение вещей в живописи XVII- XXвв. - М.: Сов. художник, 1989.
11Виппер Б.Ф. Проблема натюрморта. - Казань, 1992.
14Борев Ю.Б. Эстетика, 1997. - Т. 1. - С. 523.
15Недошивин Г.Н. Беседы о живописи. - М.: Молодая гвардия, 1959.
16Наливина Т.М. Практическое цветоведение: Метод, указания. - МГПИ им. Ленина, 1985.
17Беда Г.В. Живопись. - М: Просвещение, 1986.
18Яшухин А.П. Живопись. - М: Просвещение, 1985.
superbotanik.net
Страница #1
Натюрморт в графике Натюрмо́рт — изображение неодушевлённых предметов в изобразительном искусстве, в отличие от портретной, жанровой, исторической и пейзажной тематики.
Страница #2
Информация вложена в изображении слайда
Страница #3
Информация вложена в изображении слайда
Страница #4
Информация вложена в изображении слайда
Страница #5
Информация вложена в изображении слайда
Страница #6
Информация вложена в изображении слайда
Страница #7
Информация вложена в изображении слайда
Страница #8
Информация вложена в изображении слайда
Страница #9
Информация вложена в изображении слайда
Страница #10
Информация вложена в изображении слайда
Страница #11
Информация вложена в изображении слайда
Страница #12
Информация вложена в изображении слайда
Страница #13
Информация вложена в изображении слайда
Страница #14
Информация вложена в изображении слайда
Страница #15
Информация вложена в изображении слайда
Страница #16
Информация вложена в изображении слайда
Страница #17
Информация вложена в изображении слайда
Страница #18
Информация вложена в изображении слайда
Страница #19
Информация вложена в изображении слайда
Страница #20
Информация вложена в изображении слайда
Страница #21
Информация вложена в изображении слайда
Страница #22
Информация вложена в изображении слайда
Страница #23
Информация вложена в изображении слайда
Страница #24
Информация вложена в изображении слайда
Страница #25
Информация вложена в изображении слайда
Готовые презентации по культуре, искусству, фото и т.п. можно скачать нашем сайте. Красочные слайды с пояснениями, картинками, портретами, фотографиями содержат информацию о истории, тенденциях и перспективах развития мировой художественной культуры, развитии фотографии и фотоискусства.
allyslide.com
