Реферат Художественная культура Западной Европы в XIX веке. Реферат искусство западной европы 19 века

10.1 Искусство Западной Европы XIX века. Классицизм, романтизм. | Искуству.ру

Классицизм

Классицизм 18 – начала 19 веков (в зарубежном искусствознании он часто именуется неоклассицизмом), ставший общеевропейским стилем, также формировался преимущественно в лоне французской культуры, под сильнейшим влиянием идей Просвещения. В архитектуре определились новые типы изысканного особняка, парадного общественного здания, открытой городской площади (Габриель Жак Анж и Суфло Жак Жермен), поиски новых, безордерных форм архитектуры, стремление к суровой простоте в творчестве Леду Клода Никола предвосхищали зодчество поздней стадии классицизма – ампира. Гражданский пафос и лиричность соединились в пластике (Пигаль Жан Батист и Гудон Жан Антуан), декоративных пейзажах (Робер Юбер). Мужественный драматизм исторических и портретных образов присущ произведениям главы французского классицизма, живописца Жака Луи Давида. В 19 столетии живопись классицизма, несмотря на деятельность отдельных крупных мастеров, таких, как Жан Огюст Доминик Энгр, вырождается в официально-апологетическое или претенциозно-эротическое салонное искусство. Интернациональным центром европейского классицизма 18 – начала 19 века стал Рим, где в основном господствовали традиции академизма со свойственным им сочетанием благородства форм и холодной идеализации (немецкий живописец Антон Рафаэль Менгс, скульпторы: итальянец Канова Антонио и датчанин Торвальдсен Бертель). Для архитектуры немецкого классицизма характерна суровая монументальность построек Карла Фридриха Шинкеля, для созерцательно-элегичной по настроению живописи и пластики – портреты Августа и Вильгельма Тишбейнов, скульптура Иоганна Готтфрида Шадова. В английском классицизме выделяются антикизирующие сооружения Роберта Адама, палладианские по духу парковые усадьбы Уильяма Чеймберса, изысканно-строгие рисунки Дж. Флаксмена и керамика Дж. Уэджвуда. Собственные варианты классицизма развивались в художественной культуре Италии, Испании, Бельгии, скандинавских странах, США; выдающееся место в истории мирового искусства занимает русский классицизм 1760–1840-х годов.

К конце первой трети 19 столетия ведущая роль классицизма почти повсеместно сходит на нет, он вытесняется разнообразными формами архитектурного эклектизма. Оживает художественная традиция классицизма в неоклассицизме конца 19 – начала 20 веков.

Жан Огю́ст Домини́к Энгр, (1780—1867) — французский художник, общепризнанный лидер европейского академизма XIX века. В творчестве Энгра – поиск чистой гармонии. Учился в тулузской академии изящных искусств. По окончании академии переезжает в Париж, где в 1797 становится учеником Жака-Луи Давида. В 1806—1820 учится и работает в Риме, затем переезжает во Флоренцию, где проводит ещё четыре года. В 1824 возвращается в Париж и открывает школу живописи. В 1835 вновь возвращается в Рим в должности директора Французской академии. С 1841 года до конца жизни живёт в Париже.

Автопортрет. 1804

Академи́зм (фр. academisme) — направление в европейской живописи XVII—XIX веков. Академическая живопись возникла в период развития в Европе академий художеств. Стилистической основой академической живописи в начале XIX века являлся классицизм, во второй половине XIX века - эклектизм. Академизм вырос на следовании внешним формам классического искусства. Последователи характеризовали этот стиль как рассуждение над формой искусства древнего античного мира и Возрождения.

Энгр. Портреты семьи Ривьер. 1804-05

Энгр. Наполеон на императорском троне. 1806

Энгр. Портрет художника Франсуа-Мариуса Гране. 1809

Энгр. Портрет г-жи де Сеннон, в девичестве Мари-Женевьев-Маргерит Маркоз, 1814

Энгр. Г-жа Девосе. 1807

Энгр. Юпитер и Фетида. 1811

Энгр. Рафаэль и Форнарина. 1814

Энгр. Паоло и Франческа. 1819

Энгр. Купальщица Вальпинсона. 1808

Энгр. «Большая одалиска». 1814

Энгр. Джозеф Вудхед с женой и шурином. 1816

Энгр. Никколо Паганини. 1819 графит

Энгр. Обет Людовика XIII. Салон 1824 года

Энгр. Луи-Франсуа Бертен. 1832

Энгр. Мари-Клотильд-Инес Муатесье. 1856

Энгр. Виконтесса д’Оссонвиль. 1845

Энгр. Царевич Антиох и Стратоника. 1840

Энгр. Одалиска и рабыня. 1840

Энгр. Источник. 1820-56

Романтизм

Для него характерны негативное отношение к действительности, пессимизм, трактовка исторических сил как находящихся вне реальной повседневной действительности, мистификация и мифологизация. Все это побуждало к поискам разрешения противоречий не в реальном мире, а в мире фантазий.

Романтическое миропонимание охватило все сферы духовной жизни — науку, философию, искусство, религию. Оно выразилось в двух вариантах:

Первый — в нем мир представал бесконечной, безликой, космической субъективностью. Творческая энергия духа выступает здесь началом, созидающим мировую гармонию. Для этого варианта романтического миропонимания характерен пантеистический образ мира, оптимизм, возвышенные чувства.

Второй — в нем человеческая субъективность рассматривается индивидуально-личностно, понимается как внутренний самоуглубленный мир человека, находящегося в конфликте с внешним миром. Такому мироощущению свойственен пессимизм, лирически-грустное отношение к миру.

Исходным принципом романтизма было «двоемирие»: сопоставление и противопоставление реального и воображаемого миров. Способом выражения этого двоемирия был символизм.

Романтический символизм представлял органическое соединение мира иллюзорного и реального, что проявилось в появлении метафоры, гиперболы, поэтических сравнений. Романтизму, несмотря на тесную связь с религией, были присущи юмор, ирония, мечтательность. Образцом и нормой для всех областей искусства романтизм объявил музыку, в которой, по мнению романтиков, звучала сама стихия жизни, стихия свободы и торжества чувств.

Возникновение романтизма было обусловлено рядом факторов. Во-первых, социально-политическими: Французская революция 1769— 1793 гг., наполеоновские войны, война за независимость Латинской Америки. Во-вторых, экономическими: промышленный переворот, развитие капитализма. В-третьих, он формировался под влиянием классической немецкой философии. В-четвертых, сложился на основе и в рамках существующих литературных стилей: просвещения, сентиментализма.

Расцвет романтизма приходится на период 1795— 1830 гг. — период европейских революций и национально-освободительных движений, и особенно ярко романтизм проявился в культуре Германии, Англии, России, Италии, Франции, Испании.

Романтическая тенденция оказала большое влияние в гуманитарной области, а позитивистская — в естественно-научной, технической и практической.

Жан Луи Андре Теодор Жерико (1791—1824). Ученик в течение недолгого времени К. Верне (1808—1810), а потом П. Герена (1810—1811), которого огорчали его приемы передачи природы не в соответствии с принципами школы Жака-Луи Давида и пристрастие к Рубенсу, но впоследствии признавший рациональность стремлений Жерико. Служа в королевских мушкетерах, Жерико писал преимущественно батальные сцены, однако после путешествия в Италию в 1817—19 гг. он исполнил большую и сложную картину «Плот „Медузы“» (находится в Лувре, в Париже), ставшую полным отрицанием давидовского направления и красноречивой проповедью реализма. Новизна сюжета, глубокий драматизм композиции и жизненная правда этого мастерски написанного произведения не были сразу оценены по достоинству, но вскоре оно получило признание даже со стороны приверженцев академического стиля и принесло художнику славу талантливого и смелого новатора.

Теодор Жерико, автопортрет.

Жерико. Портрет г-на Д. (лейтенанта Дьедонне)Офицер конных егерей, идущий в атаку. 1812

Жерико. Раненый кирасир, покидающий поле боя. 1814

Жерико. Портрет карабинера

Жерико. Бег свободных лошадей. Балтимор, Музей искусств

Жерико. Бег свободных лошадей. Лилль. Музей искусств

Жерико. Четверо юношей, сдерживающих коня

Жерико. Плот «Медузы». 1819. трагическая напряженность и драматизм.В 1818 году Жерико работал над картиной «Плот Медузы», положившей начало французскому романтизму. Делакруа, позировавший своему другу, стал свидетелем рождения композиции, ломающей все привычные представления о живописи. Позже Делакруа вспоминал, что увидев законченную картину, он «в восторге бросился бежать, как сумасшедший, и не мог остановиться до самого дома». В основе сюжета картины лежит реальное происшествие, случившиеся 2 июля 1816 года у берегов Сенегала. Тогда на отмели Арген в 40 лье от африканского берега потерпел крушение фрегат «Медуза». 140 пассажиров и членов команды попытались спастись, высадившись на плот. Только 15 из них остались в живых и на двенадцатый день скитаний были подобраны бригом «Аргус». Подробности плавания выживших потрясли современное общественное мнение, а само крушение обернулось скандалом во французском правительстве из-за некомпетентности капитана судна и недостаточности попыток спасения потерпевших.

Образное решение Гигантское полотно впечатляет своей выразительной мощью. Жерико сумел создать яркий образ, соединив в одной картине мёртвых и живых, надежду и отчаяние. Картине предшествовала огромная подготовительная работа. Жерико делал многочисленные этюды умирающих в больницах и трупов казнённых. «Плот „Медузы“» стал последним из законченных произведений Жерико. В 1818 году, когда Жерико работал над картиной «Плот „Медузы“», положившей начало французскому романтизму, Эжен Делакруа, позировавший своему другу, стал свидетелем рождения композиции, ломающей все привычные представления о живописи. Позже Делакруа вспоминал, что увидев законченную картину, он «в восторге бросился бежать, как сумасшедший, и не мог остановиться до самого дома».

Реакция публики Когда Жерико выставил «Плот „Медузы“» в Салоне в 1819 году, картина вызвала негодование публики, так как художник вопреки академическим нормам того времени использовал столь большой формат не для изображения героического, нравоучительного или классического сюжета. Картина была приобретена в 1824 году и в настоящее время находится в 77-м зале на 1-м этаже галереи Денон в Лувре.

Жерико. Скачки в Эпсоме. 1821

Жерико. Окно булочной. 1821, литография

Жерико. Клептоман. Ок. 1820

Жерико. Сумасшедшая, страдающая манией зависти («Гиена Сальпетриера»)

Эже́н Делакруа́ (1798 — 1863) — французский живописец и график, глава романтического направления в европейской живописи. Но настоящими университетами для Делакруа стали Лувр и общение с молодым живописцем Теодором Жерико. В Лувре он очаровался работами старых мастеров. В то время там можно было увидеть немало полотен, захваченных во время Наполеоновских войн и ещё не возвращенных их владельцам. Больше всего начинающего художника привлекали великие колористы — Рубенс, Веронезе и Тициан. Но самое большое влияние оказал на Делакруа Теодор Жерико.

Эжен Делакруа. Ладья Данте. 1822.

Эжен Делакруа. Резня на Хиосе. 1824.

Делакруа. Казнь дожа Марино Фальери. 1826

Делакруа. Смерть Сарданапала. 1827

В июле 1830 Париж восстал против монархии Бурбонов. Делакруа симпатизировал восставшим, и это нашло отражение в его «Свободе, ведущей народ» (у нас это произведение известно также под названием «Свобода на баррикадах»). Выставленное в Салоне 1831года, полотно вызвало бурное одобрение публики. Новое правительство купило картину, но при этом немедленно распорядилось снять ее, слишком уж опасным казался ее пафос.

Делакруа. Свобода, ведущая народ. 28 июля 1830. Салон 1831.

Делакруа. Алжирские женщины. 1834

Делакруа. Еврейская свадьба в Марокко. 1839

Делакруа. Гамлет на кладбище. 1839

Делакруа. Портрет Фредерика Шопена. 1838.

Делакруа. портрет Жорж Санд. 1838.

Делакруа. Вход крестоносцев в Константинополь. 1840

iskusstvu.ru

19 Искусство XIX века западной европы

19.1 Искусство первой половины XIX в.

На искусство первой половины XIX в. оказали влияние Великая Французская революция (1789–1799 гг.), война с Наполеоном, война с Испанией. В этот период большой прогресс в науке. Основные стили: ампир, романтизм, французский реализм.

В архитектуре первой половины XIX столетия неоклассицизм пережил последний расцвет. К середине столетия основной проблемой европейского зодчества стали поиски стиля. Вследствие романтического увлечения стариной многие мастера попытались возродить традиции архитетуры прошлого — так возники неоготика, неоренессанс, необарокко. Усилия зодчих нередко приводили к эклектизму — механическому соединению элементов разных стилей, старого с новым. В архитектуре преобладает строительство фабрик, контор, жилых домов, универмагов, выставочных залов, библиотек, вокзалов, крытых рынков, банков и т. д. Банки украшаются древнегреческими портиками, универмаги — готическими стрельчатыми окнами и башнями. Фабрикам придаются облики замков.

19.1.1 Искусство Франции

Архитектура. В годы Великой Французской революции во Франции не построили ни одного долговечного сооружения. Это была эпоха временных построек, как правило, деревянных. В начале революции была разрушена Бастилия, снесены памятники королям. В 1793 г. закрыли королевские академии, в том числе академию архитектуры. Вместо них появились Национальное жюри искусств и Республиканский клуб искусств, главными задачами которых быи организация массовых праздников и оформление парижский улиц и площадей.

На площади Бастилии воздвигли павильон с надписью: «Здесь танцуют». Площадь Людовика XV была названа площадью Революции и дополнена триумфальными арками, статуями Свободы, фонтанами с эмблемами. Марсово поле стало местом народных собраний с алтарем Отечества в центре. Дом Инвалидов и его Собор превратились в храм человечности. Улицы Парижа были украшены новыми монументами.

Также в годы Французской революции была образована Комиссия художников, которая занималась благоустройством города, планировала изменения в его облике. Он сыграла существенную роль в истории архитектуры.

В искусстве наполеоновской Франции господствовал стиль ампир. Главным мероприятием Наполеона в области архитектуры стала реконструкция Парижа: предполагалось связать средневековые кварталы системой проспектов, пересекающих город по оси «восток-запад». Были построены: проспект Еисейские поля, улица Риволи, триумфальная колонна на Вандомской площади (1806–1810 гг., архитекторы Жан Батист Лепер, Жак Гондуэн), въездные ворота дворца Тюильри (1806–1807 гг., архитекторы Ш. Персье, П. Ф. Л. Фонтен), триумфальная арка Великой армии (1806–1837 гг., архитекторы Жан Франсуа Шальен и др.).

Живопись. В первой половины XIX в. французская школа живописи упрочила своё первенство в искусстве Западной Европы. Франция опередила другие европейские страны и в демократизации художественной жизни. С 1791 г. право участия в выставках луврского Салона получили любые авторы независимо от их членства в академиях. С 1793 г. открылись для широкой публики залы Лувра. Государственное академическое образование вытеснялось подготовкой в частных мастерских. Власти прибегали к более гибким методам художественной политики: распределение крупных заказов на украшение общественных зданий приобрело особенный размах.

Представители живописи французского романтизма — Давид, Энгр, Жерико, Делакруа, Гро.

Жак Луи Давид (1748–1825) — самый последовательный представитель неоклассицизма в живописи. Учился в Королевской академии живописи и скульптуры, в 1775–1779 гг. посетил Италию. В 1781 г. Давид был принят в число членов Королевской академии и получил право участвовать в её выставках — луврских Салонах. В 1792 г. Давид был избран депутатом в Конвент, высший законодательный и исполнительный орган Первой республики.

Ещё в 1776 г. была разработана правительственная программа, которая поощряла создание больших картин. Давид получил заказ на картину о подвиге трёх братьях из знатного рода Горациев — «Клятва Горациев» (1784 г.). Действие картины разворачивается во внутреннем дворике древнеримского дома: сверху на героев картины льётся поток света, вокруг них оливково-серые сумерки. В основе всей композиции число три: три арки (в каждую из арок вписана одна или несколько фигур), три группы персонажей, три сына, тир меча, три женщины. Плавные очертания женской группы противопоставлены чеканным линиям фигур воинов.

В 1795–1799 гг. Давид вместе с учениками работал над картиной «Сабинянки, останавливающие битву между римлянами и сабинянами». Художник вновь избрал сюжет, созвучный современности: сказание о женщинах, прекративших войну между римлянами (их мужьями) и сабинянами (их отцами и братьями), звучало в тогдашней Франции как призыв к гражданскому миру. Однако огромная, перегруженная фигурами картина вызвала у зрителей лишь насмешки.

В 1812 г. уехал в Брюссель, где жил до самой смерти. Писал портреты и произведения на античные сюжеты — «Смерть Марата» (1793 г.), «Портрет мадам Рекамье» (1800 г.). Картина «Смерть Марата» была закончена художником меньше чем за три месяца и повешена в зале заседаний Конвента. Марат был заколот в своей квартире дворянкой по имени Шарлотта Корде. В момент гибели Марат сидел в ванне: из-за кожной болезни он был вынужден так работать и принимать посетителей. Не являются вымыслом художника и залатанные простыни, и простой деревянный ящик, заменявший стол. Однако сам Марат, тело которого было обезображено болезнью, под кистью Давида превратился в благородного атлета, подобного античному герою. Простота обстановки придаёт зрелищу особую трагическую торжественность.

В грандиозной картине «Коронование Наполеона I и императрицы Жозефины в соборе Парижской Богоматери 2 декабря 1804 г.» (1807 г.) Давид создал очередной миф — блеск алтаря и великолепие одежд придворных действуют на зрителя не хуже, чем убогая мебель и старые простыни Марата.

Жан Огюст Доминик Энгр (1780–1867) был приверженцем классических идеалов, художником самобытным, чуждым всякой фальши, скуки и рутины. В 1802 г. был награждён Римской премией и получил право поехать в Италию. В 1834 г. стал директором французской академии в Риме. Достиг наивысшего мастерства в жанре портрета — «Портрет Ривьера».

Энгр пытался передать в живописи декоративные возможности различных видов старого искусства, например выразительность силуэтов древнегреческой вазописи, — «Эдип и Сфинкс» (1808 г.) и «Юпитер и Фетида» (1811 г.).

В монументальном полотне «Обет Людовика XIII, просящего покровительства Богоматери для Французского королевства» (1824 г.), он подражал живописному стилю Рафаэля. Картина принесла Энгру первый крупный успех. В картине «Одалиска и рабыня» (1839 г.) выбрал композицию, близкую к «Алжирским женщинам в своих покоях» Делакруа, и решил её по-своему. Пёстрый, многокрасочный колорит полотна возник вследствие увлечения художника восточной миниатюрой. В 1856 г. Энгр закончил картину «Источник», задуманную им ещё в 20-е гг. в Италии. В грациозном цветущем девичьем теле воплощены чистота и щедрость мира природы.

Теодор Жерико (1791–1824) — основатель революционного романтизма во французской живописи. Первая работа, выставленная в Салоне, — «Офицер конных егерей императорской гвардии, идущий в атаку» («Портрет лейтенанта Р. Дьедонне», 1812 г.). Лихой всадник на полотне не позирует, а сражается: стремительная диагональ композиции уносит его вглубь картины, в сизо-багровое пекло боя. В это время стало известно о разгроме армии Наполеона Бонапарта в России. Чувства французов, познавших горечь поражения, отразила новая картина молодого художника — «Раненый кирасир, покидающий поле боя» (1814 г.).

В 1816–1817 гг. Жерико жил в Италии. Художника особенно увлекли скачки неосёдланных лошадей в Риме. В живописной серии «Бег свободных лошадей» (1817 г.) доступна и выразительная точность репортажа, и сдержанная героика в неоклассическом духе. В этих произведениях окончательно сформировался его индивидуальный стиль: мощные, грубоватые формы переданы большими подвижными пятнами света.

Вернувшись в Париж, художник создал картину «Плот „Медузы"» (1818– 1819 гг.). В июле 1816 г. близ островов Зелёного Мыса корабль «Медуза» под командованием неопытного капитана, получившего должность по протекции, сел на мель. Тогда капитан и его приближённые уплыли в шлюпках, бросив на произвол судьбы плот со ста пятьюдесятью матросами и пассажирами, из которых выжило только пятнадцать человек. В картине Жерико добивался максимального правдоподобия. Два года он разыскивал людей, переживших трагедию в океане, делал зарисовки в больницах и моргах, писал этюды моря в Гавре. Плот на его картине приподнят волной, зритель сразу видит всех ютящихся на нём людей. На первом плане — фигуры умерших и обезумевших; они написаны в натуральную величину. Взгляды тех, кто ещё не отчаялся, обращены на дальний край плота, где африканец, стоя на шатком бочонке, машет красным платком команде «Аргуса». То отчаяние, то надежда наполняют души пассажиров плота «Медузы».

В 1820–1821 гг. Жерико побывал в Англии. Под влиянием работ Констебла он написал «Скачки в Эпсоме» (1821 г.). Картина пронизана движением: кони несутся, едва касаясь земли, их фигуры слились в одну стремительную линию; подвижны низкие облака, подвижны их тени, скользящие по влажному полю. Все контуры в пейзаже размыты, краски смазаны. Жерико показал мир таким, каким его видит жокей на мчащемся галопом коне.

Эжен Деакруа (1798–1863) — французский живописец. Основой живописи Делакруа служат красочные пятна, составляющие гармоничное единство; каждое пятно помимо своего цвета включает оттенки соседних.

Первую свою картину Делакруа написал на сюжет «Божественная комедия» Данте — «Данте и Вергилий» («Ладья Данте») (1822 г.). Делакруа создал картину «Хиосская резня» (1824 г.) под впечатлением событий освободительной революции в Греции 1821–1829 гг. В сентябре 1821 г. турецкие каратели уничтожили мирное население Хиоса. На первом плане картины фигуры обречённых хиосцев в пёстрых лохмотьях; фоном им служат тёмные силуэты вооружённых турок. Большинство пленников безучастны к своей судьбе, лишь дети тщетно умоляют родителей защитить их. Турецкий всадник, который тащит за собой девушку-гречанку, выглядит своеобразным символом порабощения. Не менее символичны и другие фигуры: обнажённый раненый грек — его кровь уходит в сухую землю, а рядом валяются сломанный кинжал и опустошённая грабителями сумка.

После событий в июле 1830 г. в Париже Делакруа создал картину «Свобода, ведущая народ (28 июля 1830 г.)». Простому эпизоду уличных боёв художник придал вневременное, эпическое звучание. Повстанцы поднимаются на отбитую у королевских войск баррикаду, а возглавляет их сама Свобода. Критики увидели в ней «помесь торговки с древнегреческой богиней». Здесь чувствуется романтический стиль: Свобода изображена в виде богини победы, она поднимает трёхцветное знамя Французской республики; следом движется вооружённая толпа. Сейчас все они солдаты Свободы.

В 1832 г. Делакруа сопровождал дипломатическую миссию в Алжир и Марокко. По возвращении в Париж художник создал картину «Алжирские женщины в своих покоях» (1833 г.). Фигуры женщин удивительно пластичны. Мягко очерчены золотисто-смуглые лица, плавно изогнуты руки, пёстрые наряды ярко выделяются на фоне бархатистых теней.

Антуан Гро (1771–1835) — французский живописец, портретист. Гро отказался от классических сюжетов — его привлекала современная история. Создал серию картин, посвященных египетско–сирийской экспедиции наполеоновской армии (1798–1799 гг.) — «Бонапарт, посещающий зачумленных в Яффе» (1804 г.). Другие картины, посвященные Наполеону — «Наполеон на Аркольском мосту» (1797 г.), «Наполеон на поле битвы при Эйау» (1808 г.). Гро в 1825 г. закончил роспись купола Пантеона в Париже, заменив изображение Наполеона фигурой Людовика XVIII.

studfiles.net

Реферат Художественная культура Западной Европы в XIX веке

Муниципальное Общеобразовательное Учреждение

Средняя Общеобразовательная Школа № 1

Реферат на тему:

«Реферат Художественная культура Западной Европы в XIX веке. Особенности декоративно-прикладного искусства, живописи, музыки и архитектуры XIX века.»

                                                                                   Выполнила:

                                                                                               Учащаяся 9«Б» класса

                                                                                               Гурьева Екатерина

                                                                                               Проверила:

                                                                                               Русина Мария

                                                                                               Борисовна

Миасс 2011Описание (план):

Содержание

Введение

1. Общественная мысль

2. Художественная культура Западной Европы

3. XIX век как культурно историческая эпоха

3.1. Литература

3.2. Архитектура

3.3. Декоративно-прикладное искусство XIX века

3.4. Р–РёРІРѕРїРёСЃСЊ

3.5. Музыка

Заключение

ЛитератураВведение

Культура XIX века является культурой сложившихся буржуазных отношений. К концу XVIII в. капитализм как система полностью сформировался. Он охватил все отрасли материального производства, что повлекло соответствующие преобразования в непроизводственной сфере (политике, науке, философии, искусстве, образовании, быту, общественном сознании).

Духовная культура XIX века развивалась и функционировала под влиянием двух важнейших факторов: успехов в области философии и естествознания. Ведущей доминантой культуры XIX века была наука.

Различные ценностные ориентации основывались на двух исходных позициях: установлении и утверждении ценностей буржуазного образа жизни, с одной стороны, и критическом неприятии буржуазного общества, с другой. Отсюда -- появление столь несходных явлений в культуре XIX века: романтизма, критического реализма, символизма, натурализма, позитивизма и т.д. 1. Общественная мысль

Важным сдвигом в культуре Западной Европы стало утверждение в идеологии, искусстве, философии принципа реализма. Мифологическое и религиозное мировосприятие замещается признанием действительности, которая требует учета обстоятельств и преодоления иллюзий. Утверждалось утилитарное мышление, тесно привязанное к потребностям реальной жизни. В социальной жизни сформировалась автономия церкви и государственно-политической власти, установились стойкие буржуазные отношения в каждом социальном слое.

На протяжении XIX -- XX вв. в буржуазном обществе происходит выработка специализированных ценностных ориентации и внедрение в общественное сознание высокого престижа предпринимательства. В идеологических установках утверждается имидж преуспевающего человека, воплощающего дух предприимчивости, решимости, стремления к риску, соединенного с точным расчетом, а соединение духа предпринимательства с национальным духом оказывается важным средством сплоченности общества. Утверждение национального единства означало сглаживание внутренних различий, барьеров, границ. На государственном уровне осуществляются различные программы, направленные на смягчение последствий социального расслоения, на обеспечение выживания и сохранения статуса малообеспеченных слоев населения.

Межгосударственные отношения европейских стран стремились к социокультурному плюрализму, хотя борьба за самостоятельность и автономные права приводила к длительным и кровопролитным войнам. Иногда соперничество переносилось на колониальные пространства.

Постепенно снижался уровень централизации, политической и духовной монополии, что в итоге и способствовало усилению плюрализма. Взаимодействие различных центров влияния создавало такую плюралистическую систему, в которой регуляция отношений вырабатывалась на основе взаимного соотношения прав и обязанностей. Такая система способствовала уничтожению анархии, авторитаризма и формированию механизма правовой регуляции отношений.

Принципы демократии осуществлялись прежде всего в государственной жизни, распространяясь и на другие сферы общества.

Сложный механизм промышленно развитой системы требует для поддержания не только соответствующей социальной структуры, разделяемой прежде всего на различные категории, но и приоритета ценностей, присущих буржуазному индустриальному обществу, таких как: достижение и успех, частная собственность, индивидуализм, право, активность и труд, потребительство, универсализм, вера в прогресс, уважение к науке и технологии.

Эти ценности активно утверждаются всей системой духовного воздействия на массы населения.

Формирование новых принципов регуляции социокультурной жизни отвечало тем переменам в западноевропейском обществе, которые сопровождают его на позднем этапе развития, называемом обычно модернизацией.Гуревич П.С. Философия культуры. - М., 1994

Отчуждение стало одной из важнейших характеристик индустриального общества. Из сферы производственных отношений отчуждение распространилось и на социальные нормы.

Подчинение более отсталых стран с целью эксплуатации их ресурсов не ограничилось установлением политического и экономического господства, а сопровождалось подавлением локальных культур во имя универсализма западной индустриальной цивилизации. Это вызвало движение за национальное освобождение, приобретшее крупномасштабный характер. 2. Художественная культуры Западной Европы

Для культуры XIX в. характерны многостильность, борьба различных направлений, начало кризисных явлений. Принципиально меняется характер взаимодействия человека с окружающей действительностью: появляется созерцательное мироощущение, стремление к чувственному контакту с миром, причем в разных течениях это осуществляется по-разному. В натурализме -- через фиксацию мимолетного, через индивидуальное впечатление. В импрессионизме -- через передачу динамически наполненной жизни. В символизме -- благодаря одушевлению внешнего мира, а в модернизме -- благодаря созданию образов духа.

Необходимо отметить две важные черты культуры XIX в.:

1. Утверждение ценностей буржуазного образа жизни, что проявлялось в ориентации на потребление и комфорт, а в искусстве привело к появлению новых художественных стилей (ампир, академизм, псевдоромантизм и т. п.)

2. Совершенствование институционных форм культуры, т. е., объединение разрозненных прежде академических учреждений культуры: музеев, библиотек, театров, художественных выставок. Появилась художественная промышленность. Искусство превратилось в товар и структуру буржуазных экономических отношений.

Важнейшим достижением культуры XIX в. является появление искусства фотографии и дизайна. Развитие фотографии привело к пересмотру художественных принципов графики, живописи, скульптуры, соединило художественность и документальность, что не достижимо в других видах искусства. Основу дизайну положила Международная промышленная выставка в Лондоне в 1850 г. Ее оформление знаменовало сближение искусства и техники и положило начало новому виду творчества.

Очень важным фактом в культуре XIX в. явилась дифференциация художественной культуры на эстетику, художественную критику, историю искусств как отдельных областей гуманитарного знания.

XIX в. являлся веком взлетов и упадка, веком многостильности и противоречий, но он подготовил тот перелом в сознании и культуре человечества, который разделил традиции классической и современной эпох.3. XIX век как культурно историческая эпоха

XIX век стал веком «перманентной революции», происходившей во всех сферах жизни общества. Техническая цивилизация сменяет в Европе традиционную. Современные исследователи называют такой процесс модернизацией, включая в него индустриализацию, научно-технический прогресс, урбанизацию, демократизацию политических структур, секуляризацию, рост образования и изменение социального статуса женщины.

Индустриализация и урбанизация изменили социальную структуру европейских стран: общество все более четко делилось на два класса - владевшей средствами производства буржуазии и лишенных этих средств пролетариев, продающих свою рабочую силу. Экономическое и социальное положение рабочего класса было чрезвычайно тяжелым: длительный рабочий день 14-16 часов, низкий уровень жизни, колоссальная безработица, широкое использование более дешевого детского и женского труда. В этих условия естественными стали экономические и политические выступления рабочих, требовавших социальных реформ.

Социальные конфликты капитализма были осмысленны политиками и философами, возникли социалистическое и коммунистическое движения. Эти партии имели определенное политическое влияние. Настоящей социальной силой становилось профсоюзное движение. К концу XIX века проведенные политические реформы смягчили неблагоприятные последствия индустриализации и в большинстве стран государство стало брать на себя борьбу с бедностью.

XIX веке были сделаны научные и технические открытия, которые привели к изменению образа жизни людей, к возможности человека сделать больше за более короткий промежуток времени: к концу века были изобретены пароход, телеграф, телефон, газовое и электрическое освещение, фотография и кинематограф.

Наука от периода собирания фактов перешла к этапу выявления закономерностей, возникло теоретическое естествознание. В физике был сформулирован закон сохранение и превращение энергии в биологии - созданы клеточная теория и теория эволюции, в химии - периодическая система, а в геометрии - теория Лобачевского.

Наука стала не просто формой рационального знания и новым социальным институтом. Ее претензии на создание собственной картины мира, заявленные в эпоху Просвещения в знаменитой «Энциклопедии», подтверждались все новыми и новыми теориями и научными достижениями, внедряемые в производство. наука становилась производительной силой, а ее роль в обществе все более возрастала. Науку воспринимали, как совершенное знание о природе и человеке. На нее старались походить и философия, и искусство.

В философии в качестве именно научного знания будут утверждать себя марксистское и позитивистское направление. В искусстве такое направление как натурализм станет попыткой использования позитивистского метода.

Позитивизм был не только философией, он стал и весьма распространенным мировоззрением эпохи. Казалось, что методы позитивных наук должны распространиться и в казавшейся излишне умозрительной философии, и в современном искусстве, которое теперь должно ориентироваться на науку как образец.

Процесс секуляризации в XIX в. выглядел как неуклонное снижение доли религиозного и увеличение доли светского начала. Принципы свободы вероисповедания, отделение церкви от государства, отмена церковной цензуры привели к появлению существенно новой ситуации в общественном сознании. Секуляризации способствовало не только развитие науки, но и рост образования.

Претерпевала радикальные и постоянные изменения художественная жизнь общества. Противоречия европейского развития нашли свое выражение в искусстве. Особенностью XIX века стало многообразие художественных направлений.

Европа становилась нетрадиционным типом общества, в котором все больше распространение получало новаторство, где художественные стили не последовательно сменяли друг друга, а существовали параллельно, дополняя друг друга.

Вопросы предназначения искусства, его специфики, роли художника стали достоянием не только художественной критики, но и эстетики. Такие крупнейшие философы XIX века, как Кант, Гегель, Шеллинг, Фейербах, философы - иррационалисты - Шопенгауэр, Ницше, - высказали ряд принципиально новых подходов к пониманию художественной жизни.

Множественность художественных направлений в XIX веке была следствием процесса модернизации. Художественная жизнь общества теперь определялась не только церковным диктатом и модой придворных кругов. Изменение социальной структуры повлекло за собой изменения восприятия искусства в обществе: возникают новые социальные слои состоятельных и образованных людей, способных самостоятельно оценивать произведения искусства, ориентируясь только на требование вкуса. Именно к XIX веку культурологи относят начало формирования массовой культуры; газеты и журналы, из номера в номер печатавшие длинные романы с занимательным сюжетом, стали прообразом телевизионных сериалов в искусстве XX века.

Многообразие направлений искусства имело глубокую социальную подоплеку. Модернизация европейского общества могла быть художественно отражена лишь в новых видах, жанрах, направлениях искусства.

В художественной жизни первой половине XIX века преобладал романтизм отразивший разочарование в идеологии Просвещения. Романтизм был реакцией на результаты Великой Французской революции, не оправдавшей возлагавшихся на нее надежд. Романтизм как течение в художественной жизни получил распространение в разных странах и вовлек в свою орбиту различные виды искусств. Более того, романтизм стал особым мировоззрением и образом жизни. Романтический идеал личности, не понятый обществом, формирует манеру поведения его высших слоев.

Для романтизма характерно противопоставление двух миров: реального и воображаемого. Ренальная действительность рассматривается как бездуховная, негуманная, недостойная человека и противостоящая ему. «Прозе жизни» реального мира противопоставляется мир «поэтической реальности», мир идеалов, мечты надежды.

Видя в современной ему действительности мир пороков, романтизм пытается найти выход для человека. Этот выход - одновременно и уход от общества в различных вариантах.

Романтический герой уходит в собственный внутренний мир, мир страстей и переживаний, мир вымысла и грез. Необыкновенная любовь, любовь - страсть, любовь - трагедия является доказательством уникальности духовного мира романтического героя и его неспособности принять законы утилитарного и бездушного мира.

Уход от мира можно совершить не только в глубины собственного «я» , нор и за пределы реального пространства. Мир природы способен и отразить бурные романтические чувства, и успокоить их.

Романтизм начинает идеализировать прошлое, в особенности Средневековье, видя в нем иную реальность, культуру, ценности которой не сравнимы с утилитарностью современного общества.

Особенно высоко ценит романтизм незаурядность личности художника. В эстетике романтизма искусство обладает такими возможностями для понимания жизни, прозрение и интуиция. Однако наделен такими способностями далеко не каждый человек, они свойственны лишь художнику, способному проникнуть в суть вещей. Толпа не может понять прозрений художника, и он оказывается в глубоком противоречии с обществом. Одной из основных тем романтизма становится тема одиночества и даже гибели художника, его непонятности обществом и отчужденности от него.

К середине XIX века набирают силы иные художественные направления. Значимым для них становиться воплощение не только трагедии отдельной личности, но и жизнеописание широких социальных слоев.

Представители натурализма исходили из положения о предопределенности судьбы человека социальной средой и наследственностью. На искусство этого направления значительно повлиял позитивизм с его педантичным описанием фактов и отказом от излишнего теоретизирования. Литература натурализма, исследуя поведение человека, по своим методам пытается быть похожей на науку. Чаще всего это направление в литературе связывается с именами Золя и Мопассана. В живописи такие художники, как Курбе и Милле, обращаются к образам из социальных низов общества. Натурализм не стремился к обобщению и типизации подобно реализму.

Источники моральных установок человека отыскиваются исключительно в наследственности или во влиянии внешней среды. Эти причины, по мнению натуралистов, фатально определяют судьбу человека. В произведениях приверженцев натурализма нет той глубины психологического анализа персонажа, которая станет художественным открытием реализма. Писатель-натуралист превращает свое произведение в подобие фотографии , сохраняя все подробности, но устраняясь при этом от собственной авторской позиции, от вынесения моральной оценки.

В реалистическом освещении явления действительности предстают во всей их сложности, многогранности и богатстве. Если мир романтизма - это собственно духовный мир героя, то в реализме принципом обобщения становится типизация: показ узнаваемых характеров и точных деталей. Развитие реализма могло с наибольшей полнотой выразить противоречия социального развития. Предметом критики художников-реалистов было то же буржуазное общество, которое не принимали романтики. Но теперь уже не личность в исключительной ситуации, а типические характеры, действующие в типичных обстоятельствах, становятся главным предметом изображения. Реализм глубоко проникает в общественную жизнь, раскрывая социальные противоречия.

К середине столетия реализм становится господствующим направлением в европейской культуре. Если главными видами творчества для романтиков были музыка и поэзия, способные выразить тайное и неизъяснимое, то реализм повлек за собой расцвет, в первую очередь, такого литературного жанра, как социально-исторический роман. Литература, в свою очередь, оказала влияние на реалистическую живопись.

Реализм как направление оказался намного шире границ XIX века в отличие от предшествующих эпох сказывается в том, что фактически одновременно с реализмом возникают и развиваются художественные направления, во многом противоположные ему и поэтому длительное время называвшиеся декадансом (упадком). Если реализм претендовал на объективности отражения мира, то символизм и импрессионизм открыли субъективность восприятия художника, именно на этом акцентируя внимание и используя целый ряд новых художественных приемов.

В отличие от реализма, символизм противопоставляет субъективный мир объективному, продолжая традицию романтизму. В символизме находит выражение позиция индивидуализма и даже демонизма. Искусство символизма выразило стремление к духовной свободе, трагическое предчувствие надвигающихся социальных катастроф и сомнение в духовных ценностях как сдерживающем начале.

Если в литературе субъективность восприятия художника открывает символизм, то в живописи подобное открытие совершается импрессионизмом.

Именно импрессионизм и символизм перебросили мостик в искусство XX века.

Культурные условия XIX века расширили возможности индивидуального начала в художественном творчестве.

Век был настолько ярким, был представлен настолько крупными личностями, что своеобразие художественных направлений может быть раскрыто только через индивидуальные биографии художников, их оригинальные произведения. XIX век стал веком творческих индивидуальностей, веком личностей. Закономерно поэтому обратиться к анализу биографий авторов и их произведений.

Статус художника никогда не был так высок, как в искусстве XIX века. Если в эпоху Просвещения философы становились писателями, то в XIX веке писатели сравнялись с философами по глубине анализа общества и четкой выраженности нравственной позиции. Величайшие писатели и художники XIX века явились духовными лидерами своего времени.Качановский В.В. История культуры Западной Европы. - Мн.,2002.3.1 Литература

Романтизм в литературе - сложное многогранное явление, охватывающее внешне непохожие произведения искусства.

Для романтизма характерна неизвестная для того в литературе степень проникновения в глубины человеческой души. Романтики часто противопоставляли действительности мечту. Презирая весь буржуазный уклад жизни, они считали его предметом скучным, пошлым, недостойным изображения и искали большие чувства и страсти.

Романтизм главенствовал в европейской литературе многие десятилетия. Именно в этот период расцвела лирика. Поэт стал романтическим героем, противопоставляющим себя унылым будням, живущим иной жизнью: жизнью своих поэтических эмоций и переживаний.

Романтики открыли многообразие поэтических форм, богатство инноваций; отказавшись от правил классицизма, они смогли передать подлинные человеческие чувства.

Мир и человек в романтической литературе оказались сложнее и многозначнее, чем в романах просветителей. Культу разума классицизма и просветительства романтики противопоставляли культ чувства, принципу отражения жизни - принцип условности.

Новый романтический герой был одинокой загадочной личностью. Уйти от обыденной жизни можно было по-разному - и возникает романтический роман, просто уехать - и герой-романтик бежит от общества в иные, как правило, экзотические страны, можно было уйти в себя, сосредоточившись на собственных переживаниях, и необходимым становилось всепоглощающая любовная страсть, проявляющая всю непохожесть романтического героя на обычных людей с их мелкими чувствами.

Джордж Байрон (1788-1842) представлял собой яркий тип художника - романтика, дав название целому художественному направлению - байронизму. Сама жизнь Байрона стала легендой. Родившись в аристократической семье, он связывает свои устремления, как с литературой, так и с политикой.

Самым известным героем Байрона стал Чайльд Гарольд, герой поэмы « Паломничество Чайльда Гарольда» (1812г.). Именно это произведение сделало Байрона знаменитым. Образ Чайльда Гарольда - это образ английского аристократа, отправившегося в путешествие по дальним странам. Поэма стала эталоном романтической жизни.

В поэме Байрона присутствует целый ряд деталей его биографии, что дало основание для отожествления автора и его героя. Сначала Байрон протестовал, а затем и сам стал вести повествование от первого лица.

Кем бы ни был байроновский герой, он всегда чужой среди людей. Он презирает законы общества, нарушает моральные запреты, но последней надеждой его благородного сердца оказывается любовь. Эта любовь всегда обречена и оказывается последней трагедией героя.

Другом Байрона был Перси Биши Шелли (1792-1822), происходивший так же из аристократической семьи. Шелли покинул родину, провел много лет в Италии. С большим сочувствием относился к идеям Французской революции. Творческое наследие Шелли, несмотря на его короткую жизнь, было достаточно разнообразным. Его перу принадлежат стихотворения, поэмы, оды. Особую известность получила лирическая драма « Освобожденный Прометей». Шелли романтизировал и саму поэзию как вид творчества, считая, что она является не просто воображением, но и создает вечные образы.

Будучи поэтом - романтиком, Шелли широко использовал библейские и мифологические образы, символы и аллегории. Его яркий поэтический путь был прерван ранней смертью.

Обращаясь к истории, писатель стремился понять ее тенденции, позволяющие осмыслить современную действительность.

В центре произведений Шелли находится романтический герой, развертывается увлекательная любовная линия. Его поэтическое творчество выделялось действительно необыкновенным разнообразием, тонкостью лирического переживания.

Шотландский писатель Вальтер Скотт(1771-1832) открыл новый жанр в литературе - исторический роман. На прошлое писатель смотрел глазами романтика, видя в нем ту яркость событий и переживаний, которой не доставало в обыденном течении жизни. Для своих романов В. Скотт выбирал исторически переломные моменты, когда решались судьбы целых народов. Самыми известными его произведениями стали: «Пуритане», «Айвенго», «Квентин Дорвард».

У Вальтера Скотта всегда вызывало живой интерес прошлое его семьи, его родины - Шотландии, причем его память не упускала мельчайших подробностей и деталей. Романтизм в творчестве В. Скотта сочетался с реалистическим началом. В его романах судьба отдельного человека зависит от хода исторического развития. Перу Скотта принадлежат 28 романов, в которых перед читателем разворачивается целый мир событий и чувств панорама жизни Англии и Шотландии на протяжении нескольких столетий, от XII до XIX в. В. Скотт считал, что для писателя точность должна стать необходимым условием создания исторического романа: он тщательно изучал обычаи, костюмы, документы. Источниками сведений для Скотта служили летописи, он строил повествование с опорой на исторические факты. Эпоха Средневековья увлекает писателя своей суровостью и благородством, не случайно романы В. Скотта помогают не только узнать, но и почувствовать историю.

Английский писатель Чарльз Диккенс (1812-1870) представляет реалистическое направление в литературе. В его романах показана жизнь Англии XIX в. с ее конфликтами и противоречиями. Особенности творчества Диккенса во многом определялись чертами личной биографии писателя.

Слава пришла после публикации романа «Посмертные записки Пиквикского клуба», в котором перед читателем предстает целая галерея смешных и гротесковых персонажей.

В творчество Диккенса входит социальная тема: в романах «Холодный дом», «Домби и сын», «Тяжелые времена» Диккенс критикует жестокость собственников, бюрократизм государства, алчность и двуличие людей. Диккес был сторонником нравственного перевоспитания членов общества. Он прославляет людей из народа, всегда добрых и великодушных, даже романтизирует их. В истории литературы остался термин» диккенсовская Англия», настолько огромен и многолик мир его романов, населенный множеством персонажей, принадлежащих к разным социальным слоям.

Диккенс много путешествовал, был дружен со многими писателями и актерами. Современники отмечали и у самого писателя незаурядный актерский дар, так, например, Диккенс часто выступал с чтением своих произведений, и о нем писали как о величайшем чтеце века. День похорон писателя стал днем национального траура.

Еще один мастер реалистического романа Уильям Мейкпис Теккерей (1811-1863). Самым значительным произведением писателя стал роман «Ярмарка тщеславия». В нем представлено английское общество, которое писатель уподобляет ярмарке: все его персонажи одержимы лишь жаждой наживы, все продается и все покупается. В отличие от Диккенса, часто прибегавшего к идеализации, Теккерей язвителен и саркастичен.

В литературных произведениях Теккерея реалистическая основа сочетается с игровой, комической. Современные литературоведы отмечают, что в то время, когда у писателя доминировала позиция всезнающего автора, Теккерей, вовлекая читателя в своеобразную игру, предвосхищает литературу XXв., где распространение получит относительность и смена авторских позиций в тексте.

Рассказ об английской литературе был бы неполным без упоминания Оскара Уайльда(1856-1900). Уайльд получил прекрасное образование.

Обратившись к жанру сказки, Уайльд опубликовал сборник «Счастливый принц». Затем появился второй сборник сказок «Гранатовый домик». Эти произведения обращены не только детям. Сказочный мир Уайльда был необыкновенно утонченным, замысловато образным, многозначным.

В предисловии к своему известному роману «Портрет Дориана Грея» Уайльд писал: «Искусство - зеркало, отражающее того, кто в него смотрится, а вовсе не жизнь». Роман является одной из версий мифа о Фаусте: молодой Дориан Грей продает душу искусителю, чтобы сохранить свою молодость и красоту.

Уайльд был известен как драматург. Его пьесы: «Идеальный муж», «Саломея» входят в мировой репертуар. Сам Уайльд в одном из писем назвал себя символическим выражением своего века.

Творчество Уайльда закономерно относится к символизму.

Цель искусства, по мнению Уайльда, - доставлять людям эстетическое наслаждение.

Эрнст Теодор Амадей Гофман (1776-1822) - выдающийся деятель немецкой культуры эпохи романтизма. Дарование его было многостороннее: он был и композитором, и дирижером, и театральным критиком, и писателем. Получив юридическое образование, он почти всю жизнь проработал в канцеляриях, но все свободное время посвящал искусству.

Как писатель Гофман прославился своими фантастическими новеллами - сказками, в которых пересекается мир реальности и фантастики. Персонажи его сказок делятся на романтиков - художников, поэтов, музыкантов и прошлых обывателей.

Сатирическим пафосом проникнута сказка «Крошка Цехас», заглавному герою которой благодаря вмешательству феи окружающие приписывали все лучшее, что совершалось в его присутствии. Именно сказка давала возможность для полета фантазии автора. В сказке «Крошка Цахес» Гофман показывает, какую опасность несет в себе неограниченная власть, вызывающая массовый психоз и паралич здравого смысла.

Творческое наследие Гофмана обширно и разнообразно - романы, новеллы, либретто, эссе. Лучшим из них сам автор считал два произведения: сказку «Золотой горшок» и роман «Житейские воззрения кота Мурра». Почти во всех произведениях Гофмана присутствует герой - художник.

Многогранным было и творчество Генриха Гейне (1797-1856). Подобно Гофману он получил юридическое образование и рано увлекся искусством, начав публиковать стихи, а затем выпустив «Книгу песен». Поэзия Гейне стала высшим выражением немецкого романтизма. Он говорил о своих чувствах без патетики, просто и естественно, временами даже иронично. В поэтическом творчестве Гейне тесно сплетены литературное мастерство и задушевность, идущая от традиций народной немецкой поэзии. Стихотворения поэта становились даже народными песнями. Как и в немецкой песне, стихи Гейне представляют собой лирический монолог, в котором перекликаются чувства и явления природы.

Политическая направленность творчества Гейне проявилась в поэме «Германия. Зимняя сказка». Используя фантастические образы, сны и видения, Гейне, однако обращается к реальным и злободневным проблемам. Поэма написана под впечатлением поездки на родину из новой Франции. Кроме образа родины в поэме предстает и образ поэта, глубоко эмоциональной и ранимой творческой личности, каким и остался в истории литературы Гейне как представитель романтического направления.

Основоположником французской литературы романтизма считается Франсуа де Шатобриан (1768-1848). В историю литературы вошел как создатель ярких образов романтических героев.

Главное произведение Шатобриана трактат «Гений христианства», произведение, в котором автор рассматривает католицизм как самую поэтическую религию, раскрывшую новый мир человеческих чувств. В текст трактата включены две повести «Атала» и «Рене», ставшие особенно знаменитыми и публиковавшиеся отдельно. Именно Рене стал первым в литературе героем, от которого берет начало череда романтических персонажей, страдающих «мировой скорбью». Шатобриан оказал решающее влияние на формирование французского романтизма.

Французского писателя Стендаля (настоящее имя Мари Анри Бейль) (1783-1842) нельзя отнести к какому-либо направлению, в его творчестве сплелись как романтические, так и реалистические тенденции. Включившись в борьбу романтиков за новую литературу, он создал, однако, иную реалистическую эстетику. Стендаль был историком и исследователем нравов общества. Как художник-психолог Стендаль со всеми тончайшими оттенками анализирует мысли и чувства человека, его противоречивые порывы. Писатель стремился создать многогранный образ эпохи, а не только описать характеры. В романе «Красное и черное» Стендаль создал картину жизни современного общества, не случайно роман имеет подзаголовок - «Хроника XIX века».

В книге «Красное и черное» проступают черты романа воспитания: не знающий жизни юноша Жюльен Сорель постепенно набирается опыта, приходя к выводу, что честному и умному человеку нет места в обществе. Для героя характерно умение и стремление познавать окружающий мир, соединение таланта с расчетом. Развитие психологии героя Стендаль связывает с воздействием внешнего мира, и в его романе Сорель является тонким и внимательным наблюдателем жизни.

В романе «Люсьен Левен» автор рассказывает историю духовного развития молодого человека, при этом главным оказывается изображение общества, увиденного глазами прозревшего, освобождающегося от иллюзий молодого человека.

Замысел романа «Пармская обитель» появился у Стендаля в Италии. В центре сюжета также судьба юноши Фабрицио даль Донго. В этом романе Стендаль выражает свою мысль о том, что человек не может быть счастлив в этом несчастном обществе религиозных догм и тирании власти.

Главой реалистической школы в первой половине XIX в. был Оноре де Бальзак, считающийся классиком социального романа. Бальзак создал большой цикл произведений, романов и повестей, который впоследствии объединил под общим названием «Человеческая комедия». Этот цикл включает в себя более 90 романов.

Бальзак был поразительно работоспособен. Европейскую славу ему принесли романы «Шагреневая кожа», «Евгения Гранде», «Отец Горио», «Утраченные иллюзии», новелла «Гобсек». Стремление писателя дать широкую панораму жизни современной ему Франции не могло найти полного воплощения в одном романе, и Бальзак приходит к идее целого цикла произведений, которые должны были стать энциклопедией общественной жизни. И действительно, без «Человеческой комедии» наше представление о XIX в. было бы неполным.

Писатель рассматривает современное ему общество через изображение личных отношений, семейных историй. Причем каждый из героев представляет отдельную социальную группу и выражает ее суждения. Ставший нарицательным именем Растиньяк представляет молодых честолюбцев, использующий полезные связи - типичный образ своего времени. Образ Растиньяка Бальзак показывает в развитии от наивного провинциала до утратившего все иллюзии, научившегося жить по правилам этого мира министра и миллионера.

Бальзак умело сочетал социально-типическое и индивидуальное, он был мастером-психологом, использовал обширнейший художественный материал. Романы Бальзака стали образцом реализма первой половины XIX в.

Эмиль Золя (1840-1902) был главой натурализма. Как писатель Золя весьма осознанно подходил к избранному им методу, считая, что произведение искусства похоже на уголок природы, увиденный через темперамент художника. Мировую известность Золя принес цикл романов «Ругон-Маккары». В романе «Западня» Золя обратился к теме социальных низов, расширяя сферу художественного в соответствии с принципами эстетики натурализма. Золя выступил и как теоретик натурализма, выдвинув концепцию научного экспериментального романа. Тщательное наблюдение и изучение натуры должно быть, по его мнению, методом не только ученого, но и писателя.

К натурализму как литературному направлению можно отнести и творчество Ги де Мопассана (1850-1893). В историю литературы Мопассан вошел, прежде всего, как новеллист, но огромную известность принесли ему романы («Жизнь», «Монт-Ориоль», «Милый друг»). Важное место в новеллистике Мопассана занимала тема любви. Во многом это объясняется тем, что Мопассан, как и другие писатели-натуралисты, обратился к запретной прежде для литературы теме плоской любви. Многие произведения Мопассана посвящены раздумьям о существовании людей, заслуживающих лучшей доли, о неизбежной трагедии старости и смерти.

В конце XIX в. в искусстве сложилось новое направление - символизм. Наиболее крупными представителями французского символизма были Шарль Бодлер, поэты Поль Верлен, Стефан Малларме, Артюр Рембо.

Шарль Бодлер (1821-1867) рано начинает литературное творчество. Самым значительным его произведением стал стихотворный сборник «Цветы зла», представляющий собой исповедь поэта. Откровенно изображает Бодлер самые темные стороны своей души. Предметом исследования он избирает зло, порок. Поэт становится чужаком, которого не принимает толпа, обвиняя в безнравственности. Его любовь всегда трагична. В образах бодлеровской поэзии начинается стирание грани между воображаемым и реальным. Творчество Бодлера продолжало романтические традиции французской поэзии, и вместе с тем он уже являлся предтечей символистов. В поэзии Бодлера передано мучительное раздвоение личности, колебание между добром и злом, для выражения которого автором был найден новый поэтический язык.

Поль Верлен (1844-1896) был завсегдатаем французских литературных салонов. Большое влияние на него оказало творчество Бодлера. Однако у Верлена сложился собственный стиль, которому свойственны музыкальность, способность к передаче самых тонких движений души и меланхолическая интонация. Полотнами Ватто и Фрагонара навеян сборник «Галантные празднества». Для Верлена характерна тенденция к субъективизации художественного мира: даже зарисовки природы растворились в глубоко личном восприятии поэт, складываясь в особый «пейзаж души». Лучшей книгой Верлена стал сборник «Романсы без слов», где сделан шаг к слиянию музыки и поэзии, к замене смысла звучанием. Верлен считал музыкальности важнейшим принципом новой поэзии. Задача поэзии - по мнению Верлена, - выражение невыразимого, а поэт - это медиум, движимый интуицией, а не логикой. Будучи мэтром символизма, Верлен был связан с импрессионизмом, поскольку стремился скорее к передаче впечатлений, чем к созданию символов.

Артюр Рембо(1854-1891) уже в юном возрасте обнаружил свое поэтическое дарование. Он болезненно пережил разгром Коммуны в 1871 году. Для Рембо характерен разрыв со всем, что сковывает свободу поэта, мешает проявляться стихийности его творчества. В одном из своих стихотворений поэт сравнивает себя с кораблем, потерявшим управление. Целью поэтического творчества для Вернлена являлось ясновидение, способность раскрыта сверхчувственную реальность - сны, пророчества, галлюцинации. Поэзия становиться высшей реальностью, единственным способом самореализации поэта. library@countries.ru 3.2 Архитектура

Первая половина XIX века проходит как период позднего рассвета неоклассицизма. В середине XIX века архитекторы находятся в поисках стиля, в связи с чем пытаются возродить в обновленном виде различные стили прошлого: необарокко, неоренессанс, неоготика.

Именно в первой половине XIX века европейские столицы обрели свой архитектурный облик.

Революционная эпоха выбрала неоклассицизм своим официальным стилем. Была образованна Комиссия художников, планировавшая изменения в облике города. Неоклассицизм сохранился и в наполеоновскую эпоху и получил название ампир. Этот стиль выражал величие империи созданной Наполеоном. Предпринимается реконструкция Парижа и обновление планировки столицы. Проектировщики вдохновлялись древнеримскими памятниками, прославляя военные победы Бонапарта. Так поступил Жан Франсуа Шангрен, сооружая Триумфальную арку на площади Звезды(1806-1807 гг.).

Если Франция избрала неоклассицизм, то в Англии утвердилась неоготика. Ее примером является здание парламента в Лондоне. Архитектором был Сер Чарльз Бэрри(1795-1860). Здание напоминает памятник английской готики 16 века, оно отличается четкостью планировки и особой роскошью.

В Германии архитектурным центром была столица - Берлин. Берлинские постройки чаше всего были вариациями на тему различных исторических стилей. Примером может служить Старый музей в Берлине (архитектор Карл Фридрих Шинкель (1781-1841).

В скульптуре господствующим стилем также оставался неоклассицизм, поддерживавшийся живейшим интересом к античным шедеврам. Романтизм способствовал проявлению интереса к личности, что отразилось в появлении многочисленных памятников великим людям прошлого. Среди самых значительных имен скульпторов XIX века следует назвать итальянца Антонио Канова (1757-1822). Скульптор работал в Италии и во Франции, где создал изображение императора и его близких.

Бертель Торвальдсен (1770-1822), датский скульптор, работавший в основном в Италии, затем и по всей Европе. Он создал скульптурные образы Коперника, Гуттенберга, Байрона. В конце жизни он вернулся в Копенгаген и возглавил там Академию художеств.

В середине века облик многих европейских столиц изменился, города росли и перестраивались: шли процессы индустриализации и урбанизации. Наиболее удачно перестройки были осуществлены в Париже и Вене. Символом Парижа стала знаменитая Эйфелева башня, построенная в 1889 году к открытию Всемирной выставки. Эйфелева башня продемонстрировала технические возможности нового материала - металла. Однако оригинальное художественное решение было признано далеко не сразу, башню призывали снести, называли чудовищной. Время расставило все по местам. Теперь башня - это символ Парижа.

В европейской архитектуре появляется эклектизм. Эклектизм соединяет элементы различных стилей как в одной постройке, так и в ансамблях. Примером эклектичного архитектурного ансамбля стал венский Ринг, примером отдельного здания - театр «Гранд-Опера» Шарля Гарнье (1825-1898),церковь Секре-Кер в Париже, построенная Полем Абади.

Завершает вереницу архитектурных стилей XIX века стиль модерн, своеобразие которого проявилось в освобождении от влияния античного ордера и в удивительном разнообразии декоративного оформления зданий. Модерн развивался в разных вариантах, поскольку главным для архитекторов стал принцип импровизации.

Среди архитекторов модерна можно назвать имя Антонио Гауди (1852-1926). Его здания поражают богатством конструктивных решений и разнообразием в украшении интерьеров. Среди них жилые и доходные дома. Там же был построен по его проекту уникальный храм, похожий на готический собор: церковь Саграда Фамилия («Святое семейство»).

Бельгийский скульптор Виктор Орта (1861-1947) подобно графикам и живописцам стремился освободился от стилевых ограничений. Для его творений характерна любовь к орнаментам и комфортабельности жилища, что делает интерьеры модерна немного похожими на интерьеры рококо.

В оформлении интерьеров в стиле модерн художники проявляли бесконечную фантазию, могли причудливо сочетать различные стили и эпохи. Появились импульсивные нервные линии, орнамент, изогнутые лестницы, колоны уподобляются деревьям. Орнаменты вызывают в памяти то растения, то морские волны. Окна принимают самую необычную форму. В элементах интерьера и декоративного убранства часто угадываются фантастические существа. Использовались витражи и мозаика, линии лепнины могли напоминать улиток и морские звезды. Дмитриева А.А. Краткая история искусств. Вып.2. - М., 2005.3.3 Декоративно-прикладное искусство XIX века

Стили декоративно-прикладного искусства в XIX веке менялись с той же быстротой, с какой менялись правительства и политические воззрения. Франция оставалась по-прежнему центром художественных перемен. «Революционный стиль» отказался от роскоши, свойственной старому политическому устройству, «старому порядку». Ампир, как декоративный стиль, также ориентировался на античный мир: копировались мебель и посуда, найденные при раскопках, античные предметы коллекционировались. Франция оставалась законодательницей вкусов и после падения империи Наполеона. Декоративное искусство в XIX веке постепенно превращается в отрасль промышленности: художник задумывал лишь образ будущей вещи, изготавливал же ее ремесленник.

При оформлении интерьера в стиле ампир часто использовались панорамные обои, изображавшие виды природы, использовалось большое количество зеркал, создававших иллюзорный мир отражений. Мебель стиля ампир была достаточно массивной, особое распространение получило экзотическое красное дерево. Драгоценное сырье привозили из английских колони, а от мастера-краснодеревщика требовалось особое мастерство. Символом ампира стали и изделия из бронзы. При изготовлении фарфора мастера также стремились подражать античным образцам. Производство фарфора упростилось и подешевело, изделия из него стали доступным предметом обихода. Ювелиры также подражали античности, выбирая драгоценные камни и форму украшений. Именно в это время в моду вошли камеи.

На протяжении всего XIX века в декоративно - прикладном искусстве подражали образцам прошедших исторических эпох, иногда достаточно эклектично, нередко с большим вкусом. Лишь в самом конце XIX века появляется новый оригинальный стиль, получивший название модерн.3.4 Живопись

В первой половине XIX века живопись первенствовала в искусстве Западной Европы. Представителем классицизма был Жак Луи Давид (1748-1825). Известность ему принесла картина « Клятва Горациев», выполнена по государственному заказу.

В эпоху правления Наполеона Давид выполняет заказы двора. Наполеон брал Давида как первого живописца, замечательно угадав пропагандистскую составляющую его таланта. Совершенством отличается замечательный портрет Мадам Рекамье, свидетельствующий о приверженности автора к классицизму.

Так же приверженцем классических идеалов был Жан Огюст Доминик Энгр (1780- 1767) . Как художник он много работал для частных лиц, но выполнял и государственные заказы. Энгр учился у Давида и всю жизнь оставался поборником классицизма. В своих произведениях Энгр достиг высокого мастерства и художественной убедительности, воплотил глубоко индивидуальное представление о красоте.

Художник Теодор Жерико (1791- 1824) был мастером, с именем которого связаны первые блестящие успехи романтизма во Франции. Картина Жерико « Плод Медузы» стала символом современной художнику Франции. Люди, спасающиеся от кораблекрушения испытывают и надежду, и отчаяние. Картина не просто повествует о последнем усилии людей, терпящих бедствие, но становится символом Франции тех лет, также переходившей от отчаяния к надежде.

Господствующее положение в живописи Англии сохраняла академическая школа. У публики пользовались популярностью работы членов Королевской академии искусств, выполненные в традиционной манере. Однако в Англии было создано объединение художников, получившее название « Братства прерафаэлитов». Их привлекала религиозная духовность мастеров Проторенессанса (художников, работавших до Рафаэля). В своем творчестве прерафаэлиты выражали романтическую ориентацию на иные эпохи. Творчество прерафаэлитов поддерживал Джон Рескин (1819- 1900), писатель и критик искусства, ставший автором книги « Современные живописцы». Прерафаэлиты обращались к новозаветным сюжетам, много писали с натуры, изменили и традиционную технику живописи: их полотна отличались яркими и свежими тонами.

Среди живописцев второй половины XIX века выделялся своим ярким талантом Эдуард Мане (1832- 1883). Историческая тема была ему знакома, но не увлекала художника, он стал изображать многоликую парижскую жизнь. Официальная критика не принимала художника, его новаторская живопись осуждалась, вызывала протест. Именно так и произошло СА самыми знаменитыми картинами Мане « Завтрак на траве» и « Олимпия». Публике казалось вызовом изображение обнаженного женского тела, а самое главное, манера автора, пытавшегося передать богатство солнечного освещения. Постоянным мотивом творчества Мане становится Париж: городская толпа, кафе и театры, улицы столицы. Творчество Мане предваряло новое направление в живописи - импрессионизм, но сам художник не примкнул к этому движению, хотя несколько изменил под воздействием импрессионистов свою творческую манеру. В конце жизни Мане к нему пришло широкое признание, он был награжден орденом Почетного легиона.

Мастерская Эдуарда Мане, ставшая на время центром художественной жизни, объединила целую группу художников, находившихся под впечатлением живописных открытий ее хозяина. Жюри Салона отвергало их картины подобно картинам Мане. Они выставлялись частным образом в так называемом « Салоне отверженных». На выставке, устроенной в помещении фотоателье в 1874 году, была представлена, в частности, картина Клода Моне « Впечатление. Восход солнца». Такие художники как Клод Моне (1840- 1926), Камиль Писсаро (1830- 1899), Пьер Огюст Ренуар (1841- 1919), Альфред Сислей (1839- 1899), Эдгард Дега (1834- 1917) традиционно относятся к импрессионистам.

Как и барбизонцы импрессионисты писали природу, кроме того, они стали первыми изображать динамичную городскую жизнь. Барбизонцы писали свои картины в мастерской, импрессионисты же вышли на открытый воздух, « на пленэр». Они заметили, что один и тот же пейзаж меняется при разном освещении в солнечную и пасмурную погоду, при восходе и закате солнца. Они попытались сохранить в картине свежесть непосредственного впечатления. Свои картины они писали быстро, отказывались от смешанных цветов и использовали чистые яркие краски, нанося их отдельными мазками.

Так родилось новое художественное направление. На его возникновение оказали влияние не только достижения предшествовавших европейских художников, но и изобретение фотографии, знакомство с восточным искусством.

Импрессионизм был не просто очередным направлением в живописи, он нашел свое развитие в скульптуре, музыке и литературе. Импрессионизм стал переворотом в восприятии мира: была обнаружена и открыто продемонстрирована субъективность восприятия человека. Импрессионисты открывают относительность человеческого восприятия, его субъективность. Уникальнейшим образом искусство обнаруживает свою способность предугадывать и выражать веяние времени и изменения сознания общества.

За 12 лет импрессионисты организовали восемь выставок. Сельский и городской пейзаж, портрет, бытовые сцены - во всех живописных жанрах они совершили подлинные художественные открытия. Произведения импрессионистов составили новаторское художественное направление, художники впитывали лучшие достижения друг друга.

В конце XIX столетия четыре французских художника: Поль Сезанн (1839- 1906), Винсент Ван Гог (1853- 1890), Поль Гоген (1848- 1903) и Анри де Тулуз-Лотрек (1864- 1901), формально не объединяясь в группу, составили однако новое направление- постимпрессионизм. Постимпрессионисты близки к импрессионистам. Разочаровавшись в современном им обществе художники обратились к изображению природы, но стремились уже не запечатлеть мгновенные состояния, как это делали импрессионисты, а познать истинную сущность вещей, скрытую под их внешностью. В натюрмортах и портретах Сезанн искал устойчивые геометрические формы. Гоген изображал идеализированную его воображением жизнь туземцев Таити, жизнь, не тронутую цивилизацией, передавая экзотическую природу в фантастических цветосочетаниях. В афишах и литографиях Тулуз-Лотрека перед нами предстает жизнь парижской богемы. Творчество постимпрессионистов послужило отправной точкой для поисков искусства XX века. Фовизм, кубизм, экспрессионизм берут свое начало в творчестве импрессионистов.

В живописи и графике символизм и модернизм проявились в творчестве целой группы европейских художников. Культурология. ХIХ век. СПб., 19973.5 Музыка

В музыке XIX века проявилось существование множества направлений: от романтизма до импрессионизма.

Франц Шуберт (1797- 1828) прожил недолгую жизнь, широчайшую известность он приобрел уже после смерти. Многие годы Шуберт прожил в Вене, так и не найдя в столице Австрии широкого признания. Вокруг Шуберта сложился круг друзей, поддерживавших его и высоко ценивших его замечательные песни и баллады. Всю краткую жизнь композитора заполнило творчество и общение с близкими ему по духу людьми. Основой своего творчества Шуберт сделал песню, он расширил круг ее образов и настроений, насытил поэтическим содержанием. Песенные циклы « Прекрасная мельничиха», «Зимний путь» глубоко и взволнованно передают душевное состояние: надежды, мечту, любовь. Обращение к песне и балладе - это черта именно музыкального романтизма.

Роберт Шумана (1810- 1856) много объединяло с Генрихом Гейне. Любимым инструментом Шумана было фортепиано, для которого он написал свои лучшие сочинения. Шуман создал новый жанр - программный цикл фортепьянных миниатюр. Его сочинениям присущ романтический порыв и странность. В наследии Шумана также симфонии, хоровые произведения и вокальные опусы. Для текстов своих произведений Шуман выбирал лучшие творения лучших поэтов-романтиков своего времени. Такие темы, как одиночество, трагическая любовь, скорбь и ирония становятся выражение романтического строя чувств

Рихард Вагнер (1813-1883) был не только гениальным композитором, но и талантливым драматургом, он сам создавал либретто для своих опер. Вагнер считал, что в опере литературный текст и музыка должны составлять неразрывное целое, музыкальную драму. Содержанием опер Вагнера стали легенды Средневековья (к ним же часто обращались и литераторы-романтики). Сам образ композитора был символом романтического бунтарства.

В конце XIX века возникают необычные художественные течения в искусстве в целом, появляются они и в музыке. Многие композиторы искали новые средства художественного выражения. Обычно новые направления возникли сначала в литературе или изобразительном искусстве и затем уже преломлялись в музыке. Именно так произошло с импрессионизмом.

Первым представителем этого направления в музыкальном искусстве стал Клод Дебюсси (1862-1918). Огромное влияние на композитора оказали как художники-импрессионисты, так и поэты-символисты. Музыка Дебюсси связана как с поэзией, так и с живописью. Дебюсси создал оригинальный музыкальный стиль, которому свойственно особая поэтичность, взволнованность и уточненность. Звуковые образы Дебюсси рождают в воображении ароматы и краски, в его музыку входят настроения и чувства, рожденные впечатлениями, как это было у художников-импрессионистов. Культурология / Под ред. Г.В. Драча. - Ростов н/Д., 1996Заключение

Европейская культура XIX века является отражением тех противоречивых начал, которые являет собой развитое буржуазное общество, но, тем не менее, она не имеет себе равных по глубине проникновения в бытие и духовный мир человека по творческому напряжению в науке, литературе, философии и искусстве.

Культура XIX века подготовила почву, на которой формировалась новая культура новой эпохи - эпохи информационно-индустриального общества XX века. На рубеже XIX-XX веков в культуре Европы и Америки все ярче проявляются кризисные черты, одним из проявлений этого кризиса стало быстрое формирование такого своеобразного явления, как массовая культура. В немалой степени ее появлению способствовали технические достижения рубежа веков - фотография, звуковые носители, и, несомненно, кинематограф. Завершающей точкой развития культуры эпохи XIX века можно считать первую мировую войну, которая окончательно разрушила надежды, порожденные Просвещением, на построение царства разума и справедливости на Земле.Литература

1. Культурология. ХIХ век. СПб., 1997

2. Качановский В.В. История культуры Западной Европы. - Мн.,2002.

3. Культурология / Под ред. Г.В. Драча. - Ростов н/Д., 1996.

4. Дмитриева А.А. Краткая история искусств. Вып.2. - М., 2005.

5. Гуревич П.С. Философия культуры. - М., 1994

bukvasha.ru

Искусство западной Европы XIX века — реферат

В 

В 

Министерство образования и науки Российской Федерации

Новосибирский Государственный Университет  Экономики и Управления «НИНХ»

Кафедра экономики труда и управления персоналом

В 

Тема реферата: Искусство западной Европы XIX века

В 

В 

В 

В 

В 

В 

В 

                                                               Факультет: институт менеджмента

                                   Группа: -----------                                                          Студент: --------------------                                                                      Преподаватель : --------------------

В 

В 

В 

В 

В 

В 

В 

РќРѕРІРѕСЃРёР±РёСЂСЃРє 2013

В В В В В В В В В В В В В В В В В В В В В В В В В В В В В В В В В В В В В В 

В В В В В В В В В В В В В В В В В В В В В В В В В В В В В В В В В В В В 

  СОДЕРЖАНИЕ

В 

1. Введение

2. Социально-экономические процессы и система ценностей

3. Классицизм, романтизм, реализм в изобразительном искусстве и литературе

4.Отражение процесса отчуждения личности в западноевропейском искусстве XIX века

5. Заключение

6. Список использованной литературы

В 

                                    ВВЕДЕНИЕ

В 

Культура XIX в. является культурой сложившихся буржуазных отношений. К концу XVIII в. капитализм как система полностью сформировался. Он охватил все отрасли материального производства, что повлекло соответствующие преобразования в непроизводственной сфере (политике, науке, философии, искусстве, образовании, быту, общественном сознании).

Для культуры этого периода характерно отражение внутренних противоречий буржуазного общества. Столкновение противоположных тенденций, борьба основных классов -- буржуазии и пролетариата, поляризация общества, стремительный взлет материальной культуры и начавшееся отчуждение личности определили характер духовной культуры того времени.

В XIX в. происходит коренной переворот, связанный с появлением машины, которая отдаляет человека от природы, ломая привычные представления о его главенствующей роли, и превращает человека в зависимое от машины существо. В условиях интенсифицирующейся механизации человек уходит на периферию духовной жизни, отрывается от духовных основ. Место ремесленного труда, связанного с личностью и творчеством мастера, занял монотонный труд.

В 

Социально-экономические процессы и система ценностей

В 

Важным и необходимым этапом в утверждении капиталистического способа производства в Европе была промышленная революция, начавшаяся в 30 -- 40 гг. XVIII вв. Англии, а в конце XVIII -- начале XIX вв. -- во Франции. В последующие десятилетия промышленная революция охватила и другие европейские страны.

Промышленная революция была тесно связана с развитием науки.

Она опиралась на успешное развитие прикладных, точных и естественных наук и в свою очередь стимулировала новые крупные сдвиги в научных знаниях.

XIX в. - это расцвет классического естествознания, создания единой системы наук. В то же время связь естествознания с производством становилась теснее. Появились первые научные исследовательские лаборатории, работавшие на промышленность. Новые и новые научные открытия в различных областях естествознания все больше воздействовали на развитие ведущих отраслей промышленности: металлургии, энергетики, машиностроения, приборостроения, транспорта, химической промышленности.

Простой практический опыт все больше дополнялся теоретическим осмыслением производственных процессов и точным инженерным расчетом. Так, результаты изучения природы электричества явились теоретической основой развития электротехники, сделав возможным применение электроэнергии в системах связи, приводных устройствах рабочих машин, во многих технологических процессах различных предприятий, в создании ламп накаливания для освещения помещений и улиц.

Создание паровоза, двигателя внутреннего сгорания, телефона, радио, кино и много другого составило переворот в науке и технике и имело громадное историческое значение,

Великие сдвиги, происходившие в XIX вв. развитии науки и техники, оказали огромное влияние на развитие литературы и искусства всех стран и народов европейского континента.

Сложный механизм промышленно развитой системы требует для поддержания не только соответствующей социальной структуры, разделяемой прежде всего на различные категории, но и приоритета ценностей, присущих буржуазному индустриальному обществу, таких как:

• достижение Рё успех,
• частная собственность,
• индивидуализм,
• право,
• активность Рё труд,
• потребительство,
• универсализм,
• вера РІ прогресс,
• уважение Рє науке Рё технологии.

Эти ценности активно утверждаются всей системой духовного воздействия на массы населения.

Эпоха становления капитализма -- это и новая эпоха в развитии европейской художественной культуры. Именно в эту эпоху сформировались классицизм, романтизм, критический реализм и импрессионизм.

Классицизм, романтизм, реализм в изобразительном искусстве и литературе

В 

Рассмотрим сущность и содержание этих важнейших направлений в развитии европейской культуры.

КЛАССИЦИЗМ (от лат. classicus -- образцовый) начал складываться еще в XVIII в., главным образом во французской культуре и отражал идеи французского абсолютизма. В XVIII в. классицизм был связан с буржуазным просвещением и выражал буржуазно-революционные устремления общества. Стиль классицизма, основывающийся на идеях рационализма, стремился к выражению возвышенных, героических и нравственных идеалов, к созданию ясных, органичных образов. Вместе с тем классицизму были присущи черты утопизма, идеализации, отвлеченности, академизма, нараставшие в период его кризиса.

Представители классицизма в немецкой литературе -- И.В.Гете и И.Ф.Шиллер.

Иоганн Вольфганг Гете (1749--1832) -- основоположник немецкой литературы, иностранный почетный член Петербургской Академии наук, начал свою литературную деятельность с бунтарства (участие в направлении "Буря и натиск"), сентиментального романтизма ("Страдания молодого Вертера"), прошел через период так называемого веймарского классицизма и подошел к философскому осмыслению жизненных проблем в трагедии "Фауст".

Иоганн Фридрих Шиллер (1759--1815) -- поэт, драматург, автор трагедий "Дон Карлос", "Мария Стюарт", драмы "Вильгельм Телль" и др.

Гениальным испанским живописцем и гравером был Франциска Гойя (1746 -11826). Его искусство отличалось смелым новаторством, страстной эмоциональностью, фантазией и социально направленным гротеском. Гойя создал замечательные гравюрные произведения, избрав технику офорта. Бессмертным созданием великого испанца стали офорты "Каприччос" (80 листов), работа над которыми заняла пять лет. В них острая социальная сатира, позиция художника направлена против бесправия, суеверия, невежества, тупости. В них обвинение церкви, дворянству, властителям.

Классицизм представлен и в творчестве русских художников ФА. Бруни "Смерть Камилы, сестры Горация" (1824), В.К. Шебуева "Подвиг купца Иголкина" (1839), а также в некоторых работах Карла Брюллова (1799 - 1852).

В скульптуре представителями классицизма были немец И.Г. Шадов (1764 -1850), которому был близок просветительский классицизм; итальянец А. Канова (1757 - 1822), создавший надгробие папы Климента III и мифологическую статую "Амур и Психея", датчанин Б. Торвальдсен (1768 - 1844), произведениям которого свойственна пластическая завершенность, холодная сдержанность и идеализация образов (например, скульптура "Янсон").

Для классического театрального искусства (Т. Дюпарк, М. Шанмеле, А. Лекен, Ф.Ж. Тальма, Э. Рошаль - во Франции; К. Нейбер - в Германии) были характерны торжественный, статичный строй спектаклей, размеренное чтение стихов.

К середине XIX в. классицизм переродился в буржуазный академизм и утратил свое значение.

РОМАНТИЗМ (франц. romantisme, от ср.-век. romant -- роман) -- идейно-художественное направление, развившееся во всех странах Европы и в Северной Америке. Получил отражение в различных областях науки, литературы и искусства.

В Германии романтизм сложился на рубеже XVIII -- XIX вв. и получил наибольшее развитие в первой четверти XIX в. Во Франции, где были сильны традиции классицизма, формирование романтизма, особенно в театральном искусстве, длилось дольше. Романтизм был порожден неудовлетворенностью широких общественных кругов результатами буржуазной революции, протестом против национального порабощения, политической реакции. Для представителей романтизма характерно разочарование в учении просветителей XVIII в. Романтизм противопоставил утилитаризму и нивелированию личности устремленность к безграничной свободе, жажду совершенства и обновления, пафос личной и гражданской независимости. Представители романтического движения проявляли значительный интерес к национальному прошлому (нередко идеализировали его), традициям фольклора и культуры своего и других народов, стремились создать универсальную картину мира (прежде всего в области истории и литературы). Своего расцвета романтизм достиг в 20 - 30- е годы XIX в.

Истинной родиной романтизма была Германия. Немецкий романтизм выдвинул таких выдающихся писателей, как Жан Поль (1763 - 1825), Генрих фон Клейст (1777 - 1811). Вершин романтизма достиг Эрнст Теодор Амадей Гофман (1776 - 1822). Его произведениям присущи драматизм и сарказм, лирика и гротеск (например, "Эликсир дьявола"). Он критически воспринимал реальности бытия (повесть "Золотой горшок", сказки "Крошка Цехес", "Повелитель блох"). Гофман - один из основоположников немецкой романтической музыкальной эстетики и критики, автор одной из первых романтических опер "Ундина". Поэтические образы Гофмана вдохновили композиторов - Р.Шумана (балет "Крейслериана"), Ж.Оффенбаха ("Сказки Гофмана"), П.И.Чайковского (балет "Щелкунчик").

В Англии огромным было воздействие лирического романтизма Джорджа Ноэля Гордона Байрона (1788 -- 1824). Его поэма "Паломничество Чайльд Гарольда" вывела в жизнь романтического бунтаря-индивидуалиста, типичного разочарованного героя посленаполеоновской поры. Активный гуманизм и пророческие предвидения сделали Байрона властителем дум тогдашней Европы.

Английский романтизм представляют также Дж. Китс и Б. Шелли. Дж. Китс (1795 - 1821) - автор патриархально-утопической идиллии "Эндимион", в которой выражен протест против пуританского ханжества. В одах "Огонь", "Психея" поэт воспел культ красоты и гармонии в природе. Он автор символико-аллегорической поэмы "Гиперион".

Перси Бишу Шелли (1792 - 1822) - автор аллегорической поэмы "Королева Маб", разоблачающей порочность современного ему общества. В поэме "Восстание Ислама" Шелли оправдывает насильственное свержение деспотии. В трагедии "Ченчи" и в лирической поэме "Освобожденный Прометей" он дал философское осмысление проблем свободы и тирании. Но с уходом из жизни этих поэтов английское романтическое движение начало затухать.

Романтическое направление проявлялось и в прозе, в частности, в исторических романах М.Н. Загоскина (1789 - 1852) "Юрий Милославский, или Русские в 1612 году", "Рославлев, или Русские в 1812 году", "Аскольдова могила".

Романтическое направление в музыке оказалось на редкость богатым и выдающимися дарованиями. Это немецкий композитор, музыкальный критик, выразитель эстетики романтизма Роберт Шуман (1810-- 1856). Он создатель программных фортепьянных циклов ("Бабочки", "Карнавал", "Фантастические пьесы", "Крейслериана"), лирико-драма-тических вокальных циклов, оперы "Геновена", оратории "Рай и Пери" и многих других произведений. Представителем романтизма был французский композитор и дирижер Гектор Берлиоз (1803--1869). Ему принадлежат "Фантастическая симфония", "Траурно-триумфальная симфония", опера-дилогия "Троянцы", Реквием. Романтическое направление представлено и в творчестве немецкого композитора, дирижера, музыкального писателя, реформатора оперного искусства Рихарда Вагнера (1813--1883). Знамениты и широко известны его оперы: "Риенци", "Летучий голландец", "Тангейзер", "Лоэнгрин", "Тристан и Изольда" и многие другие музыкальные произведения.

Идеи романтизма нашли отражение и в творчестве венгерского композитора, пианиста, дирижера Ференца Листа (1811 --1886). Им созданы оратория "Фауст-симфония", 13 программных симфонических поэм, 19 рапсодий, этюдов, вальсов и около 70 других музыкальных произведений. Представителем романтического направления был польский композитор и пианист Фридерик Шопен (1810--1849). Им написаны 2 концерта, 3 сонаты, 4 баллады, скерцо, ряд экспромтов, ноктюрнов, этюдов и песен.

Эти композиторы -- гордость не только европейской, но и мировой культуры.

Романтические тенденции заявляют о себе и в живописи. Начало романтизма во французской живописи связано с творчеством Теодора Жерико (1791 - 1824). Одна из его главных работ - полотно "Плот "Медузы". Замечательнейшее явление романтизма - живопись Эжена Делакруа (1798 - 1863), часто писавшего полотна на мотивы поэзии Байрона и создавшего ряд исторических композиций. Так, в разгар революционных событий 1830 г. он пишет шедевр - картину, воплотившую бунтарский пафос, характерный для романтизма, которую назвал "Свобода, ведущая народ".

referat911.ru

Искусство Западной Европы второй половины XIX в.

ФЕДЕРАЛЬНОЕ АГЕНТСТВО ПО ОБРАЗОВАНИЮ

Реферат

ИСКУССТВО ЗАПАДНОЙ ЕВРОПЫ ВТОРОЙ ПОЛОВИНЫ XIX В

РњРћРЎРљР’Рђ 2009 Рі.

Содержание

Введение

1. Реализм

2. Импрессионизм

3. Постимпрессионизм

Заключение

Литература

Введение

Середина и вторая половина XIX в. ознаменованы нарастанием социальной борьбы во Франции и многообразием художественных проявлений. В этот период дается теоретическое обоснование реализма, получившего воплощение в живописи, графике и несколько позже в скульптуре.

В 1870-1890 гг. во Франции яркий расцвет переживает новое художественное направление - импрессионизм (Э.Мане, К. Моне, О.Ренуар, Э.Дега и др.).

Наиболее значительными художниками-постимпрессионистами были П.Сезанн, П.Гоген, В.Ван Гог и др. Усвоив достижения импрессионистов, они глубже раскрыли гармонию, красоту и внутреннюю сущность явлений.

Менее плодотворным оказалось это время для развития архитектуры. К середине столетия основной проблемой европейского зодчества стали поиски стиля. Ордерная система позднего классицизма не подходила для повсеместно развернувшегося бурного строительства заводов, фабрик, мостов, банков и других учреждений. Романтическое увлечение стариной возвращало к традициям архитектуры прошлого - так возникли неоготика, неоренессанс, необарокко и др. Подобные усилия нередко приводили к эклектизму - соединению элементов разных стилей в одном произведении. Однако широкий размах строительства не создал благоприятных условий для развития архитектуры как вида искусства.

Ведущее место в искусстве второй половины XIX в. занимала Франция. Лучшие художники боролись с рутиной академического искусства, открывали новые пути в живописи.

1. Реализм

Критический реализм, существовавший в искусстве европейских стран и США, был ориентирован на изображение жизни обездоленных слоев общества, противопоставленных богатым, сочувствие неблагополучной судьбе бедных. Пролетарская идеология выдвинула нового героя - трудового человека, его жизнь стала основной темой в живописи и графике.

В реалистическом искусстве отражены волнующие весь мир национально-освободительные идеи, интерес к которым был проявлен еще романтиками во главе с Делакруа. Реализм, пришедший на смену романтизму, часто рассматривается как оппозиция этому стилю, хотя отношения между ними более сложные, поскольку романтизм в какой-то степени тоже был реалистичен, так как ставил своей целью в искусстве создать новую, прекрасную, хотя и идеалистическую реальность.

Революция 1848г. развеяла романтические иллюзии французской интеллигенции и в этом смысле явилась очень важным этапом в истории культуры не только Франции, но и всей Европы. Искусство стало шире использоваться как средство агитации и пропаганды. Отсюда развитие станковой и иллюстративно-журнальной графики в качестве основного элемента сатирической печати. Художники активно втягивались в бурный ход общественной жизни.

Исторические события, происходившие во Франции, начиная с революции 1830г. и кончая франко-прусской войной и Парижской Коммуной 1871 г., нашли отражение в графике одного из крупнейших французских художников Оноре Домье (1808 - 1879). Славу ему принесла литография «Гаргантюа» (1831) - карикатура на Луи Филиппа, изображенного заглатывающим золото и «отдающим» взамен ордена и чины. Уже в этом графическом листе художник, преодолевая перегруженность композиции и повествовательность, тяготеет к монументальной, объемно-пластической форме, прибегает к деформации в поисках наибольшей выразительности лица или предмета.

Домье осмысливает каждодневные события политической борьбы сатирически, умело пользуясь языком иносказаний и метафор. Социальные типы и характеры показаны им в таких сериях, как «Парижские впечатления», «Парижские типы», «Супружеские нравы» (1838-1843). Художник делает иллюстрации к «Физиологии рантье» Бальзака - писателя, высоко его ценившего. В 1840-е годы Домье работает над сериями «Прекрасные дни жизни», «Синие чулки», «Представители правосудия», высмеивает фальшь академического искусства в пародии на античные мифы («Древняя история»). Он выступает не только страстным борцом против пошлости, ханжества, лицемерия, но и тонким психологом. Комическое у него никогда не бывает дешевым, поверхностным зубоскальством, оно отмечено печатью личной боли за несовершенство мира и человеческой природы.

Живопись Домье, как справедливо указывают все исследователи его творчества, полна печальной суровости и невысказанной горечи. Предметом изображения становится мир простых людей: прачек, водоносов, кузнецов, бедных горожан, городской толпы. Точно найденные жесты и повороты фигуры, выразительность силуэта - средства, которыми Домье создает монументальность образа, подчеркивает его величие («Прачка»). Вместе с тем благодаря умению схватывать самое характерное он смог придать обобщенным образам большую жизненность.

В композициях художник часто прибегает к фрагментарности. Это позволяет ощущать изображенное на картине как часть действия, происходящего за ее пределами («Восстание», «Семья на баррикаде», «Вагон III класса»). Заметим, что размеры живописных полотен Домье всегда небольшие, ведь большая картина тогда связывалась обычно с аллегорическим или историческим сюжетом. Домье был первым, чьи живописные произведения на современные темы зазвучали как произведения монументальные - не по размеру, а по значительности.

Во время франко-прусской войны Домье выпускает литографии, впоследствии вошедшие в альбом под названием «Осада», в которых с горечью и болью рассказывает о народных бедствиях в образах поистине трагических. Эти произведения были как бы духовным завещанием художника.

Во французской живописи реализм сначала проявился в пейзаже, на первый взгляд наиболее отдаленном от общественных бурь и тенденциозной направленности жанре. Реализм в пейзаже начинается с барбизонской школы, получившей такое название по имени деревушки Барбизон недалеко от Парижа. Это была группа молодых живописцев (Т. Руссо, Д. Пенья, Ж. Дюпре, К. Тройон, Ш. Добиньи), которые приехали в Барбизон писать этюды с натуры. Картины они завершали в мастерской на основе этюдов, поэтому живое ощущение натуры сочетается в их живописи с законченностью и обобщенностью композиции и колорита. Всех барбизонцев объединяло желание внимательно изучать природу и правдиво ее изображать, однако это не мешало каждому из них сохранять свою творческую индивидуальность.

Теодор Руссо (1812-1867) глубоко любил природу и протестовал против варварского вмешательства в нее человека. В его изображении деревьев, лугов, равнин мы видим вещественность мира, материальность, объемность («Дубы», 1852). С большой точностью художник передавал строение и породу каждого дерева, характер листвы. Руссо тщательно продумывал композицию картин, умел подчеркнуть деталь, давал представление о масштабности деревьев, изображая около них фигуры животных.

Одной из наиболее типичных по композиции картин Руссо является «Лес Фонтебло» (1848-1850), где купы деревьев размещены по обе стороны холста, оставляя посередине просвет. Часто художник изображал раскидистые деревья в центре картины, чтобы подчеркнуть их величие и мощь («Пейзаж с крестьянкой», ок. 1850). При этом свет и цвет в его картинах академически условны.

В Барбизоне работал одно время Жан Франсуа Милле (1814-1875). Крестьянский мир - основной сюжет его картин. Художник создал обобщенный монументальный образ труженика земли («Веятель», 1848; «Сеятель», 1850; и др.). Он показал сельский труд как естественное состояние человека, как форму его бытия. В труде проявляется связь человека с природой, которая облагораживает его. Этой идеей пронизаны картины луврского собрания («Сборщицы колосьев», 1857; «Анжелюс», 1859). Для почерка Милле характерен предельный лаконизм: художник отбирает главное, позволяющее передать общечеловеческий смысл в самых простых, обыденных картинах повседневной жизни. Среди его произведений есть один образ - «Человек с мотыгой» (1863), в котором художник, выразив предельную усталость, измождение, измученность тяжелым физическим трудом, все же сумел показать огромные дремлющие силы труженика-исполина. Художник так писал об этой картине: «Это хлеб в поте лица, это крик земли, я знаю это по себе. <...> Но именно в этом я и нахожу подлинную человечность и большую поэзию». Правдивое и честное искусство Милле, прославляющее человека труда, проложило пути для дальнейшего развития этой темы в живописи второй половины XIX -XX в.

Одним из самых тонких мастеров французского пейзажа середины XIX в. был Камиль Коро (1796- 1875). Он создал интимный пейзаж - «пейзаж настроения» («Воз сена», «Колокольня в Аржантее»). Коро много ездил по Франции. Он был значительно старше барбизонцев, но поселился не в Барбизоне, а в маленьком городке Виль д'Аврэ под Парижем. Здесь Коро нашел постоянный источник вдохновения, написал свои лучшие пейзажи, которые часто населял нимфами или другими мифологическими существами, и лучшие портреты. В творчестве Коро следовал непосредственному впечатлению и всегда оставался предельно искренним («Мост в Манте», «Башня ратуши в Дуэ»). Человек в пейзажах Коро органично входит в мир природы. Это не стаффаж классического пейзажа, а делающие свою извечную работу люди: женщины, собирающие хворост; возвращающиеся с поля крестьяне («Семья жнеца»). В пейзажах Коро редко встретишь борьбу стихий, ночной мрак, что так любили романтики. Он изображает предрассветную пору или грустные сумерки, предметы в его полотнах окутаны густой мглой или легкой дымкой, прозрачные лессировки обволакивают формы, усиливают серебристую воздушность.

Изображение всегда пронизано личным отношением художника, его настроением. Гамма цветов Коро как будто не богата. Это градации серебристо-жемчужных и лазурно-перламутровых тонов, но из этих соотношений близких по тону красочных пятен художник умеет создать неповторимую гармонию. Манера Коро размашистая, свободная, «трепетная». Именно размашистая манера Коро вызывала резкие нападки официальной критики. Свободе письма художник учился у английских живописцев, прежде всего у Констебла, с пейзажами которого познакомился еще на выставке 1824 г.

Наряду с пейзажами Коро написал много портретов. Он не был прямым предшественником импрессионизма. Однако способ Коро передавать световую среду, его отношение к непосредственному впечатлению от природы и человека имели большое значение для утверждения живописи импрессионистов и во многом созвучны их искусству.

Критический реализм как новое мощное художественное направление активно утверждал себя и в жанровой живописи. Исследование общественных противоречий было свойственно Г. Курбе, Ж. Ф. Милле и другим художникам Франции.

Реализму в творчестве Гюстава Курбе (1819- 1877) были присущи некоторые черты романтизма. Простые жанровые сцены художник умел трактовать как возвышенно-исторические, и незатейливая провинциальная жизнь получила под его кистью романтическую окраску. В картине Курбе «Каменотесы» (1849-1850) нет социальной остроты, но есть сочувствие к доле бедняков. Само обращение к подобной теме было задачей социального плана.

Курбе стремился запечатлеть на своих полотнах обитателей родных мест. Он родился близ города Орнана и на своем самом знаменитом полотне «Похороны в Орнане» изобразил местное общество во главе с мэром. Художник смог передать типическое через индивидуальное, создал целую галерею провинциальных характеров. Колористическая гармония, неудержимая энергия, мощный пластический ритм ставят «Похороны в Орнане» в ряд с лучшими произведениями классического европейского искусства.

Между тем изображение художником ничтожества людских страстей на такой церемонии, как похороны, вызвало целую бурю негодования публики. Когда картина была выставлена в Салоне 1851 г., в ней увидели клевету на французское провинциальное общество, и с тех пор Курбе стали систематически отвергать официальные жюри Салонов. Художника обвиняли в «прославлении безобразного».

Главным средством выражения у Курбе был цвет. Его гамма очень строга, почти монохромна, построена на богатстве полутонов. Утолщая и уплотняя красочный слой, для чего часто Курбе заменял кисть шпателем, он добивался интенсивности и глубины тона. Художник достигал прозрачности света в полутонах не так, как обычно это делали лессировками, а при помощи наложения плотных слоев краски одного рядом с другим в определенной последовательности. Каждый тон приобретал свой свет, их синтез сообщал поэтичность любому изображенному Курбе предмету.

Курбе создал несколько программных произведений, посвященных проблеме места художника в обществе. В картине «Ателье» (1855) он показал себя в мастерской, работающим над пейзажем, рядом в центре композиции поставил обнаженную модель, наполнил интерьер любопытствующей публикой, изобразив среди почитателей и праздных зрителей своих друзей.

Хотя картина полна наивной самовлюбленности, она одна из удачнейших у Курбе в живописном отношении. Единство цвета строится на коричневом тоне, в который вводятся голубые и нежно-розовые тона задней стены, розовые оттенки платья натурщицы, небрежно брошенного на переднем плане, множество других оттенков, близких к основному коричневому тону.

Программной является и другая картина - «Встреча» (1854), более известная под названием, данным ей в насмешку, «Здравствуйте, господин Курбе». На ней изображен сам художник с этюдником за плечами и посохом в руке, повстречавший на проселочной дороге коллекционера Брюйа и его слугу. Знаменательно, что не Курбе, некогда принимавший помощь богатого мецената, а меценат снимает шляпу перед художником, идущим свободно и уверенно, с высоко поднятой головой. Идея картины - художник идет своей дорогой, он сам выбирает свой путь - была понята всеми, но встречена по-разному и вызвала неоднозначную реакцию.

Реалистическая живопись Курбе во многом определила дальнейшие этапы развития европейского искусства.

2. Импрессионизм

Живопись. В 1874г. в одном из парижских Салонов открылась выставка тогда еще совсем неизвестных художников. Среди них были Клод Моне, Пьер Огюст Ренуар, Камиль Писсарро, Альфред Сислей, Поль Сезанн и др. К этой группе художников были близки Эдуард Мане и Эдгар Дега.

Одна из картин К.Моне называлась «Впечатление. Восход солнца». На ней изображена гавань ранним утром, окутанная розовым туманом, сквозь который проступают солнце и неясный силуэт лодки. Переливы красок создают ощущение торжественности момента.

После этой выставки кто-то из журналистов презрительно отозвался о ее участниках как об «импрессионистах», потому что их картины якобы фиксировали лишь первое впечатление от увиденного (от фр. impression - впечатление). Художникам это слово понравилось, и они стали называть себя импрессионистами. Так возникло название нового направления в искусстве.

Художники-импрессионисты совершили величайший переворот в живописи. Они работали, не согласуясь с правилами и принципами академической школы. В отличие от академистов, создававших произведения на библейские, исторические и мифологические мотивы, импрессионисты стремились отобразить реальную жизнь, показать бытовые сценки. Они вышли писать свои полотна на пленэр, т.е. на открытый воздух. Эти художники применяли преимущественно яркие краски, при этом основное внимание уделяли игре цветовых оттенков, а не четкой прорисовке фигур и деталей. Импрессионистов отличает живое видение натуры. Как известно, один и тот же предмет может вызвать различные впечатления в зависимости от освещения, времени года, погоды и даже настроения. Для импрессионистов были важны передача ускользающих мгновений, выделение случайных деталей, постоянное открытие нового.

Художники стремились уловить на картинах короткие мгновения бытия, подобно фотографам. К. Моне, например, удалось передать эффект движущегося поезда даже раньше изобретения кинокамеры. Они выхватывали из повседневной жизни сюжеты своих произведений, поэтому композиции часто строили фрагментарно, изображения были перерезаны краями полотна, фигуры показывали в сложных ракурсах. Асимметричные, динамичные и неуравновешенные композиции создавали впечатление случайности, но на самом деле были тщательно продуманны. Острота образов усиливалась специальными приемами наложения краски.

Признанным лидером среди художников-импрессионистов был Клод Моне (1840- 1926). Уже в ранней работе «Дама в саду» он использовал чистые, сверкающие краски. Природа у К. Моне не величественна, а естественна. «Как много надо работать, чтобы передать то, что я хочу уловить!» - говорил художник.

К. Моне некоторые мотивы писал много раз при различном освещении (Руанский собор, стога, вокзал Сен-Лазар, лондонские туманы). На каждом полотне он открывает новые стороны натуры. Передать красоту одного объекта в различное время суток, при различном освещении - эта задача очень привлекала К. Моне.

Одно из лучших произведений К. Моне - знаменитый «Бульвар Капуцинок в Париже» (1873, хранится в ГМИИ им. А. С. Пушкина). Выбрав точку зрения сверху, художник изобразил уходящую по диагонали перспективу бульвара, поток экипажей и движение толпы. Такая точка зрения позволяет К. Моне отказаться от первого плана. Он передает впечатление от уезжающих экипажей и едва заметно вибрирующего воздуха. Фигурки уходящих вдаль прохожих едва намечены белыми мазками. Фасады домов на противоположной стороне бульвара наполовину скрыты ветвями платанов. Все растворяется в сияющем солнечном освещении, контрастирующем с голубовато-лиловой тенью от домов, лежащей на уличной мостовой.

К. Моне разрушает представление о плоскости холста, создавая иллюзию пространства и наполняя его светом, воздухом и движением. Взгляд зрителя устремляется в бесконечность, и нет предельной точки, где бы он мог остановиться.

Солнечную сторону К. Моне делает оранжевой, золотисто-теплой, теневую - фиолетовой, а единая свето-воздушная дымка придает всему пейзажу тональную гармонию. Контуры домов и деревьев постепенно вырисовываются в воздухе, пронизанном солнечными лучами.

В красочном мареве тонут архитектурные детали зданий, тают контуры экипажей, растворяются ветки деревьев, а глубина пространства теряется в движении светящегося воздуха. Все это заполняет картину таким образом, что глаз зрителя теряет грань между близкими освещенными стенами и дальним голубым сумраком, скрывающим продолжение улицы.

Искусствовед К. Г. Богемская отмечает: «Когда говорят, что импрессионисты умели запечатлевать момент безостановочного движения жизни, то подтверждением этому может быть названа картина «Бульвар Капуцинок в Париже».

Новым в искусстве импрессионизма стали техника мазка, передача впечатления от света и цвета натуры. Художники наносили на полотно чистые краски, не смешивая их на палитре, поэтому картины поражали своей мно-гоцветностью и при разглядывании издали как бы оживали. Например, при ближайшем рассмотрении «Белых кувшинок» (1899) К. Моне хорошо видно, что они написаны густо-розовыми, голубыми и даже терракотовыми оттенками. Яркие краски передают не только белизну кувшинок, но и, как кажется, даже их запах. Зритель сам словно присутствует среди них. Этот эффект - величайшее достижение искусства импрессионизма.

Эдуарда Мане (1832- 1883) также причисляют к импрессионистам, хотя он категорически отказывался принимать участие в их выставках. В истории французского и мирового искусства творчество Э. Мане занимает особое место, которое определяется как приверженностью художника к классическим традициям европейской культуры («Олимпия»; портреты, навеянные испанской живописью), так и новаторскими поисками в области пленэрной живописи («В лодке», «Берта Моризо» и др.).

Использование Э. Мане классических мотивов при изображении современной жизни вызвало бурю негодования зрителей, особенно оскорбила их мораль картина «Завтрак на траве», где художник расположил на лужайке сидящих рядом одетых мужчин и обнаженную женщину.

Картина Э. Мане «Олимпия», на которой современная женщина показана в позе Венеры, стала предметом яростных нападок критиков. Газеты называли ее нелепой пародией на тициановскую «Венеру Урбинскую». Современники никак не хотели согласиться с тем, что Э. Мане изобразил не античную красавицу, а французскую натурщицу. Большая, массивная фигура негритянки с букетом цветов оттеняет хрупкость и белизну обнаженной женщины.

Понадобилось много лет, чтобы «Завтрак на траве» и «Олимпия» заняли свое почетное место в музеях.

Э. Мане предвосхитил начинания импрессионистов в области поиска новых средств живописи. Показательна в этом отношении картина «Флейтист». На живописном сером фоне выделяется выразительный силуэт мальчика. Место действия не обозначено. Э. Мане пренебрегает обязательной для того времени перспективой, открытой еще в эпоху Возрождения.

В некоторых полотнах он параллельно с Дега использует завоевания кинематографа в передаче времени и пространства. Его картина «Бар в Фоли-Бержер» - сложное, развивающееся в пространстве и во времени действие. За спиной молодой красивой женщины у стойки бара - зеркало, в котором отражаются посетители: например, в правой части картины мы видим отражение дамы, слушающей какого-то господина. Молодая героиня картины погружена в задумчивое состояние. Сложная композиция картины позволяет зрителю домысливать сюжет.

Огюста Ренуара (1841 - 1919) считают импрессионистом, но его творчество не ограничивалось рамками этого направления. По технике живописи Ренуар действительно был близок К. Моне, однако его взгляды отличались от эстетики импрессионизма, и он никогда не причислял себя к импрессионистам, хотя в их выставках участвовал. Ренуар писал то, что ему было близко (танцующих модисток, завтракающих лодочников и т.п.), а в импрессионистический период - сцены из жизни парижских предместий, ресторанов и общественные балы («Мулен де ла Галет», «Качели», «Ложа» и др.). В этих, казалось бы, мимолетных впечатлениях художник увидел праздник быстротекущей жизни и сияющую радость ее счастливых мгновений.

Ранним портретам О. Ренуара было присуще общее качество: художник не изолировал модель от окружающего мира. Основываясь на своих впечатлениях, он делал тени голубыми, а лицо на солнце золотисто-розовым. Уже с самых первых своих работ О.Ренуар всегда рисовал только кистью, обращая особое внимание на светотональную моделировку формы («Девушка с веером», «Белокурая купальщица» и др.).

Для О. Ренуара было увлекательной задачей изобразить своих современников, особенно волновали художника женские образы - соблазнительное обаяние юных парижанок, жемчужная теплота обнаженного женского тела («Нагая женщина, сидящая на кушетке», 1876). Очаровательны портреты детей кисти Ренуара («Девочка с лейкой», 1876; «Портрет мадам Шарпантье с детьми», 1878).

В 1878 г. О. Ренуар написал портрет (в полный рост) «Жанны Самары» - актрисы парижского театра «Комеди франсез» - и несколько эскизов к этому портрету, которые можно рассматривать как самостоятельные произведения. Они были созданы в те счастливые минуты, когда художник, не ограниченный необходимостью угождать вкусам заказчика, работал вдохновенно, в полном согласии с собой.

На одном из лучших эскизов определяет настроение розовый фон, являющийся той общей средой, из которой постепенно возникают очертания фигуры. Цвет в картине как будто вибрирует. Белый холст, просвечивая через тонкий красочный слой, придает розовому цвету особую свето-носность. На этом фоне горят золотистые волосы Жанны Самари. Зрителя привлекают ее женственный мягкий взгляд, четко прорисованные губы, красивая рука с золотым браслетом, которой актриса слегка подпирает голову. Легкие мазки кисти художника намечают ее плечи. Жанна Самари изображена в естественной позе. Ее взгляд обращен к зрителю, однако в ее внутреннем состоянии есть и некоторая отрешенность: женственно-прекрасная и обаятельная, она - здесь, перед нами, и в то же время словно чуть-чуть отдалена от нас. Художнику удалось передать смену настроений своей героини.

Альфред Сислей (1839-1899) постоянно жил в окрестностях Парижа. Его завораживали покой и простор деревенского пейзажа, облака, плывущие по небу, зеркальный блеск воды. Он создавал чарующие изображения природы с легким оттенком грусти («Маленькая площадь в Аржантее», «Наводнение в Марли», «Мороз в Лувесьен-не», «Берег Сены у Буживаля», «Опушка леса в Фонтенбло» и др.). Сислей тщательно продумывал композицию своих работ, добиваясь монументальной выразительности скромных пейзажей. Он был сторонником светлого колорита, много работал на пленэре.

Эдгар Дега (1834-1917), прекрасно изучивший выразительные возможности жеста, любил рисовать танцовщиц («Танцевальный класс», «Танцовщица на сцене», «Танцовщицы на репетиции») и скачки («Скаковые лошади перед трибуной», «На скачках», «Жокеи перед скачками»). На полотне «Голубые танцовщицы», где три девушки готовясь к выходу на сцену, поправляют платья, все залито волшебным голубым светом, кажется, что сейчас зазвучит музыка. В целой серии картин хрупкие и невесомые фигурки балерин предстают перед зрителем то в полумраке танцевальных классов, то при свете софитов, то в краткие минуты отдыха. Они не позируют художнику, каждая из них занята своим делом. Возникает эффект присутствия, придающий картинам Э.Дега документальную убедительность.

В середине 1880-х годов художник начинает использовать пастель и создает свои знаменитые рисунки обнаженной натуры («После ванны»).

Дега считал, что следует изображать не столько красивое, сколько характерное. В отличие от большинства импрессионистов для Дега средством выражения была линия, а не мазок. Линией художник умел передавать характер движения, эмоциональное состояние модели.

Скульптура. Огюст Роден (1840-1917) прославился умением воплощать в скульптуре яркие эмоциональные состояния, внезапные порывы души. Есть много общего в скульптуре Родена и живописи Дега: та же мягкость светотени, та же незавершенность жеста.

В 1880 г. французское правительство поручило Родену создать портал для Музея декоративных искусств. Он начал работу над «Вратами Ада» - грандиозным скульптурным образом грехов человеческих, где соединились эпическое величие «Божественной комедии» Данте и безысходная тоска «Цветов зла» Бодлера. Огромный портал с двумя створками так и остался незаконченным.

Вся поверхность дверей была покрыта неровной массой, которая при ближайшем рассмотрении оказывалась скопищем человеческих тел. Над вратами склонились три Тени, беспомощные в борьбе со смертью. Под ними, подперев голову рукой, сидит Мыслитель. В целом же произведение перегружено и дробно по композиции, что позволило критике назвать его «воротами в никуда». Однако оно представляет несомненный интерес, напоминая о бронзовых рельефах дверей средневековых соборов, прежде всего «райских дверях» флорентийского баптистерия, которые поразили Родена в Италии. Знаменательно, что эскизы, выполненные в процессе работы над «Вратами Ада», вызвали к жизни много самостоятельных значительных произведений («Ева», «Поцелуй», «Вечная весна», «Мыслитель» и др.).

Статуя «Мыслителя» явилась олицетворением мучительного процесса поиска ответов на извечные вопросы о смысле бытия, стоящие перед человечеством. Мощный титан согнул свою спину от тяжелых раздумий. Лицо его печально. Чтобы почувствовать сложность настроений «Мыслителя», интересно рассмотреть различные ракурсы скульптуры. Справа движение согнутых рук и ног, резкая линия лба и носа, наклон спины делают фигуру предельно напряженной. Ее поза передает состояние мучительного интеллектуального усилия. Слева впечатление меняется: левая рука, безвольно опустившаяся на колено, указывает на усталость.

В 1884 г. Роден получил заказ от городского муниципалитета Кале на проект памятника в честь героя Столетней войны Эсташа де Сен-Пьера, пожертвовавшего собой во имя спасения осажденного города. Англичане пообещали сохранить жизнь горожанам, если шесть знатных граждан согласятся добровольно, в лохмотьях, босые, с веревками на шее пойти на казнь. Первым решился на это Эсташ де Сен-Пьер, за ним последовали другие герои. Памятник в их честь был закончен скульптором в 1886 г., но установлен лишь в 1895 г. «Граждане Кале» - это реалистическая монументальная Скульптура, в которой Роден воплотил образы людей, объединенных общей трагической судьбой. Скульптурная группа не имеет постамента, расположение фигур граждан на уровне земли как бы объединяет их с народом, что усиливает демократичность произведения.

Когда в 1878 г. Роден впервые экспонировал сначала в Брюсселе, а затем в Париже свою скульптуру «Бронзовый век», стремление выразить в статическом искусстве всю трепетность жизни, а также новаторский характер моделировки формы неровными кусками вызвали негодование общественности. С этого момента все выставляемые на суд публики произведения Родена стали поводом к полемике. Сурово были встречены «Мыслитель», «Ева», «Адам», «Блудный сын», «Мучение» и многие другие работы.

В течение своей долгой жизни Роден, восхищаясь молодостью и красотой влюбленных, много раз обращался к теме вечной весны, ускользающей любви, страданий, поцелуя. Например, композиция «Поцелуй» (1886) потрясает страстностью и силой чувства.

Постепенно в творчестве Родена все более нарастает тяготение к усложненным символическим образам, к выявлению тончайших эмоций - от ясной гармонии и мягкого лиризма до отчаяния и мрачной сосредоточенности. Произведения скульптора приобретают незаконченный вид из-за текучести и живописной неровности поверхности. При этом возникает впечатление стихийного рождения формы. Скульптор всегда придавал большое значение фактуре как важному средству выразительности образа.

Роден много и успешно занимался жанром портрета. Общество литераторов заказало Родену статую Бальзака. Скульптор трудился над этим памятником шесть лет. Подчеркнутая физиологичность трактовки образа писателя, не свойственная импрессионизму (что свидетельствует о многообразии творческих поисков Родена), вызвала резкое неприятие. Скульптора обвиняли в том, что он обрядил великого писателя «в смирительную рубашку». Несмотря на справедливость некоторых упреков Родену (в привкусе натурализма, модернистской стилизации), нельзя не признать его потрясающего умения выразить напряженное внутреннее движение, подчинить пластическую форму психологическому переживанию.

Открытия художников-импрессионистов оказали влияние и на другие виды искусства, в первую очередь на музыку. Импрессионизм в музыке, так же как и импрессионизм в живописи, неразрывно связан с национальными традициями французского искусства, с французской поэзией и литературой. В творчестве композиторов и художников встречается много общих тем: колоритные жанровые сценки, портретные зарисовки, но исключительное место занимает пейзаж. Музыка импрессионистов (К.Дебюсси, М. Равель и др.) пробуждает у слушателей богатые зрительные образы, передает тончайшие и едва заметные оттенки настроений.

3. Постимпрессионизм

Художники-постимпрессионисты П.Сезанн, В.Ван Гог и П. Гоген не были объединены ни общей программой, ни общим методом. Хотя эти художники начали работать параллельно с импрессионистами и испытали их влияние, они считали своей главной задачей - передавать не видимость предметов, а их сущность, идею, используя образ как знак, символ.

Поиски новых путей ярко выражены в творчестве Поля Сезанна (1839 - 1906), возродившего утраченный импрессионистами целостный взгляд на мир.

П.Сезанн участвовал в первой выставке импрессионистов 1874 г., затем он уехал в родной Прованс, где жил замкнуто и много работал. Трудолюбие было главной его чертой. Когда через 20 лет Сезанн отправил в Париж 150 картин, его приветствовали как великого художника. Молодое поколение живописцев увидело в Сезанне своего вождя.

Мир, природа, человек утверждаются Сезанном во всей цельности и материальности (по терминологии самого художника, это «реализация натуры»). Он стремился исследовать пространство и форму, создать устойчивую композицию.

Художник пишет портреты родных («Мадам Сезанн в красном кресле»), друзей и множество автопортретов, портреты-типы («Курильщик», 1895 - 1900), пейзажи («Берега Марны», 1888), натюрморты («Натюрморт с корзиной фруктов», 1888-1890), сюжетные картины («Игроки в карты», 1890- 1892). На своих полотнах он создает мир, полный созерцательности, задумчивости и сосредоточенности.

Например, на полотне П.Сезанна «Пьеро и Арлекин» изображены люди искусства - те, кто живет в вечном карнавале преображений. И в то же время перед зрителем - типичные персонажи итальянского театра. Народная традиция наделила их определенными чертами характера: Арлекина, победителя в шутовских проделках, - хитрой изворотливостью; Пьеро, неудачника и мечтателя, - застенчивой робостью.

Поль Сезанн изобразил Пьеро и Арлекина в тот момент, когда они идут на праздник, чтобы принять участие в театрализованном представлении. Пока актеры не играют и остаются самими собой. Над этим полотном художник работал очень долго, он писал своих героев с натуры, изнуряя модели долгими часами полной неподвижности. В костюме Арлекина художнику позировал его сын, а в костюме Пьеро - приятель сына. Тем не менее, возникает впечатление, что это не живые люди, а напряженно двигающиеся марионетки. Арлекин в обтягивающем «домино» высокомерен, недоброжелателен, горд. Пьеро согнулся под тяжестью своих мыслей, кажется, что его белоснежные одежды сделаны из гипса, непомерно тяжелы и сковывают движения. Голова Арлекина немного откинута назад, его настороженный и оценивающий взгляд обращен к зрителю. Голова Пьеро, напротив, опущена вниз, он углублен в себя. Художник переосмысливает эти образы, укоренившиеся в народной традиции. Фигуры на картине находятся как бы в разных пространственных измерениях, они сосуществуют, но не взаимодействуют.

П. Сезанн владел великолепной живописной техникой, создающей трепещущую красочную поверхность. По представлению художника, живопись складывается из двух составляющих - геометрической структуры природных форм и колорита. Свои поиски он сформулировал так: «Все в природе лепится в форме шара, конуса, цилиндра; надо учиться писать на этих простых фигурах, и, если вы научитесь владеть этими формами, вы сделаете все, что захотите. Нельзя отделять рисунок от красок, нужно рисовать по мере того, как пишете, и чем гармоничнее становятся краски, тем точнее делается рисунок. При наибольшем богатстве красок форма неизменно достигает своей полноты».

На натюрмортах Сезанна порой трудно определить, какие фрукты изображены. В портретах также есть некоторая условность, ибо художника занимают не столько духовный мир и характеры моделей, сколько основные формы предметного мира, переданные цветовыми соотношениями. Свойственные искусству Сезанна элементы абстрагирования привели его многочисленных последователей к живописной отвлеченности, ибо они сумели усвоить только его формальные достижения.

Постимпрессионистом называют и Винсента Ван Гога (1853-1890) - художника, воплотившего смятенный дух человека. Его работы имеют определенные черты старой голландской традиции («Едоки картофеля», 1885). Когда через брата Тео, служившего в частной картинной галерее, Ван Гог сблизился с импрессионистами, его техника стала более свободной, смелой, палитра высветлилась («Пейзаж в Овере после дождя», 1890). Вскоре Ван Гог переехал в город Арль (Прованс), где вместе с Гогеном мечтал организовать нечто вроде братства художников. Здесь, на юге Франции, он начинает лихорадочно работать, как будто чувствуя, как мало времени ему отпущено («Красные виноградники в Арле», 1888).

Ван Гог повышенно эмоционально изображает не только людей, но и пейзаж и предметный мир. Свойственная художнику особая острота восприятия сообщает его произведениям сложное переплетение как будто взаимоисключающих настроений: восторга перед миром и пронзительного чувства одиночества, щемящей тоски, постоянного беспокойства. Даже обычные дома или комнаты («Хижины», 1888; «Спальня», 1888) приобретают у Ван Гога подлинный драматизм. Он очеловечивает мир вещей, наделяя его собственной горькой безнадежностью. Ван Гог достигает экс-прессии, нанося краски резкими, иногда зигзагообразными, а чаще параллельными мазками, как в уже упоминаемых «Хижинах». Ощущение напряженности создается с помощью цветовых контрастов и мазков, идущих в разных направлениях.

Ван Гог в большинстве случаев писал с натуры, но даже его этюды имели характер законченной картины, ибо он не отдавался всецело непосредственному впечатлению, а привносил в образ сложнейший комплекс идей и чувств, многообразные ассоциации («Прогулка заключенных», 1890; «Автопортрет с перевязанным ухом», 1889).

Последний год жизни Ван Гог проводит в больницах для душевнобольных. Его творческая активность в этот период поразительна. С какой-то истовостью он пишет природу, архитектуру, людей («Овер после дождя», «Церковь в Овере», «Портрет доктора Гаше» и др.).

При жизни Ван Гог не пользовался известностью. Его огромное влияние на искусство сказалось много позднее.

Поль Гоген (1848-1903), как и Ван Гог, довольно поздно стал систематически заниматься живописью. Ему было более 30 лет, когда, оставив службу в банке, он целиком посвятил себя искусству. Первые произведения художника отмечены влиянием импрессионизма, но вскоре Гоген вырабатывает свою манеру. В 1891 г. он уезжает на Таити, пленившись примитивной жизнью полинезийских племен, которые сохранили, по его мнению, безмятежный покой, первозданную чистоту и цельность, присущие детству человечества. Он вносит в свои экзотические, овеянные романтикой и легендой произведения элементы символики («Таитянская пастораль», «Откуда мы пришли? Кто мы? Куда мы идем?», 1897). Художник передает на полотнах красоту земли, покрытой розовым песком, экзотичных белых цветов, каменных идолов и людей, похожих на этих идолов.

Стремясь приблизиться к художественным традициям туземного искусства, Гоген пришел к обобщению формы, ее плоскостному решению, ярким краскам, орнаментальному характеру композиции. Так, в одной из первых таитянских вещей «Женщина, держащая плод» (1893) смуглое тело таитянки передано намеренно плоскостно, силуэт очерчен контуром, черты лица застыли. Желтый орнамент на красной юбке вторит узору, образуемому листьями деревьев над ее головой, и сама она - неотъемлемая часть этой вечной природы. Гоген преднамеренно нарушает перспективу, он пишет, не сообразуясь с воздействием световоздушной среды, как импрессионисты, а преображая реальную природу в декоративный красочный узор. Художник усиливает интенсивность тонов, ибо его интересует не цвет травы в определенном освещении, в конкретное время суток, как Клода Моне, а цвет травы вообще. Он не пользуется светотеневой моделировкой, а накладывает цвет ровными плоскостями, в контрастном сопоставлении. Гоген понимает цвет символически, поэтому заменяет реальный цвет натуры на фантастический. Он стилизует форму предметов, подчеркивая нужный ему линейный ритм. Плоскостность, орна-ментальность, яркость красочных пятен - декоративность искусства Гогена позволила назвать его стиль ковровым. Многие полотна его действительно напоминают восточные декоративные ткани. Своей стилизацией таитянского искусства Гоген вызвал интерес к искусству неевропейских народов.

Сезанн, Ван Гог, Гоген имели огромное влияние на развитие художественной культуры Новейшего времени.

Заключение

Метод реализма требует достоверности в воспроизведении действительности. Вместе с тем реалистическое искусство допускает разнообразие творческих манер художников. Наиболее полно черты реализма раскрылись в критическом реализме XIX в., исследующем личность человека в неразрывной связи с социальным положением в современном ему обществе.

Импрессионизм был одним из самых важных этапов в истории изобразительного искусства, несмотря на то, что фактически этот период продолжался около десяти лет. Опыт импрессионистов отразился в творчестве художников последующих поколений. В полемике с ним рождались новые направления, например постимпрессионизм.

Особенностью постимпрессионизма стало взаимное влияние направлений и индивидуальных творческих систем. Так, П. Сезанн и Ж.Сера пытались восстановить чувство порядка, не присущего импрессионизму, — отразить устойчивость и материальность окружающего мира. В.Ван Гог, стремясь запечатлеть на холсте простые эмоции и выйдя на сверхчувственную выразительность формы и цвета, предвосхитил появление экспрессионизма. П. Гоген хотевший в своих картинах отразить мир воображения и духовности, пытавшийся воплотить мечту о гармоничности окружающего мира, слиянии человека с природой, фактически проложил путь символизму и модерну. К постимпрессионизму относится и неоимпрессионизм, доведший до логического завершения разработанный и практически реализованный импрессионистами метод пространственного (оптического) смешения цветов (Ж. Сёра, П. Синьяк).

Литература

1. Власов В.Г. Стили в искусстве / В.Г. Власов. - СПб., 1995.

2. Дмитриева Н.А. Краткая история искусств / Н.А. Дмитриева. - М., 1996. - Кн. 2.

3. Дмитриева Н.А. Передвижники и импрессионисты / Н.А.Дмитриева. - М., 1978.

4. Ильина Т.В. Западноевропейское искусство / Т.В. Ильина. - М., 1993.

5. Калитина Н. Н. Французское изобразительное искусство конца XVIII -XX веков / Н.Н. Капитана. - Л., 1990.

6. Ревальд Дж. История импрессионизма / Дж.Ревальд. - СПб., 1993.

7. Ревальд Дж. Постимпрессионизм / Дж.Ревальд. - Л.; М., 1962.

8. Яворская Н.В. Пейзаж барбизонской школы / Н.В.Яворская. - М., 1962.

9. Янсон X.В. Основы истории искусств Х.В.Янсон. - М., 1996.

topref.ru

Доклад - Искусство Западной Европы второй половины XIX в.

ФЕДЕРАЛЬНОЕ АГЕНТСТВО ПО ОБРАЗОВАНИЮ

Реферат

ИСКУССТВО ЗАПАДНОЙ ЕВРОПЫ ВТОРОЙ ПОЛОВИНЫ XIX В

РњРћРЎРљР’Рђ 2009 Рі.

Содержание

Введение

1. Реализм

2. Импрессионизм

3. Постимпрессионизм

Заключение

Литература

Введение

Середина и вторая половина XIX в. ознаменованы нарастанием социальной борьбы во Франции и многообразием художественных проявлений. В этот период дается теоретическое обоснование реализма, получившего воплощение в живописи, графике и несколько позже в скульптуре.

В 1870-1890 гг. во Франции яркий расцвет переживает новое художественное направление — импрессионизм (Э.Мане, К. Моне, О.Ренуар, Э.Дега и др.).

Наиболее значительными художниками-постимпрессионистами были П.Сезанн, П.Гоген, В.Ван Гог и др. Усвоив достижения импрессионистов, они глубже раскрыли гармонию, красоту и внутреннюю сущность явлений.

Менее плодотворным оказалось это время для развития архитектуры. К середине столетия основной проблемой европейского зодчества стали поиски стиля. Ордерная система позднего классицизма не подходила для повсеместно развернувшегося бурного строительства заводов, фабрик, мостов, банков и других учреждений. Романтическое увлечение стариной возвращало к традициям архитектуры прошлого — так возникли неоготика, неоренессанс, необарокко и др. Подобные усилия нередко приводили к эклектизму — соединению элементов разных стилей в одном произведении. Однако широкий размах строительства не создал благоприятных условий для развития архитектуры как вида искусства.

Ведущее место в искусстве второй половины XIX в. занимала Франция. Лучшие художники боролись с рутиной академического искусства, открывали новые пути в живописи.

1. Реализм

Критический реализм, существовавший в искусстве европейских стран и США, был ориентирован на изображение жизни обездоленных слоев общества, противопоставленных богатым, сочувствие неблагополучной судьбе бедных. Пролетарская идеология выдвинула нового героя — трудового человека, его жизнь стала основной темой в живописи и графике.

В реалистическом искусстве отражены волнующие весь мир национально-освободительные идеи, интерес к которым был проявлен еще романтиками во главе с Делакруа. Реализм, пришедший на смену романтизму, часто рассматривается как оппозиция этому стилю, хотя отношения между ними более сложные, поскольку романтизм в какой-то степени тоже был реалистичен, так как ставил своей целью в искусстве создать новую, прекрасную, хотя и идеалистическую реальность.

Революция 1848г. развеяла романтические иллюзии французской интеллигенции и в этом смысле явилась очень важным этапом в истории культуры не только Франции, но и всей Европы. Искусство стало шире использоваться как средство агитации и пропаганды. Отсюда развитие станковой и иллюстративно-журнальной графики в качестве основного элемента сатирической печати. Художники активно втягивались в бурный ход общественной жизни.

Исторические события, происходившие во Франции, начиная с революции 1830г. и кончая франко-прусской войной и Парижской Коммуной 1871 г., нашли отражение в графике одного из крупнейших французских художников Оноре Домье (1808 — 1879). Славу ему принесла литография «Гаргантюа» (1831) — карикатура на Луи Филиппа, изображенного заглатывающим золото и «отдающим» взамен ордена и чины. Уже в этом графическом листе художник, преодолевая перегруженность композиции и повествовательность, тяготеет к монументальной, объемно-пластической форме, прибегает к деформации в поисках наибольшей выразительности лица или предмета.

Домье осмысливает каждодневные события политической борьбы сатирически, умело пользуясь языком иносказаний и метафор. Социальные типы и характеры показаны им в таких сериях, как «Парижские впечатления», «Парижские типы», «Супружеские нравы» (1838-1843). Художник делает иллюстрации к «Физиологии рантье» Бальзака — писателя, высоко его ценившего. В 1840-е годы Домье работает над сериями «Прекрасные дни жизни», «Синие чулки», «Представители правосудия», высмеивает фальшь академического искусства в пародии на античные мифы («Древняя история»). Он выступает не только страстным борцом против пошлости, ханжества, лицемерия, но и тонким психологом. Комическое у него никогда не бывает дешевым, поверхностным зубоскальством, оно отмечено печатью личной боли за несовершенство мира и человеческой природы.

Живопись Домье, как справедливо указывают все исследователи его творчества, полна печальной суровости и невысказанной горечи. Предметом изображения становится мир простых людей: прачек, водоносов, кузнецов, бедных горожан, городской толпы. Точно найденные жесты и повороты фигуры, выразительность силуэта — средства, которыми Домье создает монументальность образа, подчеркивает его величие («Прачка»). Вместе с тем благодаря умению схватывать самое характерное он смог придать обобщенным образам большую жизненность.

В композициях художник часто прибегает к фрагментарности. Это позволяет ощущать изображенное на картине как часть действия, происходящего за ее пределами («Восстание», «Семья на баррикаде», «Вагон III класса»). Заметим, что размеры живописных полотен Домье всегда небольшие, ведь большая картина тогда связывалась обычно с аллегорическим или историческим сюжетом. Домье был первым, чьи живописные произведения на современные темы зазвучали как произведения монументальные — не по размеру, а по значительности.

Во время франко-прусской войны Домье выпускает литографии, впоследствии вошедшие в альбом под названием «Осада», в которых с горечью и болью рассказывает о народных бедствиях в образах поистине трагических. Эти произведения были как бы духовным завещанием художника.

Во французской живописи реализм сначала проявился в пейзаже, на первый взгляд наиболее отдаленном от общественных бурь и тенденциозной направленности жанре. Реализм в пейзаже начинается с барбизонской школы, получившей такое название по имени деревушки Барбизон недалеко от Парижа. Это была группа молодых живописцев (Т. Руссо, Д. Пенья, Ж. Дюпре, К. Тройон, Ш. Добиньи), которые приехали в Барбизон писать этюды с натуры. Картины они завершали в мастерской на основе этюдов, поэтому живое ощущение натуры сочетается в их живописи с законченностью и обобщенностью композиции и колорита. Всех барбизонцев объединяло желание внимательно изучать природу и правдиво ее изображать, однако это не мешало каждому из них сохранять свою творческую индивидуальность.

Теодор Руссо (1812-1867) глубоко любил природу и протестовал против варварского вмешательства в нее человека. В его изображении деревьев, лугов, равнин мы видим вещественность мира, материальность, объемность («Дубы», 1852). С большой точностью художник передавал строение и породу каждого дерева, характер листвы. Руссо тщательно продумывал композицию картин, умел подчеркнуть деталь, давал представление о масштабности деревьев, изображая около них фигуры животных.

Одной из наиболее типичных по композиции картин Руссо является «Лес Фонтебло» (1848-1850), где купы деревьев размещены по обе стороны холста, оставляя посередине просвет. Часто художник изображал раскидистые деревья в центре картины, чтобы подчеркнуть их величие и мощь («Пейзаж с крестьянкой», ок. 1850). При этом свет и цвет в его картинах академически условны.

В Барбизоне работал одно время Жан Франсуа Милле (1814-1875). Крестьянский мир — основной сюжет его картин. Художник создал обобщенный монументальный образ труженика земли («Веятель», 1848; «Сеятель», 1850; и др.). Он показал сельский труд как естественное состояние человека, как форму его бытия. В труде проявляется связь человека с природой, которая облагораживает его. Этой идеей пронизаны картины луврского собрания («Сборщицы колосьев», 1857; «Анжелюс», 1859). Для почерка Милле характерен предельный лаконизм: художник отбирает главное, позволяющее передать общечеловеческий смысл в самых простых, обыденных картинах повседневной жизни. Среди его произведений есть один образ — «Человек с мотыгой» (1863), в котором художник, выразив предельную усталость, измождение, измученность тяжелым физическим трудом, все же сумел показать огромные дремлющие силы труженика-исполина. Художник так писал об этой картине: «Это хлеб в поте лица, это крик земли, я знаю это по себе. <...> Но именно в этом я и нахожу подлинную человечность и большую поэзию». Правдивое и честное искусство Милле, прославляющее человека труда, проложило пути для дальнейшего развития этой темы в живописи второй половины XIX -XX в.

Одним из самых тонких мастеров французского пейзажа середины XIX в. был Камиль Коро (1796- 1875). Он создал интимный пейзаж — «пейзаж настроения» («Воз сена», «Колокольня в Аржантее»). Коро много ездил по Франции. Он был значительно старше барбизонцев, но поселился не в Барбизоне, а в маленьком городке Виль д'Аврэ под Парижем. Здесь Коро нашел постоянный источник вдохновения, написал свои лучшие пейзажи, которые часто населял нимфами или другими мифологическими существами, и лучшие портреты. В творчестве Коро следовал непосредственному впечатлению и всегда оставался предельно искренним («Мост в Манте», «Башня ратуши в Дуэ»). Человек в пейзажах Коро органично входит в мир природы. Это не стаффаж классического пейзажа, а делающие свою извечную работу люди: женщины, собирающие хворост; возвращающиеся с поля крестьяне («Семья жнеца»). В пейзажах Коро редко встретишь борьбу стихий, ночной мрак, что так любили романтики. Он изображает предрассветную пору или грустные сумерки, предметы в его полотнах окутаны густой мглой или легкой дымкой, прозрачные лессировки обволакивают формы, усиливают серебристую воздушность.

Изображение всегда пронизано личным отношением художника, его настроением. Гамма цветов Коро как будто не богата. Это градации серебристо-жемчужных и лазурно-перламутровых тонов, но из этих соотношений близких по тону красочных пятен художник умеет создать неповторимую гармонию. Манера Коро размашистая, свободная, «трепетная». Именно размашистая манера Коро вызывала резкие нападки официальной критики. Свободе письма художник учился у английских живописцев, прежде всего у Констебла, с пейзажами которого познакомился еще на выставке 1824 г.

Наряду с пейзажами Коро написал много портретов. Он не был прямым предшественником импрессионизма. Однако способ Коро передавать световую среду, его отношение к непосредственному впечатлению от природы и человека имели большое значение для утверждения живописи импрессионистов и во многом созвучны их искусству.

Критический реализм как новое мощное художественное направление активно утверждал себя и в жанровой живописи. Исследование общественных противоречий было свойственно Г. Курбе, Ж. Ф. Милле и другим художникам Франции.

Реализму в творчестве Гюстава Курбе (1819- 1877) были присущи некоторые черты романтизма. Простые жанровые сцены художник умел трактовать как возвышенно-исторические, и незатейливая провинциальная жизнь получила под его кистью романтическую окраску. В картине Курбе «Каменотесы» (1849-1850) нет социальной остроты, но есть сочувствие к доле бедняков. Само обращение к подобной теме было задачей социального плана.

Курбе стремился запечатлеть на своих полотнах обитателей родных мест. Он родился близ города Орнана и на своем самом знаменитом полотне «Похороны в Орнане» изобразил местное общество во главе с мэром. Художник смог передать типическое через индивидуальное, создал целую галерею провинциальных характеров. Колористическая гармония, неудержимая энергия, мощный пластический ритм ставят «Похороны в Орнане» в ряд с лучшими произведениями классического европейского искусства.

Между тем изображение художником ничтожества людских страстей на такой церемонии, как похороны, вызвало целую бурю негодования публики. Когда картина была выставлена в Салоне 1851 г., в ней увидели клевету на французское провинциальное общество, и с тех пор Курбе стали систематически отвергать официальные жюри Салонов. Художника обвиняли в «прославлении безобразного».

Главным средством выражения у Курбе был цвет. Его гамма очень строга, почти монохромна, построена на богатстве полутонов. Утолщая и уплотняя красочный слой, для чего часто Курбе заменял кисть шпателем, он добивался интенсивности и глубины тона. Художник достигал прозрачности света в полутонах не так, как обычно это делали лессировками, а при помощи наложения плотных слоев краски одного рядом с другим в определенной последовательности. Каждый тон приобретал свой свет, их синтез сообщал поэтичность любому изображенному Курбе предмету.

Курбе создал несколько программных произведений, посвященных проблеме места художника в обществе. В картине «Ателье» (1855) он показал себя в мастерской, работающим над пейзажем, рядом в центре композиции поставил обнаженную модель, наполнил интерьер любопытствующей публикой, изобразив среди почитателей и праздных зрителей своих друзей.

Хотя картина полна наивной самовлюбленности, она одна из удачнейших у Курбе в живописном отношении. Единство цвета строится на коричневом тоне, в который вводятся голубые и нежно-розовые тона задней стены, розовые оттенки платья натурщицы, небрежно брошенного на переднем плане, множество других оттенков, близких к основному коричневому тону.

Программной является и другая картина — «Встреча» (1854), более известная под названием, данным ей в насмешку, «Здравствуйте, господин Курбе». На ней изображен сам художник с этюдником за плечами и посохом в руке, повстречавший на проселочной дороге коллекционера Брюйа и его слугу. Знаменательно, что не Курбе, некогда принимавший помощь богатого мецената, а меценат снимает шляпу перед художником, идущим свободно и уверенно, с высоко поднятой головой. Идея картины — художник идет своей дорогой, он сам выбирает свой путь — была понята всеми, но встречена по-разному и вызвала неоднозначную реакцию.

Реалистическая живопись Курбе во многом определила дальнейшие этапы развития европейского искусства.

2. Импрессионизм

Живопись. В 1874г. в одном из парижских Салонов открылась выставка тогда еще совсем неизвестных художников. Среди них были Клод Моне, Пьер Огюст Ренуар, Камиль Писсарро, Альфред Сислей, Поль Сезанн и др. К этой группе художников были близки Эдуард Мане и Эдгар Дега.

Одна из картин К.Моне называлась «Впечатление. Восход солнца». На ней изображена гавань ранним утром, окутанная розовым туманом, сквозь который проступают солнце и неясный силуэт лодки. Переливы красок создают ощущение торжественности момента.

После этой выставки кто-то из журналистов презрительно отозвался о ее участниках как об «импрессионистах», потому что их картины якобы фиксировали лишь первое впечатление от увиденного (от фр. impression — впечатление). Художникам это слово понравилось, и они стали называть себя импрессионистами. Так возникло название нового направления в искусстве.

Художники-импрессионисты совершили величайший переворот в живописи. Они работали, не согласуясь с правилами и принципами академической школы. В отличие от академистов, создававших произведения на библейские, исторические и мифологические мотивы, импрессионисты стремились отобразить реальную жизнь, показать бытовые сценки. Они вышли писать свои полотна на пленэр, т.е. на открытый воздух. Эти художники применяли преимущественно яркие краски, при этом основное внимание уделяли игре цветовых оттенков, а не четкой прорисовке фигур и деталей. Импрессионистов отличает живое видение натуры. Как известно, один и тот же предмет может вызвать различные впечатления в зависимости от освещения, времени года, погоды и даже настроения. Для импрессионистов были важны передача ускользающих мгновений, выделение случайных деталей, постоянное открытие нового.

Художники стремились уловить на картинах короткие мгновения бытия, подобно фотографам. К. Моне, например, удалось передать эффект движущегося поезда даже раньше изобретения кинокамеры. Они выхватывали из повседневной жизни сюжеты своих произведений, поэтому композиции часто строили фрагментарно, изображения были перерезаны краями полотна, фигуры показывали в сложных ракурсах. Асимметричные, динамичные и неуравновешенные композиции создавали впечатление случайности, но на самом деле были тщательно продуманны. Острота образов усиливалась специальными приемами наложения краски.

Признанным лидером среди художников-импрессионистов был Клод Моне (1840- 1926). Уже в ранней работе «Дама в саду» он использовал чистые, сверкающие краски. Природа у К. Моне не величественна, а естественна. «Как много надо работать, чтобы передать то, что я хочу уловить!» — говорил художник.

К. Моне некоторые мотивы писал много раз при различном освещении (Руанский собор, стога, вокзал Сен-Лазар, лондонские туманы). На каждом полотне он открывает новые стороны натуры. Передать красоту одного объекта в различное время суток, при различном освещении — эта задача очень привлекала К. Моне.

Одно из лучших произведений К. Моне — знаменитый «Бульвар Капуцинок в Париже» (1873, хранится в ГМИИ им. А. С. Пушкина). Выбрав точку зрения сверху, художник изобразил уходящую по диагонали перспективу бульвара, поток экипажей и движение толпы. Такая точка зрения позволяет К. Моне отказаться от первого плана. Он передает впечатление от уезжающих экипажей и едва заметно вибрирующего воздуха. Фигурки уходящих вдаль прохожих едва намечены белыми мазками. Фасады домов на противоположной стороне бульвара наполовину скрыты ветвями платанов. Все растворяется в сияющем солнечном освещении, контрастирующем с голубовато-лиловой тенью от домов, лежащей на уличной мостовой.

К. Моне разрушает представление о плоскости холста, создавая иллюзию пространства и наполняя его светом, воздухом и движением. Взгляд зрителя устремляется в бесконечность, и нет предельной точки, где бы он мог остановиться.

Солнечную сторону К. Моне делает оранжевой, золотисто-теплой, теневую — фиолетовой, а единая свето-воздушная дымка придает всему пейзажу тональную гармонию. Контуры домов и деревьев постепенно вырисовываются в воздухе, пронизанном солнечными лучами.

В красочном мареве тонут архитектурные детали зданий, тают контуры экипажей, растворяются ветки деревьев, а глубина пространства теряется в движении светящегося воздуха. Все это заполняет картину таким образом, что глаз зрителя теряет грань между близкими освещенными стенами и дальним голубым сумраком, скрывающим продолжение улицы.

Искусствовед К. Г. Богемская отмечает: «Когда говорят, что импрессионисты умели запечатлевать момент безостановочного движения жизни, то подтверждением этому может быть названа картина «Бульвар Капуцинок в Париже».

Новым в искусстве импрессионизма стали техника мазка, передача впечатления от света и цвета натуры. Художники наносили на полотно чистые краски, не смешивая их на палитре, поэтому картины поражали своей мно-гоцветностью и при разглядывании издали как бы оживали. Например, при ближайшем рассмотрении «Белых кувшинок» (1899) К. Моне хорошо видно, что они написаны густо-розовыми, голубыми и даже терракотовыми оттенками. Яркие краски передают не только белизну кувшинок, но и, как кажется, даже их запах. Зритель сам словно присутствует среди них. Этот эффект — величайшее достижение искусства импрессионизма.

Эдуарда Мане (1832- 1883) также причисляют к импрессионистам, хотя он категорически отказывался принимать участие в их выставках. В истории французского и мирового искусства творчество Э. Мане занимает особое место, которое определяется как приверженностью художника к классическим традициям европейской культуры («Олимпия»; портреты, навеянные испанской живописью), так и новаторскими поисками в области пленэрной живописи («В лодке», «Берта Моризо» и др.).

Использование Э. Мане классических мотивов при изображении современной жизни вызвало бурю негодования зрителей, особенно оскорбила их мораль картина «Завтрак на траве», где художник расположил на лужайке сидящих рядом одетых мужчин и обнаженную женщину.

Картина Э. Мане «Олимпия», на которой современная женщина показана в позе Венеры, стала предметом яростных нападок критиков. Газеты называли ее нелепой пародией на тициановскую «Венеру Урбинскую». Современники никак не хотели согласиться с тем, что Э. Мане изобразил не античную красавицу, а французскую натурщицу. Большая, массивная фигура негритянки с букетом цветов оттеняет хрупкость и белизну обнаженной женщины.

Понадобилось много лет, чтобы «Завтрак на траве» и «Олимпия» заняли свое почетное место в музеях.

Э. Мане предвосхитил начинания импрессионистов в области поиска новых средств живописи. Показательна в этом отношении картина «Флейтист». На живописном сером фоне выделяется выразительный силуэт мальчика. Место действия не обозначено. Э. Мане пренебрегает обязательной для того времени перспективой, открытой еще в эпоху Возрождения.

В некоторых полотнах он параллельно с Дега использует завоевания кинематографа в передаче времени и пространства. Его картина «Бар в Фоли-Бержер» — сложное, развивающееся в пространстве и во времени действие. За спиной молодой красивой женщины у стойки бара — зеркало, в котором отражаются посетители: например, в правой части картины мы видим отражение дамы, слушающей какого-то господина. Молодая героиня картины погружена в задумчивое состояние. Сложная композиция картины позволяет зрителю домысливать сюжет.

Огюста Ренуара (1841 — 1919) считают импрессионистом, но его творчество не ограничивалось рамками этого направления. По технике живописи Ренуар действительно был близок К. Моне, однако его взгляды отличались от эстетики импрессионизма, и он никогда не причислял себя к импрессионистам, хотя в их выставках участвовал. Ренуар писал то, что ему было близко (танцующих модисток, завтракающих лодочников и т.п.), а в импрессионистический период — сцены из жизни парижских предместий, ресторанов и общественные балы («Мулен де ла Галет», «Качели», «Ложа» и др.). В этих, казалось бы, мимолетных впечатлениях художник увидел праздник быстротекущей жизни и сияющую радость ее счастливых мгновений.

Ранним портретам О. Ренуара было присуще общее качество: художник не изолировал модель от окружающего мира. Основываясь на своих впечатлениях, он делал тени голубыми, а лицо на солнце золотисто-розовым. Уже с самых первых своих работ О.Ренуар всегда рисовал только кистью, обращая особое внимание на светотональную моделировку формы («Девушка с веером», «Белокурая купальщица» и др.).

Для О. Ренуара было увлекательной задачей изобразить своих современников, особенно волновали художника женские образы — соблазнительное обаяние юных парижанок, жемчужная теплота обнаженного женского тела («Нагая женщина, сидящая на кушетке», 1876). Очаровательны портреты детей кисти Ренуара («Девочка с лейкой», 1876; «Портрет мадам Шарпантье с детьми», 1878).

В 1878 г. О. Ренуар написал портрет (в полный рост) «Жанны Самары» — актрисы парижского театра «Комеди франсез» — и несколько эскизов к этому портрету, которые можно рассматривать как самостоятельные произведения. Они были созданы в те счастливые минуты, когда художник, не ограниченный необходимостью угождать вкусам заказчика, работал вдохновенно, в полном согласии с собой.

На одном из лучших эскизов определяет настроение розовый фон, являющийся той общей средой, из которой постепенно возникают очертания фигуры. Цвет в картине как будто вибрирует. Белый холст, просвечивая через тонкий красочный слой, придает розовому цвету особую свето-носность. На этом фоне горят золотистые волосы Жанны Самари. Зрителя привлекают ее женственный мягкий взгляд, четко прорисованные губы, красивая рука с золотым браслетом, которой актриса слегка подпирает голову. Легкие мазки кисти художника намечают ее плечи. Жанна Самари изображена в естественной позе. Ее взгляд обращен к зрителю, однако в ее внутреннем состоянии есть и некоторая отрешенность: женственно-прекрасная и обаятельная, она — здесь, перед нами, и в то же время словно чуть-чуть отдалена от нас. Художнику удалось передать смену настроений своей героини.

Альфред Сислей (1839-1899) постоянно жил в окрестностях Парижа. Его завораживали покой и простор деревенского пейзажа, облака, плывущие по небу, зеркальный блеск воды. Он создавал чарующие изображения природы с легким оттенком грусти («Маленькая площадь в Аржантее», «Наводнение в Марли», «Мороз в Лувесьен-не», «Берег Сены у Буживаля», «Опушка леса в Фонтенбло» и др.). Сислей тщательно продумывал композицию своих работ, добиваясь монументальной выразительности скромных пейзажей. Он был сторонником светлого колорита, много работал на пленэре.

Эдгар Дега (1834-1917), прекрасно изучивший выразительные возможности жеста, любил рисовать танцовщиц («Танцевальный класс», «Танцовщица на сцене», «Танцовщицы на репетиции») и скачки («Скаковые лошади перед трибуной», «На скачках», «Жокеи перед скачками»). На полотне «Голубые танцовщицы», где три девушки готовясь к выходу на сцену, поправляют платья, все залито волшебным голубым светом, кажется, что сейчас зазвучит музыка. В целой серии картин хрупкие и невесомые фигурки балерин предстают перед зрителем то в полумраке танцевальных классов, то при свете софитов, то в краткие минуты отдыха. Они не позируют художнику, каждая из них занята своим делом. Возникает эффект присутствия, придающий картинам Э.Дега документальную убедительность.

В середине 1880-х годов художник начинает использовать пастель и создает свои знаменитые рисунки обнаженной натуры («После ванны»).

Дега считал, что следует изображать не столько красивое, сколько характерное. В отличие от большинства импрессионистов для Дега средством выражения была линия, а не мазок. Линией художник умел передавать характер движения, эмоциональное состояние модели.

Скульптура. Огюст Роден (1840-1917) прославился умением воплощать в скульптуре яркие эмоциональные состояния, внезапные порывы души. Есть много общего в скульптуре Родена и живописи Дега: та же мягкость светотени, та же незавершенность жеста.

В 1880 г. французское правительство поручило Родену создать портал для Музея декоративных искусств. Он начал работу над «Вратами Ада» — грандиозным скульптурным образом грехов человеческих, где соединились эпическое величие «Божественной комедии» Данте и безысходная тоска «Цветов зла» Бодлера. Огромный портал с двумя створками так и остался незаконченным.

Вся поверхность дверей была покрыта неровной массой, которая при ближайшем рассмотрении оказывалась скопищем человеческих тел. Над вратами склонились три Тени, беспомощные в борьбе со смертью. Под ними, подперев голову рукой, сидит Мыслитель. В целом же произведение перегружено и дробно по композиции, что позволило критике назвать его «воротами в никуда». Однако оно представляет несомненный интерес, напоминая о бронзовых рельефах дверей средневековых соборов, прежде всего «райских дверях» флорентийского баптистерия, которые поразили Родена в Италии. Знаменательно, что эскизы, выполненные в процессе работы над «Вратами Ада», вызвали к жизни много самостоятельных значительных произведений («Ева», «Поцелуй», «Вечная весна», «Мыслитель» и др.).

Статуя «Мыслителя» явилась олицетворением мучительного процесса поиска ответов на извечные вопросы о смысле бытия, стоящие перед человечеством. Мощный титан согнул свою спину от тяжелых раздумий. Лицо его печально. Чтобы почувствовать сложность настроений «Мыслителя», интересно рассмотреть различные ракурсы скульптуры. Справа движение согнутых рук и ног, резкая линия лба и носа, наклон спины делают фигуру предельно напряженной. Ее поза передает состояние мучительного интеллектуального усилия. Слева впечатление меняется: левая рука, безвольно опустившаяся на колено, указывает на усталость.

В 1884 г. Роден получил заказ от городского муниципалитета Кале на проект памятника в честь героя Столетней войны Эсташа де Сен-Пьера, пожертвовавшего собой во имя спасения осажденного города. Англичане пообещали сохранить жизнь горожанам, если шесть знатных граждан согласятся добровольно, в лохмотьях, босые, с веревками на шее пойти на казнь. Первым решился на это Эсташ де Сен-Пьер, за ним последовали другие герои. Памятник в их честь был закончен скульптором в 1886 г., но установлен лишь в 1895 г. «Граждане Кале» — это реалистическая монументальная Скульптура, в которой Роден воплотил образы людей, объединенных общей трагической судьбой. Скульптурная группа не имеет постамента, расположение фигур граждан на уровне земли как бы объединяет их с народом, что усиливает демократичность произведения.

Когда в 1878 г. Роден впервые экспонировал сначала в Брюсселе, а затем в Париже свою скульптуру «Бронзовый век», стремление выразить в статическом искусстве всю трепетность жизни, а также новаторский характер моделировки формы неровными кусками вызвали негодование общественности. С этого момента все выставляемые на суд публики произведения Родена стали поводом к полемике. Сурово были встречены «Мыслитель», «Ева», «Адам», «Блудный сын», «Мучение» и многие другие работы.

В течение своей долгой жизни Роден, восхищаясь молодостью и красотой влюбленных, много раз обращался к теме вечной весны, ускользающей любви, страданий, поцелуя. Например, композиция «Поцелуй» (1886) потрясает страстностью и силой чувства.

Постепенно в творчестве Родена все более нарастает тяготение к усложненным символическим образам, к выявлению тончайших эмоций — от ясной гармонии и мягкого лиризма до отчаяния и мрачной сосредоточенности. Произведения скульптора приобретают незаконченный вид из-за текучести и живописной неровности поверхности. При этом возникает впечатление стихийного рождения формы. Скульптор всегда придавал большое значение фактуре как важному средству выразительности образа.

Роден много и успешно занимался жанром портрета. Общество литераторов заказало Родену статую Бальзака. Скульптор трудился над этим памятником шесть лет. Подчеркнутая физиологичность трактовки образа писателя, не свойственная импрессионизму (что свидетельствует о многообразии творческих поисков Родена), вызвала резкое неприятие. Скульптора обвиняли в том, что он обрядил великого писателя «в смирительную рубашку». Несмотря на справедливость некоторых упреков Родену (в привкусе натурализма, модернистской стилизации), нельзя не признать его потрясающего умения выразить напряженное внутреннее движение, подчинить пластическую форму психологическому переживанию.

Открытия художников-импрессионистов оказали влияние и на другие виды искусства, в первую очередь на музыку. Импрессионизм в музыке, так же как и импрессионизм в живописи, неразрывно связан с национальными традициями французского искусства, с французской поэзией и литературой. В творчестве композиторов и художников встречается много общих тем: колоритные жанровые сценки, портретные зарисовки, но исключительное место занимает пейзаж. Музыка импрессионистов (К.Дебюсси, М. Равель и др.) пробуждает у слушателей богатые зрительные образы, передает тончайшие и едва заметные оттенки настроений.

3. Постимпрессионизм

Художники-постимпрессионисты П.Сезанн, В.Ван Гог и П. Гоген не были объединены ни общей программой, ни общим методом. Хотя эти художники начали работать параллельно с импрессионистами и испытали их влияние, они считали своей главной задачей — передавать не видимость предметов, а их сущность, идею, используя образ как знак, символ.

Поиски новых путей ярко выражены в творчестве Поля Сезанна (1839 — 1906), возродившего утраченный импрессионистами целостный взгляд на мир.

П.Сезанн участвовал в первой выставке импрессионистов 1874 г., затем он уехал в родной Прованс, где жил замкнуто и много работал. Трудолюбие было главной его чертой. Когда через 20 лет Сезанн отправил в Париж 150 картин, его приветствовали как великого художника. Молодое поколение живописцев увидело в Сезанне своего вождя.

Мир, природа, человек утверждаются Сезанном во всей цельности и материальности (по терминологии самого художника, это «реализация натуры»). Он стремился исследовать пространство и форму, создать устойчивую композицию.

Художник пишет портреты родных («Мадам Сезанн в красном кресле»), друзей и множество автопортретов, портреты-типы («Курильщик», 1895 — 1900), пейзажи («Берега Марны», 1888), натюрморты («Натюрморт с корзиной фруктов», 1888-1890), сюжетные картины («Игроки в карты», 1890- 1892). На своих полотнах он создает мир, полный созерцательности, задумчивости и сосредоточенности.

Например, на полотне П.Сезанна «Пьеро и Арлекин» изображены люди искусства — те, кто живет в вечном карнавале преображений. И в то же время перед зрителем — типичные персонажи итальянского театра. Народная традиция наделила их определенными чертами характера: Арлекина, победителя в шутовских проделках, — хитрой изворотливостью; Пьеро, неудачника и мечтателя, — застенчивой робостью.

Поль Сезанн изобразил Пьеро и Арлекина в тот момент, когда они идут на праздник, чтобы принять участие в театрализованном представлении. Пока актеры не играют и остаются самими собой. Над этим полотном художник работал очень долго, он писал своих героев с натуры, изнуряя модели долгими часами полной неподвижности. В костюме Арлекина художнику позировал его сын, а в костюме Пьеро — приятель сына. Тем не менее, возникает впечатление, что это не живые люди, а напряженно двигающиеся марионетки. Арлекин в обтягивающем «домино» высокомерен, недоброжелателен, горд. Пьеро согнулся под тяжестью своих мыслей, кажется, что его белоснежные одежды сделаны из гипса, непомерно тяжелы и сковывают движения. Голова Арлекина немного откинута назад, его настороженный и оценивающий взгляд обращен к зрителю. Голова Пьеро, напротив, опущена вниз, он углублен в себя. Художник переосмысливает эти образы, укоренившиеся в народной традиции. Фигуры на картине находятся как бы в разных пространственных измерениях, они сосуществуют, но не взаимодействуют.

П. Сезанн владел великолепной живописной техникой, создающей трепещущую красочную поверхность. По представлению художника, живопись складывается из двух составляющих — геометрической структуры природных форм и колорита. Свои поиски он сформулировал так: «Все в природе лепится в форме шара, конуса, цилиндра; надо учиться писать на этих простых фигурах, и, если вы научитесь владеть этими формами, вы сделаете все, что захотите. Нельзя отделять рисунок от красок, нужно рисовать по мере того, как пишете, и чем гармоничнее становятся краски, тем точнее делается рисунок. При наибольшем богатстве красок форма неизменно достигает своей полноты».

На натюрмортах Сезанна порой трудно определить, какие фрукты изображены. В портретах также есть некоторая условность, ибо художника занимают не столько духовный мир и характеры моделей, сколько основные формы предметного мира, переданные цветовыми соотношениями. Свойственные искусству Сезанна элементы абстрагирования привели его многочисленных последователей к живописной отвлеченности, ибо они сумели усвоить только его формальные достижения.

Постимпрессионистом называют и Винсента Ван Гога (1853-1890) — художника, воплотившего смятенный дух человека. Его работы имеют определенные черты старой голландской традиции («Едоки картофеля», 1885). Когда через брата Тео, служившего в частной картинной галерее, Ван Гог сблизился с импрессионистами, его техника стала более свободной, смелой, палитра высветлилась («Пейзаж в Овере после дождя», 1890). Вскоре Ван Гог переехал в город Арль (Прованс), где вместе с Гогеном мечтал организовать нечто вроде братства художников. Здесь, на юге Франции, он начинает лихорадочно работать, как будто чувствуя, как мало времени ему отпущено («Красные виноградники в Арле», 1888).

Ван Гог повышенно эмоционально изображает не только людей, но и пейзаж и предметный мир. Свойственная художнику особая острота восприятия сообщает его произведениям сложное переплетение как будто взаимоисключающих настроений: восторга перед миром и пронзительного чувства одиночества, щемящей тоски, постоянного беспокойства. Даже обычные дома или комнаты («Хижины», 1888; «Спальня», 1888) приобретают у Ван Гога подлинный драматизм. Он очеловечивает мир вещей, наделяя его собственной горькой безнадежностью. Ван Гог достигает экс-прессии, нанося краски резкими, иногда зигзагообразными, а чаще параллельными мазками, как в уже упоминаемых «Хижинах». Ощущение напряженности создается с помощью цветовых контрастов и мазков, идущих в разных направлениях.

Ван Гог в большинстве случаев писал с натуры, но даже его этюды имели характер законченной картины, ибо он не отдавался всецело непосредственному впечатлению, а привносил в образ сложнейший комплекс идей и чувств, многообразные ассоциации («Прогулка заключенных», 1890; «Автопортрет с перевязанным ухом», 1889).

Последний год жизни Ван Гог проводит в больницах для душевнобольных. Его творческая активность в этот период поразительна. С какой-то истовостью он пишет природу, архитектуру, людей («Овер после дождя», «Церковь в Овере», «Портрет доктора Гаше» и др.).

При жизни Ван Гог не пользовался известностью. Его огромное влияние на искусство сказалось много позднее.

Поль Гоген (1848-1903), как и Ван Гог, довольно поздно стал систематически заниматься живописью. Ему было более 30 лет, когда, оставив службу в банке, он целиком посвятил себя искусству. Первые произведения художника отмечены влиянием импрессионизма, но вскоре Гоген вырабатывает свою манеру. В 1891 г. он уезжает на Таити, пленившись примитивной жизнью полинезийских племен, которые сохранили, по его мнению, безмятежный покой, первозданную чистоту и цельность, присущие детству человечества. Он вносит в свои экзотические, овеянные романтикой и легендой произведения элементы символики («Таитянская пастораль», «Откуда мы пришли? Кто мы? Куда мы идем?», 1897). Художник передает на полотнах красоту земли, покрытой розовым песком, экзотичных белых цветов, каменных идолов и людей, похожих на этих идолов.

Стремясь приблизиться к художественным традициям туземного искусства, Гоген пришел к обобщению формы, ее плоскостному решению, ярким краскам, орнаментальному характеру композиции. Так, в одной из первых таитянских вещей «Женщина, держащая плод» (1893) смуглое тело таитянки передано намеренно плоскостно, силуэт очерчен контуром, черты лица застыли. Желтый орнамент на красной юбке вторит узору, образуемому листьями деревьев над ее головой, и сама она — неотъемлемая часть этой вечной природы. Гоген преднамеренно нарушает перспективу, он пишет, не сообразуясь с воздействием световоздушной среды, как импрессионисты, а преображая реальную природу в декоративный красочный узор. Художник усиливает интенсивность тонов, ибо его интересует не цвет травы в определенном освещении, в конкретное время суток, как Клода Моне, а цвет травы вообще. Он не пользуется светотеневой моделировкой, а накладывает цвет ровными плоскостями, в контрастном сопоставлении. Гоген понимает цвет символически, поэтому заменяет реальный цвет натуры на фантастический. Он стилизует форму предметов, подчеркивая нужный ему линейный ритм. Плоскостность, орна-ментальность, яркость красочных пятен — декоративность искусства Гогена позволила назвать его стиль ковровым. Многие полотна его действительно напоминают восточные декоративные ткани. Своей стилизацией таитянского искусства Гоген вызвал интерес к искусству неевропейских народов.

Сезанн, Ван Гог, Гоген имели огромное влияние на развитие художественной культуры Новейшего времени.

Заключение

Метод реализма требует достоверности в воспроизведении действительности. Вместе с тем реалистическое искусство допускает разнообразие творческих манер художников. Наиболее полно черты реализма раскрылись в критическом реализме XIX в., исследующем личность человека в неразрывной связи с социальным положением в современном ему обществе.

Импрессионизм был одним из самых важных этапов в истории изобразительного искусства, несмотря на то, что фактически этот период продолжался около десяти лет. Опыт импрессионистов отразился в творчестве художников последующих поколений. В полемике с ним рождались новые направления, например постимпрессионизм.

Особенностью постимпрессионизма стало взаимное влияние направлений и индивидуальных творческих систем. Так, П. Сезанн и Ж.Сера пытались восстановить чувство порядка, не присущего импрессионизму, — отразить устойчивость и материальность окружающего мира. В.Ван Гог, стремясь запечатлеть на холсте простые эмоции и выйдя на сверхчувственную выразительность формы и цвета, предвосхитил появление экспрессионизма. П. Гоген хотевший в своих картинах отразить мир воображения и духовности, пытавшийся воплотить мечту о гармоничности окружающего мира, слиянии человека с природой, фактически проложил путь символизму и модерну. К постимпрессионизму относится и неоимпрессионизм, доведший до логического завершения разработанный и практически реализованный импрессионистами метод пространственного (оптического) смешения цветов (Ж. Сёра, П. Синьяк).

Литература

1. Власов В.Г. Стили в искусстве / В.Г. Власов. — СПб., 1995.

2. Дмитриева Н.А. Краткая история искусств / Н.А. Дмитриева. — М., 1996. — Кн. 2.

3. Дмитриева Н.А. Передвижники и импрессионисты / Н.А.Дмитриева. — М., 1978.

4. Ильина Т.В. Западноевропейское искусство / Т.В. Ильина. — М., 1993.

5. Калитина Н. Н. Французское изобразительное искусство конца XVIII -XX веков / Н.Н. Капитана. — Л., 1990.

6. Ревальд Дж. История импрессионизма / Дж.Ревальд. — СПб., 1993.

7. Ревальд Дж. Постимпрессионизм / Дж.Ревальд. — Л.; М., 1962.

8. Яворская Н.В. Пейзаж барбизонской школы / Н.В.Яворская. — М., 1962.

9. Янсон X.В. Основы истории искусств Х.В.Янсон. — М., 1996.

www.ronl.ru

Смотрите также

• 
  Реферат основные направления современной экономической мысли
• 
  Реферат первая железная дорога в россии
• 
  Роль россии в мировой истории реферат
• 
  Классицизм в литературе реферат 9 класс
• 
  Я ребенок я имею право реферат
• 
  Темы рефератов государственные и муниципальные финансы
• 
  Учение платона об идеальном государстве реферат
• 
  Титульный лист реферата вгу им машерова
• 
  Современные миграционные процессы в россии реферат
• 
  Распознавание эмоций по выражению лица реферат
• 
  Роль россии на постсоветском пространстве реферат