|
|
|
|
 Far |
| WinNavigator |
| Frigate |
| Norton
Commander |
| WinNC |
| Dos
Navigator |
| Servant
Salamander |
| Turbo
Browser |
|
|
| Winamp,
Skins, Plugins |
| Необходимые
Утилиты |
| Текстовые
редакторы |
| Юмор |
|
|
|
File managers and best utilites |
Реферат: Виды и техники изобразительного искусства. Изобразительное искусство реферат
Реферат «Виды изобразительного искусства» - Творчество детей - Творчество педагогов и детей школы № 48 г. Кирова
«Виды изобразительного искусства»Вступление.
Изобразительное искусство объединяет близкие друг другу живопись, графику, скульптуру, художественную фотографию. Оно едва ли не наиболее древние среди других видов искусства и, по существу, сопутствует человеку с доисторических времен.Еще в эпоху палеолита первобытные люди создали множество пещерных изображений, росписей и произведений прикладного искусства, воспроизводивших конкретные факты и явления повседневной жизни. Отличительная черта этих первых проявлений художественного дара человека – своеобразный, наивный реализм, зоркость наблюдений, неосознанное еще, но неодолимое стремление к освоению и познанию жизни в образной форме.От этих первых признаков пробудившейся в человеке жажды художественного освоения действительности изобразительное искусство, развиваясь на протяжении веков и тысячелетий в тесной связи с развитием общества и особенно его духовной культуры, получает все больше и большее распространение и раскрывает свои практически неисчерпаемые творческие возможности.Изобразительное искусство обладает особенностью запечатлевать жизнь в наглядной форме. При всех различиях, существующих между живописью, графикой, скульптурой, художественной фотографией, всем им свойственны и некоторые общие черты: в отличие от литературы и музыки, театра и кино, способных развернуть воспроизводимые события во времени, изобразительные искусства, лишенные этой возможности, придают, однако, изображаемым ими явлениям жизни непосредственную зримость.Но сила и значение изобразительных искусств состоят отнюдь не только в том, что они зримо изображают жизнь. Зримость и непосредственность изображения присущи и некоторым другим видам искусства, как, например, кинематографии, которую, однако, мы не относим к искусствам изобразительным. Важнейшая особенность изобразительного искусства состоит в свойственной ему удивительной способности передавать все многообразие и сложность жизни. Лишенные возможности непосредственно включать время в свою структуру, они выработали определенные способы выражения временных характеристик через пространственный ряд, колорит, сюжет и т.д. "Бурлаки" Репина, например, как и всякое произведение изобразительного искусства, как бы "остановили" жизнь на одно мгновение, но в этом мгновении художник сумел выразить в этих людях их прошлое, настоящее и ожидание будущего.
Живопись
По меткому замечанию художника К. Юона, "живое письмо или письмо о живом". На первый взгляд это может показаться парадоксальным: ведь живое письмо и письмо о живом совсем не одно и то же. Но в данном случае парадоксальность этого утверждения только кажущаяся. Словами " письмо о живом" художник раскрывает предмет живописи, а "живое письмо "- ее средства. В живописи передается форма предмета, его цвет, фактура материала, пространство, в котором находится изображаемый предмет. Поэтому живопись пользуется такими конкретными изобразительными средствами, как линия, цвет, светотень, воздушная и линейная перспектива и т.д. Эти изобразительные средства позволяют создать на плоскости иллюзию трехмерности, верно передать ощущение объемности предметов окружающего нас мира, сохранить и умножить многокрасочность природы и т.д. "На своих холстах, - писал Паустовский о Ван Гоге, - он изобразил землю. Он как бы промыл ее чудотворной росой, а она осветилась красками такой яркости и густоты, что каждое старое дерево превратилось в произведение скульптуры, а каждое клеверное поле - в солнечный свет, воплощенный во множестве скромных цветочных венчиков". Это - о Ван Гоге и в то же время - о живописи вообще.Живописец воссоздает реальный мир, используя для этой цели краски, накладываемые на специально подготовленную поверхность. Объемная, трехмерная, полная дыхания жизнь как бы застывает на двухмерной плоскости. Многокрасочное, переливающееся множеством оттенков, насыщенное игрой светотени полотно подлинного мастера рельефно передает в разнообразной цветовой палитре все богатство жизни. Не ведет к обеднению действительности и плоскостная живопись.Накладывая краски на холст или любую другую поверхность, живописец превращает их в цвет, создающий представление и о материальных качествах (фактуре) изображаемого предмета, и об его окраске, и т. д. Ввиду того, что явление жизни неоднокрасочных и неодноцветны, живопись изображает не только цвет каждого отдельного предмета, но и то сложное сочетание, которое образуют предметы, обладающие различным цветом, когда они расположены в определенном виде и даны в совокупности. Сочетание цветов, цветовая гармония и образуют в живописи колорит.Колорит имеет столь большое значение, что иные художники даже утверждают, будто вся живопись основана преимущественно на одном колорите. Они полагают, что впечатления, которые художник получает от жизни, в картине превращаются в "чисто колористические ценности". Конечно, без колорита нет живописи.Средствами колорита художник выражает содержание картины, вызывает определенное настроение при ее восприятии. И часто бывает так, что зритель еще не успевает вникнуть в сюжет, а колорит сразу же создает определенное психологическое отношение к картине, вызывает соответствующее чувства радости, настороженные и т.д. Благодаря колориту живопись вызывает в зрителе определенное настроение, сопереживание, понимание мыслей и чувства людей, которые изображены на картине.Но колорит - не самоцель в искусстве, а средство. Цветовая гамма, живописные качества картины приобретают большую или меньшую ценность в прямой зависимости от того, в какой мере они помогают раскрытию идейно - эстетического замысла.Такой является, например, гениальная картина В.Сурикова "Утро стрелецкой казни". Богатейшая цветовая гамма картины - ее темный, густой колорит, лиловый туман, белые рубахи стрельцов, мерцающие на их фоне отсветы огней - все это не "буйство красок ", а изумительное мастерство, которое ярчайше передает один из драматических моментов русской истории. Колористические решения в картине нашего современника Г.Нисского "120-й километр" поражает силой художественного видения мира. Сюжет картины не сложен - через реку переброшен мост, зритель видит его железную конструкцию, впадающую в него дорогу, перед ним открываются необозримые просторы, он видит в дымке неба борозду, оставленную самолетом. Но свежесть, чистота и прозрачность цветовой гаммы, ее тонов и оттенков наполняют картину высокой поэзией, выражают большое социальное звучание. Индийский общественный деятель Сохан Синг-Джош назвал "Песнь кули" С.Чуйкова выдающимся художественным произведением не потому, что это картина просто отличается отличным колоритом: в ней звучит песнь о душе человеческой.В известной работе Т.Салахова "Портрет композитора Кара Караевна" суровый колорит, построенный на резких контрастах крупных цветовых пятен, служит выявлению главного, чем интересен был художнику портретируемый, - его напряженной творческой мысли. В натюрмортах В. Стожарова колористические решения не отличаются внешней броскостью, но как раз при помощи хорошо организованного на полотне, не бьющего яркостью цвета художник, изображая домашнюю утварь, деревянные туески и другие атрибуты крестьянского быта, выражает красоту обыденного. В натюрмортах В.Стожарова цветовые решения служат утверждению радости бытия. Живописное произведение создается не одним цветом. Каркасом картины является рисунок. Рисунок передает форму предмета, его очертания. Нельзя умалять значения рисунка за счет преувеличения значения цвета. Теоретики антиреалистических течений в живописи, в частности сторонники абстрактного искусства, не только умаляют, а попросту игнорируют значение рисунка. Иные из них утверждают, будто цвет в живописи может играть такую же роль, что и звук в музыке: дело якобы заключается не в реалистическом изображении предметов окружающего нас мира, а в том, чтобы одним только цветом вызвать соответствующие ассоциации у зрителя.Живопись делится на монументальную и станковую. Монументальная живопись связана с архитектурой - это роспись фасадов зданий, стен, потолков и т.д. Это, как правило, крупные по своим размерам произведения с назначением архитектурных сооружений. Станковая живопись складывается из тех произведений, которые имеют самостоятельное значение, безотносительно к тому, где они будут выставлены, в музеях, Домах культуры или частных квартирах. Станковая живопись с архитектурой не связана.Понятие «монументальная живопись» применяется исключительно для обозначения вида искусств, а не для выражения монументальности, то есть значительности выраженных ею идей и в том отношении станковая живопись не менее монументальна. Высокими идеями и значительными художественными качествами должны в равной мере отличаться как монументальная, так и станковая живопись.Основными жанрами живописи является тематическая картина: историческая, батальная, мифологическая, бытовая (или, иначе, жанровая), а также портрет, пейзаж, натюрморт и т.д. Тематическая, или сюжетная, картина занимает ведущее место в советской живописи. Портрет – жанр, в котором не только (и даже не столько) передается внешнее сходство, но раскрывается внутренняя сущность портретируемого человека. На хорошем портрете человек порой даже более похож на себя, чем в жизни, ведь художник нередко делает явным то, что для самого портретируемого было тайной. В пейзаже через изображение природы выражается определенное человеческое состояние. Это верно применительно и к эпическому и к лирическому пейзажу. Каждый из них духовно обогащает, воспитывает в человеке чувство красоты. Широко охватывая явления жизни, живопись выступает в виде совокупности всех своих жанров, в том числе натюрмортного, анималистического и т.д.
Графика
Графика в первую очередь - это искусство рисунка. Графическое изображение, как правило, состоит из линий, штрихов, точек и т.д. По своей природе графическое изображение условнее живописного, хотя изобразительно – выразительные средства графики во многом те же, что и у живописи. В отличие от живописи цвет в графике преимущественно один (обычно черный), но существует графика, прибегающая и к помощи другого цвета. В графике используется также рисунок пятнами – изобразительного средство, широко примененное, например, в графических листах Мезерееля и Пророкова.Художники - графики могут создавать не только отдельные листы, но и целые серии рисунков, объединенных одной темой. Таковы, например, известные серии Д. Шмаринова «Не забудем, не простим», Б.Пророкова «Это не должно повториться». Листы этой серии Пророкова – «Хиросима», «Бабий Яр», «Голод» и другие – убедительное свидетельство широчайших возможностей графики. Не прибегая к помощи цвета, графика – искусство необычайно лаконичное – своими скупыми средствами может дать и действительно дает не менее значительные в идейно – эстетическом отношении картины жизни, чем живопись. Польский художник Жебровский, автор 85-и тысяч карикатур, говорит, что карикатура – это «люди изнутри», «со стороны характера». Какой же зоркостью глаза должен обладать график, чтобы 2 – 3 линиями вскрыть внутреннею суть человека! То, о чем говорит Жебровский, относится к карикатуре и, естественно, не может быть распространено на все жанры графики в таком виде. Но все же нечто общее для разных жанров графики здесь, по нашему мнению, схвачено.Графику можно делить на станковую и прикладную. Станковая графика, например гравюра, имеет самостоятельное значение. К прикладной относятся те жанры графики, которые связаны с другими видами деятельности или творчества, например промышленная графика или иллюстрация. К жанрам графики относятся все виды графического рисунка – книжная иллюстрация, плакат, карикатура, промышленная графика и т.д. Каждый из этих жанров отличается большой глубиной проникновения в изображаемое явление.Для примера сошлемся на иллюстрацию литературных произведений.Книжная графика – это не только оформление книги (обложка и суперобложка, титул, рисунок в начале и в конце текста и т.д.). Иллюстрация ставит задачей раскрыть идеи и образы произведения, внутренне соответствовать его глубинному содержанию. Иллюстрации, созданные Д.Шмариновым к « Войне и миру» Л.Толстого, О.Верейским к «Тихому Дону» М.Шолохова, Кукрыниксами к сочинениям А.Чехова, обогатили наше понимание и эмоциональное восприятие немеркнущих образов этих произведений. Однако книжная иллюстрация – не простая копия литературного текста, переведенного на язык графики, а самостоятельное художественное произведение, результат подлинного творчества. Необычайно интересна в этом отношении серия рисунков Б.Пророкова «Маяковский. Заграница». В них художник не стремился к простой передаче образов поэта графическим языком. Пророков показывает персонажей и ситуации заграничных произведений Маяковского такими, какими их увидел бы сам поэт в наше время, прослеживает образы Маяковского в динамике, проникает в прототипы созданий поэта и представляет их зрителю в том виде, который они обрели тридцать лет спустя. Так, на одном из рисунков Пророкова громадный негр размахнулся обрывком цепи, и, глядя на него, вы верите – он обретет свободу, против него старый мир колониализма и расизма не устоит. Рисунки полностью соответствуют смыслу стихов, Пророков глубоко вникает в образы Маяковского и в то же время в его рисунках – дух нашего времени.C.Антонов заметил, что художник Д.Дубинский своими его иллюстрациями к произведениям как бы помогал смотреть на них сквозь мощные окуляры, которые позволяли видеть свои собственные рассказы более богатыми, полнокровными. Именно такие окуляры дают читателю заграничных произведений Маяковского Пророков – его рисунки расширяют наше представление о хорошо известных нам стихах, наполняют их новым современным смыслом.Особое место в искусстве графики занимает плакат – большое публицистическое, агитационное искусство, отличающееся ясностью, броскостью, яркостью, сочетанием рисунка с литературным текстом, - боевой ответ средствам изобразительного искусства на наиболее острые и значительные злободневные политические вопросы Расширение круга воспроизведенных явлений жизни, большая смысловая наполненность, емкость произведения – важная тенденция современной графики. И в станковой графике, и в художественных иллюстрациях в рамки одного листа начинают вмещаться разные, хотя и сопутствующие друг другу сюжеты или разные грани одного сюжета. Так, Г.Поплавский один только лист «Семья» из серии «Память» решил почти как триптих. В центре листа мужчина и женщина, приникшие друг к другу в прощальном объятии. На левой части листа – колонна партизан, уходящая из деревни, на правой – окопы. Здесь и развитие событий, и видение этих событий главными действующими лицами.К искусству графики относится также карикатура и промышленная графика.Графика включает различные виды воспроизведения рисунка: гравюру - отпечаток рисунка с гравировальной доски; литографию – отпечаток с камня или с заменяющей его металлической пластинки. Это создает возможность широкого распространения графического рисунка во многих имеющих одинаковую ценность экземплярах, что делает графику гораздо более массовым искусством, чем живопись.Графика – необычайно оперативное искусство, оно идет по горячим следам событий самой жизни и с каждым днем все в большей мере входит не только в общественную жизнь, но и в быт людей.
Скульптура
Скульптура воспроизводит явления жизни в объемной форме. Скульптор создает задуманный им образ из твердых материалов – камня, бронзы, мрамора, определенных пород дерева – с учетом пластических возможностей каждого из них.Основным объектом изображение в скульптуре всегда было лицо и тело человека. В отличие от живописи и графики, изображающих не только человека, но и среду, в которой он живет, скульптура, особенно круглая, изображением среды в прошлом не интересовалась. Представлением о времени, образе эпохе скульптура в отличие от других искусств, как правило, всегда давала через непосредственное изображение человека.Современная скульптура расширяет свои изобразительные возможности, она обращается к прямому восприятию таких явлений и граней жизни, к которым в прошлом скульпторы не обращались. Не только сам человек, но и окружающая его среда становятся непосредственным объектом интересов скульптора.В 1952 году выдающийся наш скульптор В.И.Мухина утверждала, что скульптура не может изображать неодушевленные предметы, например, машины, материальные атрибуты среды и т.д. Но чаще именно эти стороны действительности скульпторы вводят в свои композиции. Так, например, в скульптурной группе «8-е Марта» Д. Митлянский показал не только трех человек, сидящих в президиуме собрания, и женщину – оратора, но и саму трибуну и стол, покрытый скатертью, и даже висящий над стеной лозунг «Да здравствует 8 Марта!». Скульптор ввел в свою композицию и две боковые стенки, ограждающие сцену. Или еще пример: А. Пологова в композиции «Семья колхозника Чувалова» сгруппировала членов этой колхозной семьи вокруг стола во время чаепития. И стулья, и стол, и вкомпонованный в него самовар - словом бытовая среда – все это выступает необходимым компонентом произведения. Назовем еще двухфигурную композицию А.Шатерника «Материнство»: молодая женщина и ребенок расположены на деревянном срубе (работа выполнена в алюминии), в руке женщины ветка с плодами. Но сруб здесь не просто пьедестал, и ветка – не просто образ плодоносящего дерева. Художник стремился вызвать у зрителя более глубокие ассоциации. И в том, что скульпторы проявляют большой интерес и к изображению среды и к более активной организации пространства – приметные черты современного пластического искусства.В скульптуре с большой силой проявляется гуманистическая природа искусства. Глубокий смысл заключен в том, что искусство скульптуры хотя и знало периоды упадка, но они всегда наблюдались в эпохи господства тирании и подавления человеческой личности. Весьма симптоматичны в этом отношении слова Микеланджело, сказанные им как бы от имени своей знаменитой скульптуры «Ночь»: «Мне отрадно спать и еще отраднее быть из мрамора. Пока длится царство пошлости и тирании, не видеть и не чувствовать – высшее для меня счастье. Поэтому не буди меня. Прошу тебя, говори тихо». Великий мастер очень верно усмотрел глубокую враждебность «царство пошлости и тирании» подлинно человеческому искусству скульптуры.В пластическом искусстве скульптуры выразительные средства подчинены задаче объемного воспроизведения человека в материале. По этому основными изобразительными средствами скульптуры являются объем, силуэт, пластика, ритм. Они используются таким образом, чтобы созданное художником произведение, просматривалось со всех сторон, а силуэт его четко рисовался в пространстве, был ограничено с ним, связан.Произведения скульптуры выступают в виде портрета или бюста (погрудного изображения), полуфигуры и фигуры или статуи (изображения в полный рост). Самым распространенным видом скульптуры является объемная круглая трехмерная скульптура, которую можно рассматривать со всех сторон. Наряду с круглой скульптурой существует еще и рельефно – выпуклое изображение на плоскости. По высоте выступающих из плоскости объемов различают высокий – горельеф, низкий – барельеф и обратный вогнутый - рельеф. Они могут служить и для оформления зданий, быть детально памятника и т.д.Примером удачного сочетания круглой скульптуры и рельефа является, скажем, памятник Минину и Пожарскому работы скульптора Мартоса, установленный в Москве. Фигуры Минина и Пожарского выполнены в круглой скульптуре, а рельеф на постаменте изображает отдельные эпизоды войны.В развитии художественной культуры особенно большое место занимает скульптура монументальная. К ней относят памятники, установленные на площадях, в парках и других общественных местах с целью увековечения выдающихся деятелей, людей науки и искусства, героев труда, а также важнейших событий. Монументальная скульптура связана с архитектурной или естественной средой: она должна хорошо просматриваться с любой точки и поэтому устанавливается на открытом месте. Ее очертания должны быть ясными и четкими, без чрезмерной детализации и вызывать у зрителя яркое впечатление. Монументальная скульптура в отличие от скульптурных произведений, находящихся в специальных помещениях, не рассчитана на близкое рассматривание.Движение в скульптуре, как правило, более сдержано, чем в живописи: статуя должна быть устойчивой, но объемность скульптуры позволяет представить динамичность очень выразительно. Эта динамичность – важнейшее средство характеристики человека. Так, в скульптурной группе В.Мухиной «Рабочий и колхозница» фигуры не только не кажутся застывшими, но они как бы движутся, и целеустремленностью движение определяется образное решение.Существенным элементом выразительности скульптуры является падающий на нее свет. Живописец изображает свет, а скульптор так обрабатывает материал, чтобы плоскости и грани статуи по – разному отражали свет. Он рассчитывает, как скульптура будет освещаться в различное время дня и т.д. Значение освещения как средства выразительности столь велико, что скульпторы даже считают, что свет может убить или возродить скульптуру.Существует скульптура малых форм. К ней относятся небольшие по размеру изделия из фарфора, керамики, статуэтки. Эти произведения нередко находятся на грани скульптуры и декоративно–прикладного искусства.
Искусство фотографии
Фотография завоевала прочное место в семье искусств и приносит большую эстетическую радость десяткам миллионов людей. Однако научному обоснованию природы в художественной фотографии, раскрытию ее специфических видовых особенностей и места среди других видов искусства, прежде всего среди других видов изобразительного искусства, в искусствоведческой литературе все еще уделяется недостаточное внимание.Фотография и искусство – самое сочетание этих слов в настоящее время еще нередко вызывает недоумение. Разве не стало традиционным употребление понятия «фотография», «фотографизм» в смысле натуралистического копирования явлений жизни? И хотя отождествление этих понятий отнюдь не является следствием анализа природы фотографического искусства, и споры вокруг этих понятий имеют большую давность, в среде художников и почитателей их мастерства слово «фотография» и в настоящее время нередко ошибочно рассматривается как нечто несовместимое с подлинным искусством.Младшая ветвь в семье изобразительных искусств, художественная фотография, не имитирует ни живописи, ни графики, в то же время ведет своим особым «языком» прекрасный, полноценный в художественном отношении «разговор» о жизни. Искусство фотографии вносит свой существенный вклад в создание художественной картины нашего времени.Разумеется, простая протокольная фотографическая фиксация жизненного факта может носить натуралистический характер. Но дело, прежде всего, заключается в том, что в самой фотографии заложены возможности преодоления простого копирования жизненных фактов, и тогда, когда она этого достигает, фотография правомерно становится искусством.Искусство фотографии обладает богатейшими возможностями глубокого проникновения в сущность жизненных явлений, но этого оно достигает своими, не свойственными другим видам искусства средствами. Александр Блок, оценивая фотопортрет Н.Ф.Монахова в роли Шейлока, сказал его автору М.Наппельбауму, что ему удалось в одном портрете запечатлеть все «маски Шейлока». В данном случае фотография оказалась способной создать тип.Сопоставим в этой связи фотографии с другими видами изобразительного искусства, например, с живописью и графикой. Как часто живописец или график, любовно выписывая детали изображаемых им фактах, наносит ущерб изображению подлинной правды жизни. Весьма показательная в этом отношении творческая неудача, постигшая в некоторых картинах талантливого художника А.Лактионова, любившего до скрупулезности, верно, выписывать детали; например скамейку и раскинувшееся над ней дерево, упуская из виду, что это заслоняет образ великого поэта («Вновь я посетил…»). Дискуссионной оказалась и картина «Обеспеченная старость». У нее много поклонников, но не меньше и противников. Противники не без оснований утверждают, что правдоподобие в картине оборачивается против правды; все в картине правдоподобно, она чуть ли не документальна, но привела ли эта «документальность» к эмоциональной насыщенности, к богатству мысли? От живописи или графики не только не требуется документальной точности изображения, она даже, напротив, нередко им противопоказана.Совсем иначе обстоит дело в фотографии. Фотография потому и является фотографией, что она точно фиксирует картины жизни в том виде, в коком они существуют, она всегда документальна. Но точная передача жизненных фактов не исключает участие творческой фантазии.В отличие от живописи фотограф-художник не прибегает к помощи деталей, созданных воображением. Во всех случаях объект изображения находится непосредственно перед глазом фотографа. Он использует те детали, те их сочетания, которые существуют в самой жизни, но это не означает бездумного перенесение фактов на пленку. Художественная фотография тоже результат творчески осуществленного отбора, отделение главного от второстепенного, существенного от незначительного, случайного, причем главное и существенное она находит в самой действительности. «Отсечением всего лишнего» занимается и художественная фотография. Она находит в самой жизни такие ее проявления, в которых нет ничего лишнего, отбирает в самой действительности. «Отсечением всего лишнего» занимается и художественная фотография. Она находит в самой жизни такие ее проявления, в которых нет ничего лишнего, отбирает в самой действительности такие факты, которые вызывают глубокие чувства и серьезные раздумья, - таков путь обобщения в художественной фотографии. Фотограф становится художником только тогда, когда он начинает глубоко понимать и правильно оценивать явления жизни, правильно устанавливать соотношения между ними, видеть место, которое каждое из них занимает. В результате такой оценки художник, творящий средствами фотоискусства, выделяет характерные стороны действительности.Искусство фотографии – искусство документальное. Но следует ли противопоставлять художественную фотографию хроникальной? Так, например, в кинематографии есть вид хроникально – документальный, и никто его не противопоставляет кинематографу художественному. Но если в кинематографии хроника – один из видов этого искусства, то в фотографии документальность – единственно возможная и необходимая форма воспроизведения жизни. Но хроника хронике рознь; также различной бывает и документальность в фотографии.Есть хроника, представляющая собой простую протокольную передачу событий и фактов, которая не согрета дыханием мыслей и чувств художника, и она, конечно, стоит вне искусства. Разумеется, и такая хроника имеет право на существование как важное информационное средство, но нас в данном случае должна интересовать и интересует такая хроника, которая является подлинно художественным произведением.Художественная фотография может быть глубоко реалистичной, если художник силой своего острого видения жизни способен увидеть в самой действительности наиболее поучительные факты и отношения. Подлинный художественный фотоснимок, подобно картине или гравюре, в статичном изображении жизни позволяет ощутить всю ее прелесть, ее движение, ее прошлое и будущее.Искусство – это образное видение. Такому видению вовсе не противопоказано прямое и непосредственное введение тех или иных кусков жизни в художественное произведение. И это, конечно, не натурализм.Когда хотят похвалить произведение искусства, обычно говорят: это вырванный из самой действительности кусок жизни. Но когда реальный кусок жизни нас волнует в фотографии, мы говорим: это подлинное искусство.
Список литературы.Беда Г.В. Живопись. – М.: Просвещение, 1986Беда Г.В. Основы изобразительной грамоты – Рисунок, живопись, композиция – 2-е издание, переработано и дополнено. – М.: Просвещение, 1981Волков Н.Н. Композиция в живописи. – М: Искусство, 1977Волков Н.Н. Цвет в живописи. – М.: Искусство, 1977Кирцер Ю.М. Рисунок и живопись – 2-е издание. – М.: Академия, 1998Сокольникова Н.М. Изобразительное искусство: учебник для учащихся 5 – 8 класс: в 4 ч. – М.,О.,Т., 1996Сокольникова Н.М. Изобразительное искусства и методика его преподавание в начальной школе. – М.: Академия, 2002Энциклопедия словарь юного художника. – М.: Педагогика, 1983Этюды об изобразительном искусстве/ М.Алпатов и др. –М: Просвещение, 1994Искусство: Живопись. Скульптура. Архитектура. Графика. Книга для учащихся в 3 ч. / М.Алпатов и др. – 4-е изд. – М.: Просвещение, 1987Зись А.Я. Виды искусства. – М.: Знание, 1979
school48kirov.ucoz.ru
Реферат - Виды и техники изобразительного искусства
Контрольная работа по культурологии на тему:
Виды и техники изобразительного искусства
План
1. Виды изобразительного искусства и их особенности
а)ГРАФИКА
б)ЖИВОПИСЬ
в)СКУЛЬПТУРА
2. Техники изобразительного искусства
3. Список литературы
1. Виды изобразительного искусства и их особенности
Одной из основных задач нашего общества, встающих перед системой современного образования, является формирование культуры личности. Актуальность этой задачи связана с пересмотром системы жизненных и художественно-эстетических ценностей. Формирование культуры подрастающего поколения невозможно без обращения к художественным ценностям накопленных обществом в процессе своего существования. Таким образом, становится очевидна необходимость изучения основ истории искусств.
Для того чтобы наиболее полно понять искусство определенной эпохи необходимо ориентироваться в искусствоведческой терминологии. Знать и понимать суть каждого из видов искусств. Только в случае владения категориально-понятийной системой человек сможет наиболее полно осознать эстетическую ценность памятников искусства.
Искусство (творческое отражение, воспроизведение действительности в художественных образах.) существует и развивается как система взаимосвязанных между собой видов, многообразие которых обусловлено многогранностью самого (реального мира, отображаемого в процессе художественного творчества.
Виды искусства — это исторически сложившиеся, формы творческой деятельности, обладающие способностью художественной реализации жизненного содержания и различающиеся по способам ее материального воплощения (слово в литературе, звук в музыке, пластические и колористические материалы в изобразительном искусстве и т. д.).
В современной искусствоведческой литературе сложились определенная схема и система классификации искусств, хотя единой до сих пор нет и все они относительны. Наиболее распространенной схемой является его деление на три группы.
В первую — входят пространственные или пластические виды искусств. Для этой группы искусств существенным является пространственное построение в раскрытии художественного образа — Изобразительное искусство, Декоративно-прикладное искусство, Архитектура, Фотография.
Ко второй группе относятся временные или динамические виды искусств. В них ключевое значение приобретает развертывающаяся во времени композиция — Музыка, Литература.
Третью группу представляют пространственно-временные виды, которые называются также синтетическими или зрелищными искусствами — Хореография, Литература, Театральное искусство, Киноискусство.
Существование различных видов искусств вызвано тем, что ни одно из них своими собственными средствами не может дать художественную всеобъемлющую картину мира. Такую картину может создать только вся художественная культура человечества в целом, состоящая из отдельных видов искусства.
Изобразительное искусство-группа видов художественного творчества, воспроизводящих визуально воспринятую действительность. Произведения искусства имеют предметную форму, не изменяющуюся во времени и пространстве. К изобразительному искусству относятся: живопись, графика, скульптура.
А) ГРАФИКА
Графика (в переводе с греческого — «пишу, рисую») — это, прежде всего рисунок и художественные печатные произведения (гравюра, литография). Она основана на возможностях создания выразительной художественной формы путем использования разных по окраске линий, штрихов и пятен, наносимых на поверхность листа.
Графика предшествовала живописи. Вначале человек научился запечатлевать очертания и пластические формы предметов, потом различать и воспроизводить их цвета и оттенки. Овладение цветом было историческим процессом: не все цвета были освоены сразу.
Специфика графики — линейные соотношения. Она, воспроизводя формы предметов, передает их освещенность, соотношение света и тени и т. д. Живопись запечатлевает реальные соотношения красок мира, в цвете и через цвет она выражает существо предметов, их эстетическую ценность, выверяет их общественное назначение, их соответствие или противоречие окружающему.
В процессе исторического развития в рисунок и в печатную графику стал проникать цвет, и теперь уже к графике относят и рисунок цветными мелками — пастель, и цветную гравюру, и живопись водяными красками -акварель и гуашь. В различной литературе по искусствознанию существуют различные точки мнения по поводу графики. В одних источниках: графика — это вид живописи, а в других — это отдельный подвид изобразительного искусства.
Б) ЖИВОПИСЬ
Живопись — плоскостное изобразительное искусство, специфика которого заключается в представлении при помощи красок, нанесенных на поверхность изображение реального мира, преобразованных творческим воображением художника.
Живопись подразделяется на:
— монументальную — фреска (от итал. Fresco) — живопись по сырой штукатурке красками разведенными на воде и мозаика (от французского mosaiqe) изображение из цветных камней, смальты (Смальта — цветное прозрачное стекло.), керамических плиток.
— станковую (от слова «станок») — полотно которое создается на мольберте.
Живопись представлена разнообразными жанрами (Жанр (французское genre, от лат. genus, родительный падеж generis — род, вид) — художественное, исторически сложившееся внутреннее подразделение во всех видах искусства.):
— Портрет — основная задача передать представление о внешнем облике человека, раскрыть внутренний мир человека, подчеркнуть его индивидуальность, психолого-эмоциональный образ.
— Пейзаж — воспроизводит окружающий мир во всем многообразии его форм. Изображение морского пейзажа определяется термином маринизм.
— Натюрморт — изображение предметов быта, орудий труда, цветов, фруктов. Помогает понять мировоззрение и уклад определенной эпохи.
— Исторический жанр — рассказывает об исторически важных моментах жизни общества.
— Бытовой жанр — отражает повседневную жизнь людей, нрав, обычаи, традиции того или иного этноса.
— Иконопись (в переводе с греческого «молитвенный образ») — основная цель направить человека на путь преображения.
-Анимализм — изображение животного, как главного героя художественного произведения.
В XX в. характер живописи меняется под влиянием средств технического прогресса (появление фото- и видео аппаратуры), что приводит к появлению новых форм искусства — Мультимедийное искусство.
В) СКУЛЬПТУРА
Скульптура — пространственно — изобразительное искусство, осваивающее мир в пластических образах.
Основными материалами, применяемыми в скульптуре, являются камень, бронза, мрамор, дерево. На современном этапе развития общества, техногенного прогресса расширилось количество материалов, используемых для создания скульптуры: сталь, пластик, бетон и другие.
Существует две основные разновидности скульптуры: объемная трехмерная (круговая) и рельеф:
— горельеф — высокий рельеф,
— барельеф — низкий рельеф,
— контррельеф — врезной рельеф.
По определению скульптура бывает монументальная, декоративная, станковая.
Монументальная — используется для украшение улиц и площадей города, обозначения исторически важных мест, событий и т.п. К монументальной скульптуре относятся:
— памятники,
— монументы,
— мемориалы.
Станковая — рассчитана на осмотр с близко расстояния и предназначена для украшения внутренних помещений.
Декоративная — используется для украшения быта (предметы мелкой пластики).
2. Техники изобразительного искусства
Техника живописи — совокупность приемов использования художественных материалов и средств.
Традиционные техники живописи: энкаустика, темперная, настенная (известковая), клеевая и других типов. С XV века становится популярной техника живописи масляными красками; в XX веке появляются синтетические краски со связующим веществом из полимеров (акрилик, винилик и др.). Гуашь, акварель, китайскую тушь и полурисовальную технику — пастель — также относят к живописи.
Акварель
Акварель — живопись акварельными красками. Основное качество акварели — прозрачность и воздушность изображения.
Акварель — одна из сложнейших живописных техник. Кажущиеся простота и легкость рисования акварелью обманчива. Акварельная живопись требует мастерства владения кистью, мастерства видения тона и цвета, знания законов смешивания цветов и нанесения красочного слоя на бумагу. В акварели существует множество приемов: работа по сухой бумаге, работа по сырой бумаге («A la Prima»), использование акварельных карандашей, туши, многослойная живопись, работа сухой кистью, заливка, смывание, использование мастихина, соли, применение смешанной техники.
Акварель, несмотря на кажущиеся простоту и легкость рисования, сложнейшая живописная техника. Акварельная живопись требует мастерства владения кистью, мастерства видения тона и цвета, знания законов смешивания цветов и нанесения красочного слоя на бумагу.
Для акварельной работы бумага является одним из важнейших материалов. Важно ее качество, тип, рельеф, плотность, зернистость, проклейка. В зависимости от качеств бумаги акварельные краски по-разному наносятся на бумагу, впитываются, высыхают.
В акварели существует множество художественных приемов: работа по сырой бумаге («A la Prima»), работа по сухой бумаге, заливка, смывание, использование акварельных карандашей, туши, работа сухой кистью, использование мастихина, соли, многослойная живопись, применение смешанной техники.
Техника по мокрому использует растекание акварели и создает необычные цветовые эффекты. Использование этого приема требует знания степени влажности бумаги и опыта использования самого приема.
Заливка — очень интересный прием в акварели. Плавные переходы цветов позволяют эффектно изображать небо, воду, горы.
Мастихин используется не только в живописи маслом, но и в акварельной живописи. Мастихином можно подчеркивать очертания гор, камней, скал, облаков, морских волн, изображать деревья, цветы.
Впитывающие свойства соли используются для получения интересных эффектов в акварели. С помощью соли можно украсить луг цветами, получить подвижную воздушную среду в картине, движущиеся тональные переходы.
Многослойная живопись насыщенна по цвету. В многослойной живописи используются все художественные приемы работы с акварелью.
Карандаш
Карандаш — материал для рисования. Различают карандаши чернографитные и цветные. Рисунок карандашом выполняется на бумаге с использованием штриховки, тональных пятен, передачи светотени.
Акварельные карандаши — вид цветных карандашей, водорастворимы. Приемы использования акварельных карандашей разнообразны: размывание рисунка акварельным карандашом водой, работа намоченным в воде акварельным карандашом, работа карандашом по мокрой бумаге, и др.
рисунок выполнять сложнее.
С помошью карандаша можно получить бесконечно много оттенков, градаций тона. В рисунке используются карандаши различные по степени мягкости.
Начинают работу над графическим рисунком с конструктивного рисунка, т.е. рисунка внешних контуров предмета с использованием линий построения, обычно карандашом средней мягкости H, HB, B, F, далее в тоновом рисунке, в котором уже отсутствуют линии контуров предметов, а границы предметов обозначаются штриховкой, при необходимости используют более мягкие карандаши. Самый твердый это 9H, самый мягкий 9B.
В рисунке карандашом желательно как можно меньше делать исправлений и аккуратно использовать стирательную резинку, чтобы не оставить пятна, так рисунок будет выглядеть свежим и аккуратным. Растушевкой в карандашном рисунке лучше не пользоваться по тем же причинам. Для нанесения тона применяется прием штриховки. Штрихи могут быть различными по направлению, длине, разряженности, нажиму карандаша. Направление штриха (горизонтальное, вертикальное, наклонное) определяется формой, размерами предмета, движением поверхности в рисунке.
Портрет карандашом получается очень реалистичным и наполненным светом. Ведь с помощью карандаша можно передать множество оттенков, глубину и объемность изображения, переходы светотени.
Рисунок карандашом закрепляется фиксативом, так рисунок не теряет свою четкость, не размазывается даже при его касании рукой и сохраняется надолго.
Масло
Живопись маслом на холсте — самая популярная техника живописи. Живопись маслом дает мастеру безграничное число способов изображения и передачи настроения окружающего мира. Пастозные или воздушные прозрачные мазки, сквозь которые виден холст, создание рельефа мастихином, лессировка, использование прозрачных или кроющих красок, различные вариации смешивания цветов — все это многообразие приемов живописи маслом позволяет художнику найти и передать настроение, объем изображаемых предметов, воздушной среды, создать иллюзию пространства, передать богатство оттенков окружающего мира.
Масляная живопись имеет свою особенность — картина пишется в несколько слоев (2-3), каждому слою необходимо высохнуть несколько дней в зависимости от используемых материалов, поэтому обычно картина маслом пишется от нескольких дней до нескольких недель.
Наиболее приемлемым для масляной живописи является льняной холст. Льняное полотно прочное, отличается живой фактурой. Льняные холсты бывают различной зернистости. Для портрета и живописи с детальной прорисовкой используют мелкозернистый, более гладкий холст. Крупнозернистый холст подойдет для живописи с выраженной фактурой (камни, скалы, деревья), пастозной живописи и живописи мастихином. Ранее в живописи использовалась техника лессировок, нанесения красок тонкими слоями, поэтому шероховатость льняного слоя придавала картине изящность. Сейчас в живописи часто используется техника пастозных мазков. Тем не менее, качество холста важно для выразительности картины.
Хлопковый холст — прочный и недорогой материал, подходит для живописи пастосными мазками.
В живописи маслом используются также такие основы как мешковина, фанера, оргалит, металл, и даже бумага.
Холсты бывают натянуты на картон и на подрамник. Холсты на картоне тонкие и обычно не бывают больших размеров, и не превышают размера 50*70. Они легкие и удобные в транспортировке. Холсты на подрамнике более дорогие, готовые холсты на подрамнике могут достигать размера 1,2м на 1,5м. Законченная картина оформляется в раму.
Перед работой маслом холсты проклеивают и грунтуют. Это необходимо для того, чтобы масляная краска не разрушала холст, и чтобы краска хорошо легла на холст.
Картины масляными красками чаще всего пишут, устанавливая холст на мольберте. В масляной живописи используют технику работы мастихином. Мастихин — инструмент из гибкой стали в виде ножа или лопатки с изогнутой ручкой. Разная форма мастихина помогает добиться различной фактуры, рельефности, объемности. Мастихином можно также наносить ровные, гладкие мазки. Лезвие мастихина можно также использовать для создания тонких линий — вертикальных, горизонтальных, хаотичных.
Пастель
Пастель — один из очень необычных видов изобразительных материалов. Живопись пастелью воздушна и нежна. Тонкость и изящество техники пастели придает картинам живость, где-то сказочность и волшебство. В технике «сухой» пастели широко используется приём «растушёвки», что придаёт эффект мягких переходов и нежности цвета. Пастель наносится на шероховатую бумагу. Цвет бумаги имеет значение. Фоновый цвет, проступая сквозь штрихи пастели, вызывает определённое настроение, ослабляя или усиливая цветовые эффекты рисунка. Картины пастелью закрепляются фиксативом и хранятся под стеклом.
Техника пастели приобрела широкую популярность и достигла своего расцвета в XVIII веке. Пастель обладает свойством придавать любому сюжету необыкновенную мягкость и нежность. В этой технике можно делать любые сюжеты – от пейзажей до рисунков людей.
Преимущества пастели — в большой свободе для художника: она позволяет снимать и перекрывать целые живописные слои, в любой момент прекращать и возобновлять работу. Пастель соединяет возможности живописи и рисунка. Ею можно рисовать и писать, работать штриховкой или живописным пятном, сухой и мокрой кистью.
Приемы работы пастелью разнообразны. Пастельные штрихи втираются пальцами, специальными растушками, кожаными валиками, шелковыми квадратными щеточками-кистями, мягкими тампонами. Техника пастели очень тонкая и сложная в своих наложениях пастельной «лессировкой» цвета на цвет. Пастель накладывается пятнами, штрихами, лессировками.
Для работы пастельными карандашами необходимы основания, удерживающие пастель, препятствующие ее осыпанию. Пастелью работают на шероховатых сортах бумаги, таких как «торшон», ватман, наждачная, на рыхлом, ворсистом картоне, замше, пергаменте, холсте. Наилучшим основанием является замша, на которой написаны некоторые ставшие классическими произведения. Рисунки пастелью закрепляют специальными фиксативами, препятствующими осыпанию пастели.
Непревзойденным мастером пастели был Эдгар Дега. Дега обладал острым глазом и непогрешимым рисунком, что позволило ему добиться в пастели невиданных эффектов. Никогда еще рисунки пастелью не были так трепетны, виртуозно небрежны и так драгоценны по цвету. В своих поздних работах, напоминающих праздничный калейдоскоп огней, Э.Дега был одержим желанием передать ритм и движение сцены. Чтобы придать краскам особый блеск и заставить их светиться, художник растворял пастель горячей водой, превращая ее в некое подобие масляной краски, и кистью наносил ее на холст. В феврале 2007-го на аукционе Sotheby’s в Лондоне пастель Дега «Три танцовщицы в фиолетовых юбках» была продана за $7, 87 млн. В России в
пастели работали такие мастера, как Репин, Серов, Левитан, Кустодиев, Петров-Водкин.
Сангина
Цветовая гамма сангины, материала для рисования, от коричневого до близкого к красному. С помощью сангины хорошо передаются тона человеческого тела, поэтому выполненные сангиной портреты выглядят очень естественно. Техника рисунка с натуры с помощью сангины известна начиная с эпохи Возрождения (Леонардо да Винчи, Рафаэль). Нередко сангину сочетают с углём или итальянским карандашом. Для обеспечения большей долговечности рисунки сангиной закрепляются фиксативом или помещаются под стекло.
Сангина известна еще с античности. Именно тогда сангина позволила ввести в рисунок цвет телесного цвета. Широкое распространение техника рисунка сангиной получила в Эпоху Возрождения. Художники Возрождения разработали и широко использовали технику «трех карандашей»: они наносили рисунок сангиной или сепией и углем на тонированною бумагу, а затем белым мелом высветляли нужные участки.
Слово «сангина» происходит от латинского «сангвинеус» — «кроваво-красный». Это карандаши красно-коричневых тонов. Сангина изготавливается из тонкоперетертой жженой сиены и глины. Как пастель, уголь и соус, сангина является мягким материалом, которому при производстве придается форма четырехгранных или круглых мелков.
С помощью сангины хорошо передаются тона человеческого тела, поэтому выполненные сангиной портреты выглядят очень естественно.
Техника работы сангиной характерна сочетанием широких мазков и растушевок со штрихами остро заточенных брусочков сангины. Красивые рисунки сангиной получаются на тонированном фоне, особенно когда к основному материалу добавляются уголь и мел (техника «трех карандашей»).
Для рисунка выбирают сангину такого оттенка, который лучше отвечает особенностям натуры. Например, обнаженное тело хорошо рисовать красноватой сангиной, а пейзаж — сангиной серовато-коричневой или цвета сепии.
Иногда сангину комбинируют с углем, дающим холодные оттенки. Контраст теплых и холодных оттенков придает особое очарование таким работам.
Для обеспечения большей долговечности рисунки сангиной можно закрепить фиксативом или поместить под стекло.
Темпера
Темпера (от латинского «temperare» — соединять) — связующее вещество красок, состоящее из натуральной или искусственной эмульсии. До усовершенствования масляных красок Я. Ван-Эйком (XV век) средневековая яичная темпера была одним из наиболее популярных и распространенных видов живописи в Европе, но постепенно она утратила свое значение.
Во второй половине XIX века разочарование, наступившее в позднейшей масляной живописи, послужило началом поисков новых связующих веществ для красок, и забытая темпера, хорошо сохранившиеся произведения которой красноречиво говорят за себя, снова привлекает к себе интерес.
В противоположность масляной живописи и старинной темпере новая темпера не требует от живописца определенной системы выполнения живописи, предоставляя ему в этом отношении полную свободу, которую он может использовать без всякого ущерба для прочности живописи. Темпера в отличие от масла быстро высыхает. Темперные картины, покрытые лаком, по красочности не уступают масляной живописи, а в отношении неизменяемости и долговечности, темперные краски даже превосходят масляные.
Материалы и техники графики разнообразны, но, как правило, основой является бумажный лист. Цвет и фактура бумаги играют большую роль. Красочные материалы и техники определяются видом графики.
Станковая графика в зависимости от характера техники подразделяется на два типа: эстамп и рисунок.
Эстамп — от французского estamper — штамповать, оттискивать — оттиск на бумаге. Первоначальное изображение делается не непосредственно на бумаге, а на пластине какого-либо твердого материала, с которой потом рисунок печатается, оттискивается с помощью пресса. При этом можно получить не один экземпляр оттиска, а много, то есть тиражировать графическое изображение. Печатание применяется и в прикладной графике, в плакате, книжной иллюстрации. Но там печатная форма изготавливается с оригинала, выполненного художником, фотомеханическим, машинным путем. В станковой же графике для эстампа печатная форма создается самим художником, поэтому получается ряд экземпляров подлинных произведений
искусства одинаковой художественной ценности, полностью сохраняющих живой и непосредственный отпечаток творческой работы автора.
Сам процесс создания печатной формы из какого-либо твердого материала — дерева, металла, линолеума — называется гравированием (от французского слова graver — вырезать). Рисунок создается с помощью вырезания, процарапывания каким-либо острым инструментом — иглой, резцом. Произведения графики, отпечатанные с гравировальной печатной формы, называют гравюрой.
плоская гравюра — рисунок и фон находятся на одном уровне;
выпуклая гравюра — краска покрывает поверхность рисунка — рисунок выше уровня фона;
углубленная гравюра — краска заполняет углубления, рисунок ниже уровня фона.
В зависимости от материала, из которого создается печатная форма различают разные виды гравюры:
Литография — печатной формой является поверхность камня (известняка). Камень очень гладко полируется и обезжиривается. Изображение на литографический камень наносится специальной жирной литографической тушью или карандашом. Камень смачивается водой, далее накатывается краска, пристающая только к ранее нанесенному рисунку. Литография изобретена в 1798 году. В 19 веке получает распространение в станковой и социально-критической журнальной графике. (Французский художник Оноре Домье: «Опустите занавес, фарс сыгран» 1834г., «Улица Транснонен, 15 апреля 1834 года» 1834г., с 1837 по 1851г. — приблизительно 30 литографических серий — «Робер Манер», «Парижские типы», «Добропорядочный буржуа», «Деятели правосудия».)
Альграфия — плоская печать, техника исполнения аналогична литографии, но вместо камня используется алюминиевая пластина.
Ксилография — гравюра на дереве, вырезается специальным резцом. Краска накатывается на плоскость исходной доски. При печати на бумаге белыми остаются участки, вырезанные резцом. Оттиски представляют собой контурный рисунок толстыми черными линиями. Ксилография появилась в средние века в связи с необходимостью книгопечатания. (Германские художники Альбрехт Дюрер: «Четыре всадника» 1498г. и Ганс Гольбейн Младший серия гравюр «Образы смерти» 1524-1525г.г. )
Линогравюра — гравюра на линолеуме. По технике очень близка к ксилографии. Линолеум — недорогой, доступный материал. Линогравюры более просты в исполнении по сравнению с ксилографией из-за синтетического происхождения используемого материала (однородность, отсутствие мешающих резцу искусственных волокон).
Гравюра по металлу выполняется на цинке, меди, железе, стали. Гравюра по металлу делится на печать с травлением и безтравления. Существует большое количество техник этого вида гравюры — техника сухой иглы (наиболее близка к авторской графике, так как не имеет большого тиража), меццо-тинто («черная печать»), офорт, акватинта, мягкий лак (или срывной лак).
Офорт — от французского eau-forte — азотная кислота. Рисунок процарапывается гравировальной иглой в слое кислотно-упорного лака, покрывающего металлическую пластину. Поцарапанные места протравливаются кислотой, а полученное углубленное изображение заполняется краской и оттискивается на бумагу. (Французский художник Жак Калло: серия «Большие бедствия войны» 1633г., серия «Низшие» 1622г.)
Сухая игла — рисунок наносится непосредственно на металл, путем процарапывания острием твердой иглы штрихов на поверхности металлической доски.
Меццо-тинто — от итальянского mezzo — средний и tinto — окрашеный. Вид углубленной гравюры, в которой поверхности металлической доски гранильником придается шероховатость, дающая при печати сплошной черный фон. Участки доски, соответствующие светлым местам рисунка выскабливаются, выглаживаются, полируются.
Акватинта — от итальянского aquatinta — метод гравирования, основанный на протравливании кислотой поверхности металлической пластины с наплавленной асфальтовой или канифольной пылью и с изображением нанесенным с помощью кисти кислотоотталкивающим лаком. Имеет огромное количество оттенков от черного до белого.
Что касается техники скульптуры, то ее виды можно группировать по различным принципам. Согласно одному принципу технику скульптуры можно разбить на три следующие группы:
Когда рука художника заканчивают всю работу (обработка глины, камня, дерева).
Когда работу художника заканчивает огонь (керамика).
Когда художник дает только модель будущей статуи (отлив в бронзе).
Согласно другому принципу техника скульптуры распадается на три, но уже другие основные группы:
Лепка в мягких материалах (воск, глина) — техника, которую мы называем в узком смысле «пластикой».
Обработка твердых материалов (дерево, камень, слоновая кость), или «скульптура» в прямом смысле этого слова.
Отливка и чеканка в металле.
Список литературы
1. А. В. Луначарский Об изобразительном искусстве
2. Л. А. Неменская Изобразительное искусство. Искусство в жизни человека
www.ronl.ru
Доклад на тему "Виды изобразительного искусства"
«Виды изобразительного искусства» Изобразительное искусство объединяет близкие друг другу живопись, графику, скульптуру, художественную фотографию. Оно едва ли не наиболее древние среди других видов искусства и, по существу, сопутствует человеку с доисторических времен. Еще в эпоху палеолита первобытные люди создали множество пещерных изображений, росписей и произведений прикладного искусства, воспроизводивших конкретные факты и явления повседневной жизни. Отличительная черта этих первых проявлений художественного дара человека – своеобразный, наивный реализм, зоркость наблюдений, неосознанное еще, но неодолимое стремление к освоению и познанию жизни в образной форме. От этих первых признаков пробудившейся в человеке жажды художественного освоения действительности изобразительное искусство, развиваясь на протяжении веков и тысячелетий в тесной связи с развитием общества и особенно его духовной культуры, получает все больше и большее распространение и раскрывает свои практически неисчерпаемые творческие возможности. Изобразительное искусство обладает особенностью запечатлевать жизнь в наглядной форме. При всех различиях, существующих между живописью, графикой, скульптурой, художественной фотографией, всем им свойственны и некоторые общие черты: в отличие от литературы и музыки, театра и кино, способных развернуть воспроизводимые события во времени, изобразительные искусства, лишенные этой возможности, придают, однако, изображаемым ими явлениям жизни непосредственную зримость. Но сила и значение изобразительных искусств состоят отнюдь не только в том, что они зримо изображают жизнь. Зримость и непосредственность изображения присущи и некоторым другим видам искусства, как, например, кинематографии, которую, однако, мы не относим к искусствам изобразительным. Важнейшая особенность изобразительного искусства состоит в свойственной ему удивительной способности передавать все многообразие и сложность жизни. Лишенные возможности непосредственно включать время в свою структуру, они выработали определенные способы выражения временных характеристик через пространственный ряд, колорит, сюжет и т.д. "Бурлаки" Репина, например, как и всякое произведение изобразительного искусства, как бы "остановили" жизнь на одно мгновение, но в этом мгновении художник сумел выразить в этих людях их прошлое, настоящее и ожидание будущего.
Просмотр содержимого документа «Доклад на тему "Виды изобразительного искусства"»
«Виды изобразительного искусства»
Изобразительное искусство объединяет близкие друг другу живопись, графику, скульптуру, художественную фотографию. Оно едва ли не наиболее древние среди других видов искусства и, по существу, сопутствует человеку с доисторических времен.Еще в эпоху палеолита первобытные люди создали множество пещерных изображений, росписей и произведений прикладного искусства, воспроизводивших конкретные факты и явления повседневной жизни. Отличительная черта этих первых проявлений художественного дара человека – своеобразный, наивный реализм, зоркость наблюдений, неосознанное еще, но неодолимое стремление к освоению и познанию жизни в образной форме.От этих первых признаков пробудившейся в человеке жажды художественного освоения действительности изобразительное искусство, развиваясь на протяжении веков и тысячелетий в тесной связи с развитием общества и особенно его духовной культуры, получает все больше и большее распространение и раскрывает свои практически неисчерпаемые творческие возможности.Изобразительное искусство обладает особенностью запечатлевать жизнь в наглядной форме. При всех различиях, существующих между живописью, графикой, скульптурой, художественной фотографией, всем им свойственны и некоторые общие черты: в отличие от литературы и музыки, театра и кино, способных развернуть воспроизводимые события во времени, изобразительные искусства, лишенные этой возможности, придают, однако, изображаемым ими явлениям жизни непосредственную зримость.Но сила и значение изобразительных искусств состоят отнюдь не только в том, что они зримо изображают жизнь. Зримость и непосредственность изображения присущи и некоторым другим видам искусства, как, например, кинематографии, которую, однако, мы не относим к искусствам изобразительным. Важнейшая особенность изобразительного искусства состоит в свойственной ему удивительной способности передавать все многообразие и сложность жизни. Лишенные возможности непосредственно включать время в свою структуру, они выработали определенные способы выражения временных характеристик через пространственный ряд, колорит, сюжет и т.д. "Бурлаки" Репина, например, как и всякое произведение изобразительного искусства, как бы "остановили" жизнь на одно мгновение, но в этом мгновении художник сумел выразить в этих людях их прошлое, настоящее и ожидание будущего.
kopilkaurokov.ru
Реферат Изобразительное искусство
скачатьРеферат на тему:
План:
- Введение
- 1 Классификация
- 2 Особенности
- 3 Средства
- 4 Влияние Примечания
Введение
Мона Лиза — одна из наиболее известных картин Европы.
Изобрази́тельное иску́сство — специфический вид художественного творчества, создание зрительно воспринимаемых фиксированных[источник не указан 136 дней] рукотворных художественных форм; родовое[источник не указан 136 дней] понятие, объединяющее различные виды живописи, графики и скульптуры.[1]
1. Классификация
Изобразительные искусства классифицируют по объектам приложения творческих усилий, используемым художественным и техническим средствам и исторически сложившимся концепциям творчества
- скульптура
- глиптика
- живопись
- графика
- граффити
- фотоискусство
- спрей-арт
- цифровая живопись
- компьютерная графика
- декоративно-прикладное искусство
- микроминиатюра
- каллиграфия
- дизайн
- татуировка
- Памятник
Архитектура как дизайн строений все же не относится к изобразительному искусству в строгом смысле, но постоянно взаимодействует и находится в стилистическом соответствии с ним. К изобразительному искусству, с достаточной мерой условности, относят действия акционизма и некоторые другие визуальные произведения неопределённой принадлежности.
2. Особенности
Картины Огюста Ренуара
Для изобразительного искусства характерны произведения, эстетическая ценность и образность которых воспринимается чисто зрительно. Произведения изобразительного искусства могут быть беспредметны и даже нематериальны, (заставка на экране, гарнитура книжного шрифта), но, независимо от материальности и предметности, типичные произведения изобразительного искусства обладают чертами объекта (ограниченностью в пространстве, стабильностью во времени). Способность генерировать объекты — важнейшее свойство изобразительного искусства, связанное с его происхождением, определившее его историю и обуславливающее его развитие. Изобразительное искусство либо создаёт самостоятельные объекты, не имеющие утилитарной ценности (скульптура, живопись, графика, фотоискусство), либо эстетически организует объекты утилитарного назначения и информационные массивы (декоративно-прикладное искусство, дизайн). Изобразительное искусство активно влияет на восприятие предметного окружения и виртуальной реальности.
3. Средства
Художественными средствами изобразительного искусства в разных его видах являются обращения ко всем аспектам зрительного восприятия (объём, пластика, цвет, светотень, фактура и пр.) — изобразительные средства — и выразительные средства, связанные с характером образности произведения (сюжетно-ассоциативный комплекс). Совокупность характерных для определённого вида или произведения изобразительных средств и специфика их применения называется изобразительным языком.
4. Влияние
Изобразительное искусство предельно исторично и специфично[источник не указан 136 дней] для этнокультурных сообществ (религиозный запрет на фигуративность[источник не указан 136 дней] определил его характер в культурах иудаизма и ислама, возникновение пейзажного жанра обусловлено урбанизацией[источник не указан 136 дней]и т. д.). Вместе с тем эстетическое качество произведений совершенно не зависит от времени и условий их возникновения и доступно восприятию инокультурного человека, достаточно развитого эстетически.
Произведения изобразительного искусства, наряду с архитектурой и скульптурой[источник не указан 136 дней] , являются единственными сохранившимися до наших дней свидетельствами духовной культуры многих исчезнувших цивилизаций. По современным археологическим данным изобразительное искусство возникает в начале верхнего палеолита (ориньяк) и ассоциировано с появлением человека современного типа. Источниками изобразительных форм были «натуральные макеты» охотничьей добычи, цветные отпечатки рук, «макароны» (сплетения параллельных линий, нанесённые пальцами на стены пещер) и некоторые другие продукты деятельности древнего человека. Практически одновременно возникают монументальная живопись на стенах пещер, первобытные формы графики и скульптура. Развивается анималистический жанр (основной корпус произведений каменного века) и изображения человека (палеолитические «Венеры», позже — сцены охоты).
Изобразительным искусством немедленно осваиваются новые отрасли человеческой деятельности. Совершенствование материальной культуры в мезолите и неолите приводит к зарождению декоративно-прикладного искусства в различных видах. Возникновение в историческое время письменности приводит к появлению каллиграфии. В цивилизациях Древнего мира изобразительные искусства присутствуют уже в значительном жанровом разнообразии, приобретают выраженную этнокультурную специфику, подвергаются теоретическому осмыслению. Формируются развитые представления об авторстве. Изобразительные искусства развивались в тесной связи с архитектурой и письменностью, регулировались канонами древности и «большими стилями» Средних веков и Нового времени. Эти периоды ознаменованы распространением тиражной графики, экспоненциальным развитием живописи и скульптуры, возникновением и обособлением новых жанров.
На рубеже XIX—XX вв. появляется фотоискусство, оформляется, в современном представлении, дизайн; в традиционных видах намечаются новые неизобразительные направления. В двадцатом веке изобразительное искусство переживает невиданно интенсивный обмен с динамическими видами искусства. Его методы и технологии экспортируются в киноискусство (мультипликация). В то же время акционизм и родственные ему направления вовлекают в изобразительную сферу развёрнутые во времени процессы.
На протяжении двадцатого века продолжают возникать новые виды и подвиды изобразительного искусства, в том числе — связанные с виртуальной реальностью.
Изобразительные искусства являются одной из номинаций Дельфийских Игр.
Примечания
- http://slovari.yandex.ru/dict/krugosvet/article/f/f5/1010179.htm - slovari.yandex.ru/dict/krugosvet/article/f/f5/1010179.htm
Персоналии
- Скульпторы
- Художники
- Коллекционеры искусства
wreferat.baza-referat.ru
изобразительные искусства - Рефераты по культурологии - Культурология - Каталог файлов
Содержание
Общая характеристика изобразительных искусств.. 3
Живопись и графика.. 4
Скульптура.. 9
Фотография.. 13
Список используемой литературы... 14
Изобразительными искусствами называется группа видов художественного творчества (живопись, графика, скульптура, художественная фотография), воспроизводящих конкретные явления жизни в их видимом предметном облике. В изобразительном искусстве художественный образ воплощает зрительное восприятие мира в пространстве и на плоскости, не развиваясь во времени так, как это происходит в литературе или в музыке. Однако, это не значит, что мир фиксируется статично. Произведения изобразительного искусства способны передать динамику жизни, воссоздавать духовный облик человека. Выхватывая из действительности порой одно мгновение, художник способен сделать в нем большой силы обобщение, показать самое существенное и типичное. Поэтому, глядя на картину или на скульптуру, можно представить, что предшествовало данному моменту и что произойдет в последующем.
Основными видами изобразительного искусства являются живопись, графика и скульптура. Границы между ними имеют относительный характер, они связаны между собой целым рядом переходных форм.
Живопись представляет собой вид изобразительного искусства, произведения которого создаются на плоскости с помощью красок и цветных материалов. Основными изобразительными средствами и приемами в передаче тончайших нюансов действительности является система цветовых сочетаний (колорит). Живопись разделяется на монументальную (роспись фасадов зданий, стен, потолков) и на станковую (собственно картины).
Основными жанрами живописи являются: пейзаж (изображение природы, сельский, городской, индустриальный пейзаж), натюрморт, демонстрирующий естественные предметы (цветы, фрукты, дичь, рыба, бытовые вещи и т.д.), сюжетно-тематическая картина — исторического, батального, жанрово-бытового, анималистического содержания.). Особое место в живописи занимает миниатюра, представляющая собой живописное произведение небольшого формата, исполненное на бумаге, металле, кости, фарфоре, дереве. Миниатюры выполнялись гуашью, акварелью, эмалью, маслом, лаком, темперой.
Еще одним видом изобразительного искусства является графика. Она основана на однотонном рисунке и использует в качестве основного изобразительного средства контурную линию, точку, штрих, пятно. В зависимости от назначения графика делится на станковую, представляющую оригинальные произведения, имеющие самостоятельное значение и на прикладную-печатную включающую в себя гравюру, литографию, офорт, карикатуру и т. д.
Скульптура также является видом изобразительного искусства. Она воспроизводит действительность в объемно-пространственных формах.
Основными материалами, применяемыми в скульптуре, являются камень, бронза, мрамор, дерево. По своему содержанию, по трактовке образов и форм скульптура делится на монументальную (памятник, монумент, многофигурный рельеф), станковую (портрет, жанровые сцены, статуи), скульптуру малых форм (игрушки, медальное искусство, резьба по камню).
По форме изображения различают: объемную трехмерную скульптуру, то есть допускающую измерение по высоте, толщине, ширине, обход со всех сторон и различные рельефно-выпуклые изображения на плоскости. В свою очередь рельеф подразделяется на барельеф (низкий), применяемый на монетах и медалях; горельеф (высокий), используемый в монументальной и станковой скульптуре; контррельеф (вогнутый), применяемый на печатях и различных формах. Практически все жанры и формы скульптуры окончательно сложились в период греческой античности, оставив человечеству в полном смысле этого слова «классические образцы».
Необходимо несколько слов сказать и об относительно молодом изобразительном искусстве фотографии. Сегодня фотографический снимок — это не просто копия внешнего облика явления на пленке. Художник-фотограф, путем выбора объекта фотографирования, освещения, специального наклона аппарата может создать осмысленный, подлинно художественный образ. В конце XX в. художественная фотография по праву заняла свое, особое место в ряду изобразительных видов искусства.
Живопись — изображение на плоскости картин реального мира, преобразованных творческим воображением художника; выделение элементарного и наиболее популярного эстетического чувства — чувства цвета в особую сферу и превращение его в одно из средств художественного освоения мира.
В древней живописи соотношение изображаемых явлений было не столько пространственным, сколько смысловым. На острове Чэм (Австралия, залив Карпентария) в древней пещере на белой стене черной и красной краской нарисованы кенгуру, преследуемые тридцатью двумя охотниками, из которых третий по порядку ростом вдвое выше остальных, так как изображает вождя. Первобытный художник-охотник был сосредоточен на том, что составляло источник его жизни. Он был великолепным анималистом. Анатомия животных была ему хорошо известна. В пещерной живописи изображения зверей поражают точностью форм, глубоким знанием строения их тела и повадок. Чтобы убить животное, нужно было знать его уязвимые места и манеру поведения; чтобы разделать тушу убитого животного, нужно было знать его строение, а сама разделка служила наглядным уроком анатомии. Запечатлевая охотничий опыт народа, художник учился четко и точно относиться к объекту своих жизненных интересов. При этом утилитарное предшествовало эстетическому, польза рождала красоту, а красота учила глубже осваивать природу.
Древнеегипетские художники ради смыслового выделения также изображали фигуру военачальника в несколько раз большей, чем фигуры его воинов. Это были первые композиционные акценты живописи, не знавшей перспективы. В древности графика и живопись были близки не только друг другу, но и литературе. Древнекитайскую и древнеегипетскую живопись и графику роднит повествовательность. Картина — цепь событий, рассказ, развернутый в ряде фигур. Уже на этом раннем этапе развития живопись выражает на плоскости разные точки зрения на предмет. Художники Древнего Египта рисовали на лице, изображенном в профиль, оба глаза, а живописцы Южной Меланезии изображают плоскости, скрытые от прямого взгляда: над головой человека рисуют диск, обозначающий затылок, или двойное лицо, передающее «круговой взгляд». Древний художник не воспринимал красоту пейзажа.
Английский этнограф Тэйлор писал: «...Новые художники... превосходят древних... в живописи ландшафтной. Встарь, как бы изумительно ни были нарисованы фигуры, грубые рутинные горы, леса и дома на заднем плане все еще находились в состоянии, близком к идеографическому письму, — они скорее служили обозначением внешнего мира, чем изображали его таким, как он есть».
Античный художник хорошо знает анатомию уже не только животного, но и человека. В воспитании воина участвуют гимнастика, музыка и изобразительное искусство, чувствующее красоту и силу человеческого тела, что имеет глубокие социально-исторические корни. Олимпийские игры и скульптурные изображения героев выполняют близкие социально-эстетические функции: воспитание нужных рабовладельческой демократии воинов — защитников Эллады и добытчиков рабов для ее экономического развития.
Средневековая живопись давала условно-плоскостное изображение мира. Композиция акцентировала не удаленность предмета от глаза наблюдателя, а его смысл и значение. Эти же особенности присущи русской иконописи. Средневековье еще не знает анатомического различия взрослого и ребенка: на картинах Христос-младенец — это взрослый человек в уменьшенных размерах. Средневековое изобразительное искусство вглядывается во внутренний мир человека, проникает вглубь его духа. На смену культу красоты обнаженного тела приходит мода на драпирующие тело, ниспадающие до пола одежды. Характерно монашеское одеяние, скрадывающее очертания фигуры человека, делающее его облик бесформенным и бесполым.
Возрождение воскрешает культ обнаженного тела, подчеркивая не только его красоту и мощь, но и чувственную привлекательность. Радость бытия, духовное и чувственное наслаждение жизнью сквозят в живописи, воспевающей прелесть женского тела, его джорджоневскую целомудренность, рубенсовскую пышность, тициановскую земную и небесную красоту, эль-грековскую одухотворенность.
Живопись в системе видов искусства эпохи Возрождения играет ведущую роль.
В пользу этой исторически обусловленной точки зрения Леонардо да Винчи привел аргументы: «Когда в день рождения короля Матвея поэт поднес ему произведение, восхвалявшее тот день, когда этот царь родился на благо мира, а живописец подарил ему портрет его возлюбленной, то царь сейчас же закрыл книгу поэта, повернулся к картине и остановил на ней свой взгляд с великим восхищением. Тогда поэт в сильном негодовании сказал: «О царь, читай, читай, и ты почувствуешь, что это — предмет более содержательный, чем немая картина». Тогда царь, услышав, что его упрекают за рассматривание немых предметов, сказал: «О поэт, замолчи, ты не знаешь, что говоришь: эта картина служит лучшему чувству, чем твоя, которая предназначена для слепых. Дай мне что-нибудь, что я мог бы видеть и трогать, а не только слушать, и не порицай мой выбор за то, что я положил твое произведение под локоть, а произведение живописи держу обеими руками, устремляя на него свои глаза: ведь руки сами собою взялись служить более достойному чувству, чем слух»... Такое же отношение должно быть между наукой живописца и наукой поэта, какое существует и между соответствующими чувствами, предметами которых они делаются» (Леонардо да Винчи. Т. 2. 1935. С. 71). Это мысли не только художника, отдающего предпочтение своему занятию — живописи перед другими искусствами, но теоретика, остро чувствующего ведущее место живописи в системе искусств эпохи Ренессанса. Художники утверждают общечеловеческое значение живописи, не нуждающейся, подобно литературе, в переводе на другой язык. Леонардо да Винчи писал: «...если поэт служит разуму путем уха, то живописец — путем глаза, более достойного чувства... Картина, так много более полезная и прекрасная, понравится больше... Выбери поэта, который описал бы красоту женщины ее возлюбленному, и выбери живописца, который изобразил бы ее, и ты увидишь, куда природа склонит влюбленного судью» (Леонардо да Винчи. 1935. С. 62-63).
Гении всегда появляются на самом необходимом участке общественной практики. И не случайно эпоха Возрождения дала таких великих художников, как Микеланджело, Леонардо да Винчи, Рубенс, Тициан.
Антиаскетический, антисхоластический пафос эпохи, порыв к богатству жизни, к ее духовным и чувственным радостям полное выражение находят именно в живописи («Весна» Боттичелли). Художники передают возрастную анатомию человека (дитя на руках Мадонны Липы Леонардо да Винчи — не карлик, а действительно младенец), открывают динамическую анатомию человека при разных темпах и резкости, ракурсах, направлениях движения (фрески плафона Сикстинской капеллы Микеланджело).
В эпоху Возрождения сложились развернутые принципы перспективно-пространственной композиции. Расположение фигур в картине раскрывало их жизненные взаимоотношения. Возрождение открыло законы перспективы или даже шире — свободное владение пространством. Идея перспективы разрабатывалась Брунеллески и Альберта, которые учили организовывать пространство в картине по принципам усеченной пирамиды, образуемой лучами, идущими от предметов к нашему глазу. Об овладении пространством говорит не только построение перспективы (например, в «Тайной вечере» Леонардо да Винчи), но и создание «дематериализованного» пространства.
Так, в «Сикстинской мадонне» Рафаэль изобразил женщину, ступающую, не глядя под ноги, по облакам. Эффект дематериализации пространства достигается смещением перспективы: два обращенных лицом к зрителю ангела на переднем плане картины устремили на Богоматерь свои взоры. По законам реального пространства они не могут смотреть на мадонну, так как она находится сзади них, но они живут в бесплотном пространстве, и на их глазах происходит чудо-явление женщины, несущей на руках Бога, поэтому невозможное и возможно
В XIX в. завершается наметившийся уже ранее процесс размежевания живописи и графики. Специфика графики — линейные соотношения, воспроизведение формы предметов, передача их освещенности, соотношения света и тени. Живопись запечатлевает соотношения красок мира, в цвете и через цвет она выражает существо предметов, их эстетическую ценность, выверяет их общественное назначение, их соответствие окружающему. Процесс размежевания живописи и графики завершают импрессионисты. Они ничего не передают вне цвета, все линейное для них второстепенно; не рисунок, а цветовые соотношения изображаемых предметов становятся основным носителем эстетического смысла. Живопись обретает независимость от рисунка, ранее бывшего главной ее целью и приближается к музыке, удаляясь от литературы.
Живопись освоила свет, она пишет цвет света, полусвета, тумана, воздуха, тени, полутени. Так, в картинах Клода Моне, рисующих лондонские туманы, схватываются и запечатлеваются тончайшие переливы света. Сама композиция в живописи становится колористической (например, картины Ван Гога, Ренуара, Мане, Тулуз-Лотрека). Пикассо говорит, что в современной живописи каждый мазок стал точной операцией, подобной действиям часовщика; скажем, пишешь бороду какого-то персонажа; она рыжая, и этот рыжий цвет заставляет все переставить в ансамбле, переписать все, что находится вокруг, — это как цепная реакция.
В XX в. резко меняется характер живописи. На нее воздействуют фото, кино, телевидение, широта и разнообразие впечатлений современного человека, воспринимающего реальность и с больших высот, и на больших скоростях, и в неожиданных ракурсах, и с переменных, движущихся точек зрения. Углубляется интеллектуальный и психологический мир человека. Появление фотографии и освоение ею цвета поставило перед живописью новые задачи. Просто запечатлеть объект на память теперь может фотография. В живописи XX в. возрастает роль субъективного начала, обостряется значение личного видения, индивидуального восприятия жизни (вспомним «Мартовский снег» Грабаря).
По словам Хосе Оргеги-и-Гассета, «за века художественной истории Европы точка зрения сместилась — от ближнего видения к дальнему, а сама европейская живопись, возникнув в творениях Джотто как живопись заполненных объемов, превратилась в живопись пустого пространства... Эволюция западной живописи заключается в перемещении внимания с объекта на субъект, на самого художника» (Ортега-и-Гассет. 1991. С 191).
Смыслообразующие элементы живописи — обработанное плоское основание, правильные края картины и рама (в наскальной живописи эти элементы отсутствовали). В Новое время появилась живопись, не изображающая глубинного пространства и не обрамленная. Ее аналогом стала скульптура без пьедестала — подвешенная или стоящая на земле. Знаковый смысл имеют части изобразительной плоскости, место изображения предмета на ней. На портрете кисти Мунка погруженный в себя субъект расположен немного сбоку в пустом пространстве. Это создает художественно-смысловой эффект грусти и отчуждения, который усиливает поза портретируемого.
Художник X. Грис отмечал, что желтое пятно обладает различным визуальным «весом» вверху и внизу изобразительного поля. Знаковый смысл «верха» и «низа» в живописи связан с вертикальным положением человеческого тела, направлением сил тяжести, опытом видения земли и неба. «Правое» и «левое» как части изобразительной плоскости обретают знаковую определенность в связи с традициями культуры, в частности с исторически сложившимся направлением чтения и письма, а также в связи с асимметрией правой и левой руки. В язык живописи входят также формат картины и размер изображения той или иной фигуры. Скульптурные или живописные фигуры, превышающие натуральные размеры человека, обозначают величие изображаемой личности, а миниатюрный формат передает интимность, изящество, драгоценность объекта. В древнем искусстве главная фигура рисовалась иногда больше не только других фигур, но даже деревьев и гор. В эпоху Возрождения социальная значимость изображаемой фигуры начала выражаться другими знаковыми средствами: одеждой, знаками отличия, позой, местом расположения в изобразительном поле, соотнесенностью с другими фигурами.
Смыслообразующее значение имеют и такие элементы картины, как знаконесущая материя — искусственные метки (линии и пятна), нанесенные карандашом, пером, кистью. Импрессионисты ввели в живопись новые знаки, способные передавать свет, воздушную среду, взаимодействие цветов. На картине дерево изображается пятнами. Форма и цвет этих пятен на полотне не схожи с формой и цветом частей реального дерева. Знак дерева, нанесенный на полотно, распознается как дерево благодаря контексту, но отдельные штрихи и мазки кисти мало напоминают листья и ветви дерева.
Огюст Роден, изображая руку Бога, сделал ее рукой скульптора, мнущего глину. Работа скульптора действительно подобна библейскому акту творения мира. Скульптура — пространственно-изобразительное искусство, осваивающее мир в пластических образах, которые запечатлеваются в материалах, способных передать жизненный облик явлений.
«Скульптура тем совершеннее и выше живописи, что схватывает и выражает идею предмета (или вещи), а не ее состояние; не штрихи в ней или сбегающие и набегающие тени. Живописец берет вещь в ее целостности; имея серию красок, а главное — такой тонкости переливов, и имея такое послушное орудие в руках, как кисть он рисует не только лицо, но и пылинку, которая села на это лицо и о которой он не знает, принадлежит ли она лицу или внешней природе. Скульптор беден средствами, это монотонный мрамор или монотонная бронза; самое орудие его, резец, не так послушен; нужно усилие, чтобы выдавить черту Ваятель сосредоточивается, напрягается; уловив одно и главное — он разливает это на все подробности предмета, и мы получаем его мысль, как бы окаменевшую в веках и для веков».
Скульптурные произведения высекают из мрамора, гранита и другого камня, вырезают из дерева, лепят из глины. Мягкие материалы считаются временными, при работе с ними обычно предполагается дальнейшая отливка в более долговечные — чугун, бронзу. В наше время расширилось количество материалов, пригодных для скульптуры: возникли произведения из стали, бетона, пластмассы.
Человек — главный, но не единственный предмет скульптуры. Анималисты создают фигуры животных. Круглая скульптура может воссоздать лишь детали среды, окружающей человека. Такие виды скульптуры, как барельеф и горельеф, сближаются с живописью и графикой, и им доступно изображение пейзажа.
Ваяние всегда передает движение. Даже полный покой воспринимается в скульптуре как внутреннее движение, как состояние длящееся, протяженное не только в пространстве, но и во времени. В распоряжении ваятеля лишь один момент действия, но несущий на себе печать всего предшествующего и последующего. Это придает скульптуре динамическую выразительность. Скульптурное изображение мертвого человека передает скрытое движение, разлитое в теле, его вечный покой и последние усилия борьбы, застывшие навек. Таково изображение мертвого Христа, лежащего на коленях у Богоматери, в скульптуре «Пьета» Микеланджело. Движение спит в теле Бога-Сына, ниспадающем с колен матери и одновременно как бы сопротивляющемся этому безжизненному падению.
Восприятие скульптуры всегда последовательно разворачивается во времени, что используется в скульптурной композиции и помогает передать движение. Круговой обзор, изменение позиции, ракурса обозрения раскрывают в объемном изображении разные его стороны. Так, умирающий раб Микеланджело пытается выпрямиться, и зритель уже готов поверить, что поверженный встанет, но стоит продолжить круговой обзор и взглянуть на скульптуру в ином ракурсе — и снова виден бессильно оседающий торс. При новом изменении угла зрения ощущение тщетности усилий гибнущего сменяется надеждой. Так веками пытается подняться, но вновь и вновь падает обреченный на смерть раб.
Монументальность — одна из возможностей скульптуры, обеспечивающая ей синтез с архитектурой.
Такова созданная Микеланджело во Флоренции гробница Медичи, в которую входят фигуры «Утро» и «Вечер». Мужская фигура олицетворяет вечер. Человек полулежит, опершись на руку, другая рука его покоится на бедре, правая нога скользит, теряя опору, голова клонится к левому плечу. У полулежащей женской фигуры, изображающей утро, рука согнута в локте и слегка приподнята, как будто человек начинает потягиваться, обе ноги этой тоже полусонной фигуры уже прочно уперлись в ложе. Засыпающий и просыпающийся человек — таково непосредственное пластическое значение этих фигур. Однако их смысл шире. Это — погружение человеческого духа в вечный сон, умирание и пробуждение, рождение, воскресение. Не только время суток, но и времена человеческой жизни, состояния человечества предстают в обобщенных, полных символического смысла образах Микеланджело.
В самой природе ваяния заложено широкое обобщение. Пушкин отмечал, что скульптура раскрашенная производит меньшее впечатление, чем одноцветная, раскраска отнимает у нее обобщение.
Средства изобразительности и выразительности скульптуры — свет и тень. Плоскости и поверхности изваянной фигуры, отражая свет и отбрасывая тени, создают пространственную игру форм, эстетически воздействующую на зрителей.
Бронзовая скульптура допускает резкое разделение света и тени, проницаемый же для световых лучей мрамор позволяет передать тонкую светотеневую игру. Эта особенность мрамора использовалась древними художниками; так, нежный розоватый, чуть-чуть просвечивающий мрамор статуи Венеры Милосской поразительно передает нежность и упругость тела женщины.
Скульптура — один из древнейших видов искусства, восходящий к эпохе палеолита. В ходе развития древнего общества, на основе возникших из практических потребностей магических реалий (синкретических и ритуальных по своей природе дохудожественных изображений), родилась знаковая система, способствовавшая затем художественно-образному отражению мира. Например, камень, олицетворявший зверя и служивший мишенью для нанесения ран («репетиция» охоты), заменяется натуральным чучелом зверя, а потом его скульптурным образом.
В Древнем Египте скульптура была связана с культом мертвых: убеждение, что душа жива, пока существует изображение человека, заставляло создавать долговечные скульптуры из прочнейших материалов (ливанский кедр, гранит, красный порфир, базальт). Древнеегипетской скульптуре присущи монументальность, некоторая упрощенность форм, тяготение к статичности фигур.
В Древней Греции ваяние достигло высочайшего уровня. Не случайно Гегель связывал классический (античный) период искусства именно со скульптурой. В античной скульптуре всегда живет ощущение внутренней свободы. Герой непринужден и сохраняет внутреннее достоинство, даже страдание не искажает, не обезображивает его лица, не нарушает гармонию образа (например, «Лаокоон»).
Средневековье развило монументальные формы скульптуры, находящиеся в синтезе с архитектурой. Готическая скульптура сочетала натуралистическую подробность деталей с декоративностью и динамичностью фигур, передававших напряженную духовную жизнь. Появляются и иллюзорно-фантасмагорические, аллегорические образы (например, химеры собора Парижской богоматери).
Ваятели в эпоху Возрождения создали галерею ярко индивидуализированных образов волевых, инициативных, деятельных людей.
Скульптура барокко (XVII в.) была торжественна, пафосна, парадна, полна причудливой игры света и тени, кипения клубящихся масс.
Скульптура классицизма, напротив, рационалистична, спокойна, величава, благородно проста. В XVIII в. скульптура тяготеет к социально-психологической портретной характеристике человека.
В XIX в. в скульптуре расцветает реализм: образы обретают эстетическую многогранность, историческую конкретность, бытовую и психологическую характерность.
Современная африканская скульптура парадоксально совмещает в себе, казалось бы, взаимоисключающие свойства: грубость и утонченность, простоту и изощренность, лаконичность и полисемантичность (множественность смыслов). А. Майоль считает, что «емкость» африканской скульптуры позволяет сочетать 20 форм в одной. Это привлекло к ней внимание авангардистов. Африканская скульптура и моложе и старше современной. Моложе, поскольку не прошла все те стадии (эпохи) художественного развития, которые прошла европейская. Старше, поскольку она — заключительная фаза художественной эволюции первобытнообщинной, синкретической культуры. Африканская скульптура — продукт беспрецедентно длительной эволюции (около 30 тысячелетий!), начала которой уходят в глубь палеолитических пещер.
В XX в. ваятели дают обобщенную, подчас символическую, трактовку скульптурных образов. Скульптура углубляет психологическое содержание изображения, расширяются возможности выражения в пластике духовной жизни эпохи.
7 января 1839 г. изобретатель Л. Дагер впервые публично продемонстрировал перед французскими учеными и художниками изображения, полученные на серебряных пластинках. Это были снимки-миниатюры: вид Лувра, башни собора Парижской богоматери, набережная Сены, мастерская художника. Была открыта светопись, воспроизведение предметов с помощью использования законов оптики и химии. Так художник Дагер совместно с изобретателем гелиографии Ж. Ньепсом положили начало фотографии.
Сразу же возникла проблема взаимоотношения фотографии и искусства. По поводу светоизображений художник П. Деларош представил записку в Академию наук, в которой подчеркивал возможности, открываемые фотографией перед искусством: «Живопись умерла с этого дня». Немецкий художественный журнал «Кунтсблатт» придерживался противоположного мнения: «Вообще говоря, открытие фотографии имеет высокое значение для науки и весьма ограниченное для художества». А. Ламартин по поводу первых фотоснимков сказал: «Это — искусство, призванное сотрудничать с солнцем!» Ныне фотография стала видом искусства со своими специфическими особенностями. Фото способно осуществить желание гетевского Фауста, исполнение за которого он отдал душу Мефистофелю: «Остановись, мгновенье, ты прекрасно!»
Фотоискусство — создание химико-техническими и оптическими средствами зрительного образа документального значения, художественно выразительного и с достоверностью запечатляющего в застывшем изображении существенный момент действительности. Документальность — «золотое обеспечение» фото, запечатлевающего навечно факт жизни.
Жизненные факты в фотографии почти без дополнительной обработки переносятся из сферы действительности в сферу художественную. С развитием техники и мастерства фотообраз стал передавать и активное отношение художника к объекту (через ракурс съемки, распределение света и теней, через передачу своеобразного «фотопленэра», то есть воздуха и рефлексов, отбрасываемых предметами, через умение выбрать момент съемки). Ныне фотография обрела цвет и стоит на пороге объемного, голографического изображения мира, что расширяет ее информативно-изобразительные и художественно-выразительные возможности.
1. Борев. Ю.Б. Эстетика: Учебник / Ю.Б. Борев. М.: Высш. шк., 2002.
2. Эстетика: Учебное пособие для вузов. — М.: Центр, 1998.
76017.ucoz.org
Реферат - Изобразительное искусство Европы
XVШ столетие принято называть веком Просвещения. Ранние буржуазные революции победили только в двух странах - Англии и Нидерландах. В большинстве европейских государств был сохранен старый порядок. XVШ век с его просветительскими идеалами, идеями "свободы, равенства, братства" подготовил господство классических форм развитого буржуазного общества, а Французская революция 1789-1794 гг. явилась классической буржуазной революцией, захватившей широкие народные массы. XVШ столетие подготовило также господство буржуазной культуры. На смену старой, феодальной идеологии пришло время философов, социологов, экономистов, литераторов нового века Просвещения. Литература, музыка и театр достигают в эту эпоху той художественной зрелости, которая пришла к живописи в XVI-XVП вв., достаточно назвать романы Прево, Филдинга, Смоллета, Вольтера, Гете, музыку Баха, Моцарта, Гайдна. Изобразительному искусству XVШ столетия в лучших произведениях свойственны анализ тончайших переживаний человека, воспроизведение нюансов чувств и настроений. Интимность, лиризм образов, но и аналитическая наблюдательность - характерные черты искусства XVШ в. как в жанре портрета, так и в бытовой живописи. Эти свойства художественного восприятия жизни являются вкладом XVШ столетия в развитие мировой художественной культуры, хотя следует признать, что это было достигнуто ценой утраты универсальной полноты в изображении духовной жизни, цельности в воплощении эстетических воззрений общества, свойственных живописи Рубенса, Веласкеса, Рембранда, Пуссена. С началом нового, XVШ столетия совершенно очевидно обозначился процесс разложения французской абсолютной монархии. Смерть в 1715 г. "короля-солнца", последнее десятилетие лишь формально сохранившего могущество, была просто авершающим событием в том длинном ряду явлений, которые подготавливали приход нового века, а с ним и новых веяний в искусстве. Начало регенства герцога Орлеанского, дяди будущего короля Людовика XV, было ознаменовано сменой строгого придворного этикета совершенно противоположной атмосферой: легкомыслия, жажды наслаждений, развлечений, роскоши не столь тяжеловесной, как в ушедшую пору, и жизненного распорядка не столь торжественного. Но в этом бурном веселье, желании успеть насладиться всем была и доля бравады, тревоги, предчувствие краткости мгновения, надвигающихся грозных бедствий. Многое меняется в искусстве. Король перестает быть единственным заказчиком произведений искусства, а двор -единственным коллекционером. Появляются частные коллекции, салоны. На долгие десятилетия Франция превращается в центр художественной жизни Западной Европы, в законодательницу всех художественных нововведений, она становится во главе всей духовной жизни Европы. В первой половине XVШ в., когда так активно вытеснялась религиозная культура светской, ведущим направлением во Франции стало рококо. Многие исследователи считают рококо лишь ответвлением позднего барокко, потерявшим монументальность великого стиля. Тем не менее очевидно, что рококо во Франции в первой половине "галантного века" складывается в определенную стилевую систему, от части продолжающую черты, унаследованные от барокко, но еще более их видоизменяющую. Рококо - порождение исключительно светской культуры, еще уже - двора, французской аристократии, тем не менее оно сумело не только оставить след в искусстве, но и повлиять на дальнейшее ее развитие. Мир миниатюрных форм нашел свое главное выражение в прикладном искусстве - в мебели, посуде, бронзе, фарфоре, а в архитектуре преимущественно в интерьере, где важным теперь было не пышное и величавое, а приятное и удобное. Городские дворцы знати, богатой буржуазии, - "отели", сооружаемые в этот период, как правило, строго классицстичны по экстерьеру. Внутри же стены разбиты филенками, нишами, обильно украшены живописью, лепниной, позолотой, мелкой пластикой, декоративными тканями, брон- зой, фарфором, зеркалами. Все это вместе составляет праздничное, действительно феерическое зрелище. Формы дробные, ажурные, орнамент сложный, построенный на изогнутых линиях, краски живописных панно или станковых картин прозрачные, светлые. Все искусство рококо построено на асимметрии, создающей ощущение беспокойства игривое насмешливое, вычурное. Не случайно термин "рококо" возводят к слову "раковина", "рокайль". Сюжеты только любовные, эротические, любимые героини - нимфы, вакханки, Дианы, Венеры. Новые веяния проникли в Академию. Аллегории, темы исторические, мифологические, жанровые - все это темы любви. Портрет и пейзаж - не случайно очень важные в эту эпоху жанры. За легкомыслием, остроумием и насмешливой иронией рококо были и раздумья о судьбе человека, о смысле существования. Рококо имеет право на существование как стиль уже и потому, что оно дало новые грани, новое развитие выра зительным средствам искусства. Предвестием этого направления в искусстве, но и явлением зна чительно более глубоким, не укладывающимся в рамки какого-то одного направления, был художник Жан Антуан Ватто, создавший в искусстве свой, неповторимый образ. Ватто нашел себя, свою тему, когда приехал в Париж: это так называемые галантные празднества - аристократическое общество в парке, музицирующие, танцующие, праздное; живопись, в которой как будто нет ни действия, ни сюжета, - сцены беспечной жизни, переданные с утонченной грацией. Все это увидено как бы со стороны тонким, чуть ироничным наблюдателем с налетом меланхолии и грусти. Колорит Ватто - одно из сильнейших качеств его дарования - построен на тонких нюансах серых, коричневых, бледно-сиреневых, желто-розовых тонов. В картинах Ватто никогда нет чистого тона. Как в цвете даны все тончайшие оттенки любовного чувства. В 1717 году художник создал одно из самых больших произ ведений "Паломничество на остров Цитеру". В этой картине отраженатончайшая палитра чувств, которая прежде всего создана самим цве- том. Но все это не любовь, а игра в любовь, театр. Театральность характерна для всего искусства XVШ в., и для Ватто особенно. Он не скрывает театрального приема в композиции. Искусство театра не только было модно в век Ватто, театром была вся жизнь общества, которое пишет художник. Ватто вообще очень близко знал актерский быт и не раз писал актеров итальянской и французской комедии. Делакруа называл технику Ватто изумительной, объединившей Фландрию и Венецию. В самом конце жизни Ватто создал свою последнюю работу - это вывеска антикварной лавки, которая так и называется "Лавка Жерсена". В ней он возможно хотел показать, как быстротечна "слава мира", как коротка власть и сама жизнь, а вечно лишь одно искусство. Подлинным представителем французского рококо стал Франсуа Буше, ибо в его искусстве гедонизм рококо, доходящий до фривольности, пренебрежение к конструктивному, рациональному, разумному, как и вся утонченная культура "рокайльного языка", выразилось в полной мере. Буше был истинным сыном своего века, все умевшим делать сам от панно для отелей до эскизов на костюмах. И все это - галантные празднества, пастушеские идилии, мифологические, жанровые, религиозные темы - разыграно, как современная ему пастораль, все выражает откровенно-чувственное наслаждение жизнью, во всем царствует бело-розовая героиня - богиня Флора. Типичные сюжеты - "Триумф Венеры" или "Туалет Венеры", "Купанье Дианы и т.д. Уже будучи знаменитым художником, Буше становится объектом жесточайших нападок теоретика эстетических идей Просвещения Дидро,видевшего в нем яркое порождение всего, с чем боролись просветители, но не отказывающего ему в высоком профессионализме.Живописное искусство Германии
С начала ХIХ в. классицизирующие тенденции в немецкой живописибыли вытеснены романтическими. В немецком романтизме преобладало реакционное направление и в условиях реакции многие художники становятсяна примиренческие позиции.Лишь в творчестве некоторыхизних нашлиотражение прогрессивные тенденции эпохи.Самые живые явления романтического искусства проявились в области портрета и пейзажа. Портреты составляют лучшую часть художественного наследстваФилиппа ОттоРунге ( 1777-1810) , работавшеговГамбурге.Близкийккругу гамбургскихромантиков-литераторов,самвидныйтеоретикживописи, уделявший большоевниманиепроблемамцветаиегогармоний,автор трактата "Цветовой круг", Рунге стремилсявсюсвоюнедолгуюжизнь к построению сложных , надуманныхаллегорий.Онмечталофантастико-музыкальнойпоэмевциклекомпозиций"Четыре временисуток", но действительно живые образы создал,обратившись непосредственно к натуре. В"Автопортрете"(1805) ,поэтическоевосприятиедействительностисочетаетсясзоркостьювзглядааналитика ,сострогимиточным мастерством рисунка. С удивительной тонкостью и тщательностью исполненпейзаж,нафоне которого представлены старики-родителихудожника , околокоторых примостилисьихвнуки, -"Портретродителей"(1806, Гамбург, Кунстхалле). Сурово скорбны морщинестые лица встревоженных стариков, резкимконтрастом воспринемаются рядом с ним розовощекие дети, глядящие на мир широко открытыми глазами. Свое уважение передчеловеком , озабоченностьза его судьбу, восхищение перед богатством и красотой родной природыпередает Рунге в этом свое произведение. Природа стала главным объектом изображения Каспара Давида Фридриха (1774-1840), чья деятельность протекала главным образом вДрездоне. В своих пейзажах художник выражает чувство преклонение перед величием природы, а также переживание, полные мрачного раздумья, пессимизма. Излюбленные мотивы пейзажи Фридриха- пустынные скалистые громады, которые он пишет в различное время дня, любуясьихплавнымиочертаниями , игрой света, переливами красок на каменныхглыбах. Влучахзаходящеголибо восходящего солнца они подчас утрачивают своематериальность , превращаясь в подобие миражей ,-"Горный пейзаж". В картинах Фридриха находит отражение и борьба немецкого народа против наполеоновского завоевание -"Могила Арминия"(1813) и растущая реакция, сковывающая творческие силы нации ,-"Гибель"Надежды"вольдах" (1822, обе - Гамбург, Кунстхалле).Человек в пейзажах Фридриха-маленькая одинокая фигура, затеренная в необъятных просторах холодного необжитого мира, или пассивный наблюдатель, созерцащий туманные дали, уносящийся в мечту, -"Двое, созерцающие луну"(1812-1820, Дрезден, Картинная галерея). Более радостным настроением отличаются картины природы родногоФридриху селения. Поэтично залитые солнцем "Луга Грейфсвальдом"(1820-18309, Гамбург, Кунстхалле),напоминающие чудесные описания природы у писателей и поэтов-романтиков.
Творчество и жизнь Рембранта
В истории изобразительного искусства прошлых веков гениальный голландский художник Рембрандт, пожалуй, более, чем кто-либо другой, сумел глубоко волнующе, правдиво раскрыть Неисчерпаемое богатство внутреннего мира человека. Творчество Рембрандта относится к тому времени, когда Голландия, родина художника, успешно завершив первую в истории буржуазную революцию, выдвинулась на одно из ведущих мест в экономическом и культурном отношениях. В то время как в подавляющем большинстве европейских стран феодальная аристократия еще сохраняла ведущие позиции во всех областях общественной жизни, в Голландии она оказалась побежденной и отодвинутой на задний план в ходе нидерландской революции и последующего буржуазного развития. Наступает период колониальных захватов, достигают небывалых размеров торговые операции, кустарное производство средневековых ремесленников вытесняется быстро развивающимися мануфактурами, в Голландию перемещается центр европейской торговли. Маленькая страна переживает в XVII веке кратковременный, но бурный расцвет. Голландские живописцы впервые увидели человека таким, каков он есть в жизни, и отразили в искусстве различные стороны его повседневного бытия. Некоторые из них подошли к решению более сложной задачи — к тому, чтобы отразить красоту и значительность духовного мира обычного человека. Опираясь на достижения голландского реалистического искусства XVII века, наиболее полно, Многогранно и глубоко эту задачу решил величайший художник Голландии — Рембрандт ван Рейн. Рембрандт Гарменс ван Рейн родился 15 июля 1606 года в Лейдене — городе, расположенном близ Гааги, на Рейне. Отец Рембрандта был владельцем нескольких домов, садовых участков и мельницы. Первоначально родители будущего художника предполагали дать своему сыну гуманитарное образование. После семилетнего обучения в латинской школе, в 1620 году он был записан в Лейденский университет—один из старейших университетов в Европе, основанный еще в 1575 году. Но Рембрандт пробыл там недолго. Пробудившаяся склонность к искусству привела его в мастерскую местного художника Якоба ван Сваненбурга, где он в течение трех лет учился живописи. Затем следует полугодовое обучение в Амстердаме у известного живописца Питера Ластмана. Вернувшись в Лейден около 1625 года, Рембрандт начинает свой самостоятельный творческий путь. Так называемый лейденский период творчества мастера продолжается до 1631 года. Уже в это время Рембрандт становится одним из популярнейших живописцев родного города; его мастерская привлекает учеников. Голландский поэт Константин Гюйгенс посвящает хвалебные строки в своей автобиографии лейденским художникам — Рембрандту и Ливенсу. К числу лучших произведений лейденского периода принадлежит картина «Христос и ученики в Эммаусе», написанная Рембрандтом около 1629 года и находящаяся ныне в парижском частном собрании. Она создана по мотивам известной евангельской легенды, повествующей об одном из чудес воскресшего после смерти Христа.
Популярность молодого Рембрандта быстро растет, и уже б начале 30-х годов сограждане начинают заказывать ему свои портреты. В числе первых был написали «Портрет ученого» (1631 год, Эрмитаж). Перед зрителем—голландский интеллигент того поколения, которое еще всеми корнями связано с народом. Простое, открытое, несколько грубоватое лицо, жесткие мясистые руки выдают его плебейское происхождение. Стремясь максимально приблизиться к жизни, Рембрандт показывает человека не изолированно, а в его бытовой обстановке. Поэтому ученый изображен за рабочим столом, с пером в руке, в момент работы над рукописью, когда и застает его как бы входящий в комнату зритель. Портретируемый отрывается от рукописи, поворачивает лицо к вошедшему, обращается к нему с какими-то словами.
В конце 1631 года Рембрандт переезжает в Амстердам — главный город Голландии. Как предполагают, причиной его переезда был крупный заказ гильдии амстердамских врачей на групповой портрет, получивший название «Урок анатомии доктора Тульпа». Творчество Рембрандта 30-х годов протекает под знаком опорного труда и постепенного становления. Достигнутые успехи вселяют в него уверенность и служат стимулом для дальнейших напряженных поисков. Он неустанно вбирает разнообразные впечатления окружающей жизни, глубоко осмысляет их, перевоплощает в своем искусстве. В луврском автопортрете 1634 года за нарядной артистической внешностью молодого Рембрандта ясно улавливается его волевая натура. Чуть сдвинутые брови, сжатые губы, умный и твердый взгляд — все говорит о привычной внутренней собранности. Вместе с тем образ не лишен оттенка неустойчивости и беспокойства. Изображение чуть сместилось в сторону от основной композиционной оси, подвижна светотень, да и само выражение лица выдает душевную взволнованность человека. Таков Рембрандт периода «бури и натиска», как часто называют этап 30-х годов в его творчестве. Дух оптимизма, рожденный эпохой буржуазного развития Голландии, не был чужд и Рембрандту. Оптимистическому настроению художника в этот период не могли не способствовать его личные удачи. 1632—1642 годы—счастливое десятилетие в его жизни. Женитьба на богатой невесте, многочисленные заказы превращают его в одного из состоятельных людей Амстердама. Он покупает прекрасный дом, щедро тратит свои богатства на покупку нидерландских гравюр, картин художников Возрождения, персидских миниатюр, экзотических одежд и тканей, которые с далекого Востока привозят в приморский Амстердам. В 1634 году Рембрандт женится на девушке из знатного семейства — Саскии ван Эйленбург. Наступает пора восторженной любви, большого счастья. Войдя в жизнь Рембрандта, обаятельная Саския входит и в его искусство. Влюбленно следует за ней глаз художника. Одна за другой появляются из-под его руки много-численные зарисовки.. То он изображает ее принаряжающейся перед зеркалом, то больной, ожидающей рождения ребенка, то счастливой матерью с сыном на руках. Несколько портретов своей возлюбленной создает Рембрандт в офорте и живописи. Непринужденностью, человеческой теплотой подкупает дрезденский портрет Саскии 1633 года. Грациозно наклонив головку, она поворачивает к нам свое лицо. Лукаво щурятся глаза, ласковая мимолетная улыбка появляется на устах. Вот в эту минуту, капризной, нежной, кокетливой и показал ее Рембранту. В середине 30-х годов Рембрандт пишет известный автопортрет с Саскией на коленях. Вечной теме любви, радостного пробуждения чистого, большого чувства, преображающего человека, посвящена эрмитажная картина «Даная», созданная художником в 1636 году. Сюжетом картины послужил миф о дочери царя Акрисия, ставшей женою Зевса и матерью Персея — одного из любимых героев древних греков. Оракул предсказал Акрисию гибель от руки внука, и царь решил навечно заточить в темницу свою дочь Данаю. Но никакие темницы не могут устоять перед всепобеждающей силой любви: властитель Олимпа, всемогущий Зевс, в виде золотого дождя проник в подземелье прекрасной Данаи и стал ее возлюбленным. Если ранние исторические картины Рембрандта проникнуты духом барокко, то со средины 30-х годов произведения художника в историческом жанре начинают приобретать иной характер. Сквозь внешнюю патетику вое более пробиваются подлинные человеческие страсти, все чаще театральная драма, «ужасное» событие сменяется подлинной драмой жизни. Эти новые черты отчетливо выступают в эрмитажной картине «Снятие с креста», написанной в 1634 году. Сороковыми годами начинается новый этап рембрандтовского творчества. Он все более замыкается в кругу библейско-евангельских тем, провозглашая свои этические идеалы, веруя в то, что благородство и разум людей помогут им победить трудности жизни. Первоосновой рембрандтовского гуманизма зачастую служит нравственная чистота людей из народа, красивая простота их взаимоотношений. На протяжении 40-х годов Рембрандт несколько раз обращается к теме святого семейства. Одно из лучших решений этой темы — эрмитажная картина «Святое семейство», созданная художником в 1645 году. В 1662 году Рембрандт выполняет последний заказ на большой групповой портрет. Он изображает старшин амстердамского цеха суконщиков, выступающих с докладом перед собранием цеха. Портрет вошел в историю искусства под названием «Синдики». В последние годы жизни Рембрандта трагически складыается его личная судьба. Усугубляется конфликт художника с бюргерским обществом. Почти не имея заказов, в середине 50-х годов он терпит банкротство. В 1658 году были проданы с аукциона дом Рембрандта и его богатейшая художественная коллекция; в 1662 году умерла Хендрикье Стоффельс, а шесть лет спустя неожиданно скончался Титус. И, однако, на склоне лет художник достигает вершины своих творческих возможностей. В последнее десятилетие он создает свои лучшие исторические картины. Исторические образы Рембрандта 60-х годов отличаются особой драматической силой и философской глубиной. Конфликт между добром и злом в человеческом обществе, который всегда являлся лейтмотивом исторического жанра Рембрандта, выступает в картинах этих яет во всем трагизме. Положительные герои, олицетворяющие возвышенное, благородное человеческое начало, сталкиваются в этих картинах с носителями враждебного, злого, или с людьми, совершившими трагическую, непоправимую ошибку. В 1660 году Рембрандт создает известную картину «Ассур, Аман и Эсфирь», хранящуюся ныне в московском Музее изобразительных искусств. Если в картинах, посвященных истории Амана, результатом конфликта является непримиримое осуждение, как бы ни было тяжело оно для самих выносящих приговор, то о гуманной прощении и о глубоком раскаянии человека, совершившего горькую ошибку, повествует знаменитое произведение Рембрандта «Возвращение блудного сына». Эта картина хранится ? собрании ленинградского Государственного Эрмитажа и справедливо считается гордостью эрмитажной коллекции. Произведение написано Рембрандтом в год смерти. Забытый современниками, совсем одинокий, он создает свое последнее гениальное горение. «Возвращение блудного сына» — это как бы итог мудрых раздумий Рембрандта о мире и людях. Его пессимистическое отношение к действительности в последние годы жизни, с одной -стороны, и ничем не сломленная вера в человека, в нравственную высоту его — с другой, с равной силой звучат в последнем произведении гениального художника. В октябре 1669 года Рембрандт ван Рейн скончался. Эта смерть осталась почти незамеченной его современниками. Только скромная запись в церковной книге амстердамского собора Вестернкерк сообщает нам дату похорон художника 8 октября 1669 года. Признание гениального мастера пришло лишь несколько десятилетий спустя.
- Список литературы -
1.Виппер Б. Р. «Становление реализма в голандской живописи XVII века» Москва «Искусство» 1967г.
2.С. А. Андронов«Рембрант. О социальной сущности художника»Москва идательство «Знание» 1978г.
3.Ротенберг Е. Э.«Рембрант Гарменс ван Рейн» Москва изд. «Советский художник», 1956
4.В. А. Лебедев«Рембрант» издательство «Знание» Москва 1956г.
5. Альбом репродукций «Рембрант» вып. 1-2. Москва изд. «Изобразительное искусство» 1971-72г.
www.ronl.ru
Виды и техники изобразительного искусства
Контрольная работа по культурологии на тему:
Виды и техники изобразительного искусства
План
1. Виды изобразительного искусства и их особенности
а) ГРАФИКА
б) ЖИВОПИСЬ
в) СКУЛЬПТУРА
2. Техники изобразительного искусства
3. Список литературы
1. Виды изобразительного искусства и их особенности
Одной из основных задач нашего общества, встающих перед системой современного образования, является формирование культуры личности. Актуальность этой задачи связана с пересмотром системы жизненных и художественно-эстетических ценностей. Формирование культуры подрастающего поколения невозможно без обращения к художественным ценностям накопленных обществом в процессе своего существования. Таким образом, становится очевидна необходимость изучения основ истории искусств.
Для того чтобы наиболее полно понять искусство определенной эпохи необходимо ориентироваться в искусствоведческой терминологии. Знать и понимать суть каждого из видов искусств. Только в случае владения категориально-понятийной системой человек сможет наиболее полно осознать эстетическую ценность памятников искусства.
Искусство (творческое отражение, воспроизведение действительности в художественных образах.) существует и развивается как система взаимосвязанных между собой видов, многообразие которых обусловлено многогранностью самого (реального мира, отображаемого в процессе художественного творчества.
Виды искусства - это исторически сложившиеся, формы творческой деятельности, обладающие способностью художественной реализации жизненного содержания и различающиеся по способам ее материального воплощения (слово в литературе, звук в музыке, пластические и колористические материалы в изобразительном искусстве и т. д.).
В современной искусствоведческой литературе сложились определенная схема и система классификации искусств, хотя единой до сих пор нет и все они относительны. Наиболее распространенной схемой является его деление на три группы.
В первую - входят пространственные или пластические виды искусств. Для этой группы искусств существенным является пространственное построение в раскрытии художественного образа - Изобразительное искусство, Декоративно-прикладное искусство, Архитектура, Фотография.
Ко второй группе относятся временные или динамические виды искусств. В них ключевое значение приобретает развертывающаяся во времени композиция - Музыка, Литература.
Третью группу представляют пространственно-временные виды, которые называются также синтетическими или зрелищными искусствами - Хореография, Литература, Театральное искусство, Киноискусство.
Существование различных видов искусств вызвано тем, что ни одно из них своими собственными средствами не может дать художественную всеобъемлющую картину мира. Такую картину может создать только вся художественная культура человечества в целом, состоящая из отдельных видов искусства.
Изобразительное искусство-группа видов художественного творчества, воспроизводящих визуально воспринятую действительность. Произведения искусства имеют предметную форму, не изменяющуюся во времени и пространстве. К изобразительному искусству относятся: живопись, графика, скульптура.
А) ГРАФИКА
Графика (в переводе с греческого - "пишу, рисую") - это, прежде всего рисунок и художественные печатные произведения (гравюра, литография). Она основана на возможностях создания выразительной художественной формы путем использования разных по окраске линий, штрихов и пятен, наносимых на поверхность листа.
Графика предшествовала живописи. Вначале человек научился запечатлевать очертания и пластические формы предметов, потом различать и воспроизводить их цвета и оттенки. Овладение цветом было историческим процессом: не все цвета были освоены сразу.
Специфика графики - линейные соотношения. Она, воспроизводя формы предметов, передает их освещенность, соотношение света и тени и т. д. Живопись запечатлевает реальные соотношения красок мира, в цвете и через цвет она выражает существо предметов, их эстетическую ценность, выверяет их общественное назначение, их соответствие или противоречие окружающему.
В процессе исторического развития в рисунок и в печатную графику стал проникать цвет, и теперь уже к графике относят и рисунок цветными мелками - пастель, и цветную гравюру, и живопись водяными красками -акварель и гуашь. В различной литературе по искусствознанию существуют различные точки мнения по поводу графики. В одних источниках: графика - это вид живописи, а в других - это отдельный подвид изобразительного искусства.
Б) ЖИВОПИСЬ
Живопись - плоскостное изобразительное искусство, специфика которого заключается в представлении при помощи красок, нанесенных на поверхность изображение реального мира, преобразованных творческим воображением художника.
Живопись подразделяется на:
- монументальную - фреска (от итал. Fresco) - живопись по сырой штукатурке красками разведенными на воде и мозаика (от французского mosaiqe) изображение из цветных камней, смальты (Смальта - цветное прозрачное стекло.), керамических плиток.
- станковую (от слова "станок") - полотно которое создается на мольберте.
Живопись представлена разнообразными жанрами (Жанр (французское genre, от лат. genus, родительный падеж generis - род, вид) - художественное, исторически сложившееся внутреннее подразделение во всех видах искусства.):
- Портрет - основная задача передать представление о внешнем облике человека, раскрыть внутренний мир человека, подчеркнуть его индивидуальность, психолого-эмоциональный образ.
- Пейзаж - воспроизводит окружающий мир во всем многообразии его форм. Изображение морского пейзажа определяется термином маринизм.
- Натюрморт - изображение предметов быта, орудий труда, цветов, фруктов. Помогает понять мировоззрение и уклад определенной эпохи.
- Исторический жанр - рассказывает об исторически важных моментах жизни общества.
- Бытовой жанр - отражает повседневную жизнь людей, нрав, обычаи, традиции того или иного этноса.
- Иконопись (в переводе с греческого "молитвенный образ") - основная цель направить человека на путь преображения.
-Анимализм - изображение животного, как главного героя художественного произведения.
В XX в. характер живописи меняется под влиянием средств технического прогресса (появление фото- и видео аппаратуры), что приводит к появлению новых форм искусства - Мультимедийное искусство.
В) СКУЛЬПТУРА
Скульптура - пространственно - изобразительное искусство, осваивающее мир в пластических образах.
Основными материалами, применяемыми в скульптуре, являются камень, бронза, мрамор, дерево. На современном этапе развития общества, техногенного прогресса расширилось количество материалов, используемых для создания скульптуры: сталь, пластик, бетон и другие.
Существует две основные разновидности скульптуры: объемная трехмерная (круговая) и рельеф:
- горельеф - высокий рельеф,
- барельеф - низкий рельеф,
- контррельеф - врезной рельеф.
По определению скульптура бывает монументальная, декоративная, станковая.
Монументальная - используется для украшение улиц и площадей города, обозначения исторически важных мест, событий и т.п. К монументальной скульптуре относятся:
- памятники,
- монументы,
- мемориалы.
Станковая - рассчитана на осмотр с близко расстояния и предназначена для украшения внутренних помещений.
Декоративная - используется для украшения быта (предметы мелкой пластики).
2. Техники изобразительного искусства
Техника живописи - совокупность приемов использования художественных материалов и средств.
Традиционные техники живописи: энкаустика, темперная, настенная (известковая), клеевая и других типов. С XV века становится популярной техника живописи масляными красками; в XX веке появляются синтетические краски со связующим веществом из полимеров (акрилик, винилик и др.). Гуашь, акварель, китайскую тушь и полурисовальную технику -- пастель -- также относят к живописи.
Акварель
Акварель - живопись акварельными красками. Основное качество акварели - прозрачность и воздушность изображения.
Акварель -- одна из сложнейших живописных техник. Кажущиеся простота и легкость рисования акварелью обманчива. Акварельная живопись требует мастерства владения кистью, мастерства видения тона и цвета, знания законов смешивания цветов и нанесения красочного слоя на бумагу. В акварели существует множество приемов: работа по сухой бумаге, работа по сырой бумаге ("A la Prima"), использование акварельных карандашей, туши, многослойная живопись, работа сухой кистью, заливка, смывание, использование мастихина, соли, применение смешанной техники.
Акварель, несмотря на кажущиеся простоту и легкость рисования, сложнейшая живописная техника. Акварельная живопись требует мастерства владения кистью, мастерства видения тона и цвета, знания законов смешивания цветов и нанесения красочного слоя на бумагу.
Для акварельной работы бумага является одним из важнейших материалов. Важно ее качество, тип, рельеф ,плотность, зернистость, проклейка. В зависимости от качеств бумаги акварельные краски по-разному наносятся на бумагу, впитываются, высыхают.
В акварели существует множество художественных приемов: работа по сырой бумаге ("A la Prima"), работа по сухой бумаге, заливка, смывание, использование акварельных карандашей, туши, работа сухой кистью, использование мастихина, соли, многослойная живопись, применение смешанной техники.
Техника по мокрому использует растекание акварели и создает необычные цветовые эффекты. Использование этого приема требует знания степени влажности бумаги и опыта использования самого приема.
Заливка - очень интересный прием в акварели. Плавные переходы цветов позволяют эффектно изображать небо, воду, горы.
Мастихин используется не только в живописи маслом, но и в акварельной живописи. Мастихином можно подчеркивать очертания гор, камней, скал, облаков, морских волн, изображать деревья, цветы.
Впитывающие свойства соли используются для получения интересных эффектов в акварели. С помощью соли можно украсить луг цветами, получить подвижную воздушную среду в картине, движущиеся тональные переходы.
Многослойная живопись насыщенна по цвету. В многослойной живописи используются все художественные приемы работы с акварелью.
Карандаш
Карандаш - материал для рисования. Различают карандаши чернографитные и цветные. Рисунок карандашом выполняется на бумаге с использованием штриховки, тональных пятен, передачи светотени.
Акварельные карандаши - вид цветных карандашей, водорастворимы. Приемы использования акварельных карандашей разнообразны: размывание рисунка акварельным карандашом водой, работа намоченным в воде акварельным карандашом, работа карандашом по мокрой бумаге, и др.
рисунок выполнять сложнее.
С помошью карандаша можно получить бесконечно много оттенков, градаций тона. В рисунке используются карандаши различные по степени мягкости.
Начинают работу над графическим рисунком с конструктивного рисунка, т.е. рисунка внешних контуров предмета с использованием линий построения, обычно карандашом средней мягкости H, HB, B, F, далее в тоновом рисунке, в котором уже отсутствуют линии контуров предметов, а границы предметов обозначаются штриховкой, при необходимости используют более мягкие карандаши. Самый твердый это 9H, самый мягкий 9B.
В рисунке карандашом желательно как можно меньше делать исправлений и аккуратно использовать стирательную резинку, чтобы не оставить пятна, так рисунок будет выглядеть свежим и аккуратным. Растушевкой в карандашном рисунке лучше не пользоваться по тем же причинам. Для нанесения тона применяется прием штриховки. Штрихи могут быть различными по направлению, длине, разряженности, нажиму карандаша. Направление штриха (горизонтальное, вертикальное, наклонное) определяется формой, размерами предмета, движением поверхности в рисунке.
Портрет карандашом получается очень реалистичным и наполненным светом. Ведь с помощью карандаша можно передать множество оттенков, глубину и объемность изображения, переходы светотени.
Рисунок карандашом закрепляется фиксативом, так рисунок не теряет свою четкость, не размазывается даже при его касании рукой и сохраняется надолго.
Масло
Живопись маслом на холсте - самая популярная техника живописи. Живопись маслом дает мастеру безграничное число способов изображения и передачи настроения окружающего мира. Пастозные или воздушные прозрачные мазки, сквозь которые виден холст, создание рельефа мастихином, лессировка, использование прозрачных или кроющих красок, различные вариации смешивания цветов - все это многообразие приемов живописи маслом позволяет художнику найти и передать настроение, объем изображаемых предметов, воздушной среды, создать иллюзию пространства, передать богатство оттенков окружающего мира.
Масляная живопись имеет свою особенность - картина пишется в несколько слоев (2-3), каждому слою необходимо высохнуть несколько дней в зависимости от используемых материалов, поэтому обычно картина маслом пишется от нескольких дней до нескольких недель.
Наиболее приемлемым для масляной живописи является льняной холст. Льняное полотно прочное, отличается живой фактурой. Льняные холсты бывают различной зернистости. Для портрета и живописи с детальной прорисовкой используют мелкозернистый, более гладкий холст. Крупнозернистый холст подойдет для живописи с выраженной фактурой (камни, скалы, деревья), пастозной живописи и живописи мастихином. Ранее в живописи использовалась техника лессировок, нанесения красок тонкими слоями, поэтому шероховатость льняного слоя придавала картине изящность. Сейчас в живописи часто используется техника пастозных мазков. Тем не менее, качество холста важно для выразительности картины.
Хлопковый холст - прочный и недорогой материал, подходит для живописи пастосными мазками.
В живописи маслом используются также такие основы как мешковина, фанера, оргалит, металл, и даже бумага.
Холсты бывают натянуты на картон и на подрамник. Холсты на картоне тонкие и обычно не бывают больших размеров, и не превышают размера 50*70. Они легкие и удобные в транспортировке. Холсты на подрамнике более дорогие, готовые холсты на подрамнике могут достигать размера 1,2м на 1,5м . Законченная картина оформляется в раму.
Перед работой маслом холсты проклеивают и грунтуют. Это необходимо для того, чтобы масляная краска не разрушала холст, и чтобы краска хорошо легла на холст.
Картины масляными красками чаще всего пишут, устанавливая холст на мольберте. В масляной живописи используют технику работы мастихином. Мастихин - инструмент из гибкой стали в виде ножа или лопатки с изогнутой ручкой. Разная форма мастихина помогает добиться различной фактуры, рельефности, объемности. Мастихином можно также наносить ровные, гладкие мазки. Лезвие мастихина можно также использовать для создания тонких линий - вертикальных, горизонтальных, хаотичных.
Пастель
Пастель - один из очень необычных видов изобразительных материалов. Живопись пастелью воздушна и нежна. Тонкость и изящество техники пастели придает картинам живость, где-то сказочность и волшебство. В технике "сухой" пастели широко используется приём "растушёвки", что придаёт эффект мягких переходов и нежности цвета. Пастель наносится на шероховатую бумагу. Цвет бумаги имеет значение. Фоновый цвет, проступая сквозь штрихи пастели, вызывает определённое настроение, ослабляя или усиливая цветовые эффекты рисунка. Картины пастелью закрепляются фиксативом и хранятся под стеклом.
Техника пастели приобрела широкую популярность и достигла своего расцвета в XVIII веке. Пастель обладает свойством придавать любому сюжету необыкновенную мягкость и нежность. В этой технике можно делать любые сюжеты - от пейзажей до рисунков людей.
Преимущества пастели - в большой свободе для художника: она позволяет снимать и перекрывать целые живописные слои, в любой момент прекращать и возобновлять работу. Пастель соединяет возможности живописи и рисунка. Ею можно рисовать и писать, работать штриховкой или живописным пятном, сухой и мокрой кистью.
Приемы работы пастелью разнообразны. Пастельные штрихи втираются пальцами, специальными растушками, кожаными валиками, шелковыми квадратными щеточками-кистями, мягкими тампонами. Техника пастели очень тонкая и сложная в своих наложениях пастельной "лессировкой" цвета на цвет. Пастель накладывается пятнами, штрихами, лессировками.
Для работы пастельными карандашами необходимы основания, удерживающие пастель, препятствующие ее осыпанию. Пастелью работают на шероховатых сортах бумаги, таких как "торшон", ватман, наждачная, на рыхлом, ворсистом картоне, замше, пергаменте, холсте. Наилучшим основанием является замша, на которой написаны некоторые ставшие классическими произведения. Рисунки пастелью закрепляют специальными фиксативами, препятствующими осыпанию пастели.
Непревзойденным мастером пастели был Эдгар Дега. Дега обладал острым глазом и непогрешимым рисунком, что позволило ему добиться в пастели невиданных эффектов. Никогда еще рисунки пастелью не были так трепетны, виртуозно небрежны и так драгоценны по цвету. В своих поздних работах, напоминающих праздничный калейдоскоп огней, Э.Дега был одержим желанием передать ритм и движение сцены. Чтобы придать краскам особый блеск и заставить их светиться, художник растворял пастель горячей водой, превращая ее в некое подобие масляной краски, и кистью наносил ее на холст. В феврале 2007-го на аукционе Sotheby's в Лондоне пастель Дега "Три танцовщицы в фиолетовых юбках" была продана за $7, 87 млн. В России в
пастели работали такие мастера, как Репин, Серов, Левитан, Кустодиев, Петров-Водкин.
Сангина
Цветовая гамма сангины, материала для рисования, от коричневого до близкого к красному. С помощью сангины хорошо передаются тона человеческого тела, поэтому выполненные сангиной портреты выглядят очень естественно. Техника рисунка с натуры с помощью сангины известна начиная с эпохи Возрождения (Леонардо да Винчи, Рафаэль). Нередко сангину сочетают с углём или итальянским карандашом. Для обеспечения большей долговечности рисунки сангиной закрепляются фиксативом или помещаются под стекло.
Сангина известна еще с античности. Именно тогда сангина позволила ввести в рисунок цвет телесного цвета. Широкое распространение техника рисунка сангиной получила в Эпоху Возрождения. Художники Возрождения разработали и широко использовали технику "трех карандашей": они наносили рисунок сангиной или сепией и углем на тонированною бумагу, а затем белым мелом высветляли нужные участки.
Слово "сангина" происходит от латинского "сангвинеус" - "кроваво-красный". Это карандаши красно-коричневых тонов. Сангина изготавливается из тонкоперетертой жженой сиены и глины. Как пастель, уголь и соус, сангина является мягким материалом, которому при производстве придается форма четырехгранных или круглых мелков.
С помощью сангины хорошо передаются тона человеческого тела, поэтому выполненные сангиной портреты выглядят очень естественно.
Техника работы сангиной характерна сочетанием широких мазков и растушевок со штрихами остро заточенных брусочков сангины. Красивые рисунки сангиной получаются на тонированном фоне, особенно когда к основному материалу добавляются уголь и мел (техника "трех карандашей").
Для рисунка выбирают сангину такого оттенка, который лучше отвечает особенностям натуры. Например, обнаженное тело хорошо рисовать красноватой сангиной, а пейзаж - сангиной серовато-коричневой или цвета сепии.
Иногда сангину комбинируют с углем, дающим холодные оттенки. Контраст теплых и холодных оттенков придает особое очарование таким работам.
Для обеспечения большей долговечности рисунки сангиной можно закрепить фиксативом или поместить под стекло.
Темпера
Темпера (от латинского "temperare" -- соединять) - связующее вещество красок, состоящее из натуральной или искусственной эмульсии. До усовершенствования масляных красок Я. Ван-Эйком (XV век) средневековая яичная темпера была одним из наиболее популярных и распространенных видов живописи в Европе, но постепенно она утратила свое значение.
Во второй половине XIX века разочарование, наступившее в позднейшей масляной живописи, послужило началом поисков новых связующих веществ для красок, и забытая темпера, хорошо сохранившиеся произведения которой красноречиво говорят за себя, снова привлекает к себе интерес.
В противоположность масляной живописи и старинной темпере новая темпера не требует от живописца определенной системы выполнения живописи, предоставляя ему в этом отношении полную свободу, которую он может использовать без всякого ущерба для прочности живописи. Темпера в отличие от масла быстро высыхает. Темперные картины, покрытые лаком, по красочности не уступают масляной живописи, а в отношении неизменяемости и долговечности, темперные краски даже превосходят масляные.
Материалы и техники графики разнообразны, но, как правило, основой является бумажный лист. Цвет и фактура бумаги играют большую роль. Красочные материалы и техники определяются видом графики.
Станковая графика в зависимости от характера техники подразделяется на два типа: эстамп и рисунок.
Эстамп - от французского estamper - штамповать, оттискивать - оттиск на бумаге. Первоначальное изображение делается не непосредственно на бумаге, а на пластине какого-либо твердого материала, с которой потом рисунок печатается, оттискивается с помощью пресса. При этом можно получить не один экземпляр оттиска, а много, то есть тиражировать графическое изображение. Печатание применяется и в прикладной графике, в плакате, книжной иллюстрации. Но там печатная форма изготавливается с оригинала, выполненного художником, фотомеханическим, машинным путем. В станковой же графике для эстампа печатная форма создается самим художником, поэтому получается ряд экземпляров подлинных произведений
искусства одинаковой художественной ценности, полностью сохраняющих живой и непосредственный отпечаток творческой работы автора.
Сам процесс создания печатной формы из какого-либо твердого материала - дерева, металла, линолеума - называется гравированием (от французского слова graver - вырезать). Рисунок создается с помощью вырезания, процарапывания каким-либо острым инструментом - иглой, резцом. Произведения графики, отпечатанные с гравировальной печатной формы, называют гравюрой.
плоская гравюра - рисунок и фон находятся на одном уровне;
выпуклая гравюра - краска покрывает поверхность рисунка - рисунок выше уровня фона;
углубленная гравюра - краска заполняет углубления, рисунок ниже уровня фона.
В зависимости от материала, из которого создается печатная форма различают разные виды гравюры:
Литография - печатной формой является поверхность камня (известняка). Камень очень гладко полируется и обезжиривается. Изображение на литографический камень наносится специальной жирной литографической тушью или карандашом. Камень смачивается водой, далее накатывается краска, пристающая только к ранее нанесенному рисунку. Литография изобретена в 1798 году. В 19 веке получает распространение в станковой и социально-критической журнальной графике. (Французский художник Оноре Домье: "Опустите занавес, фарс сыгран" 1834г., "Улица Транснонен, 15 апреля 1834 года" 1834г., с 1837 по 1851г. - приблизительно 30 литографических серий - "Робер Манер", "Парижские типы", "Добропорядочный буржуа", "Деятели правосудия".)
Альграфия - плоская печать, техника исполнения аналогична литографии, но вместо камня используется алюминиевая пластина.
Ксилография - гравюра на дереве, вырезается специальным резцом. Краска накатывается на плоскость исходной доски. При печати на бумаге белыми остаются участки, вырезанные резцом. Оттиски представляют собой контурный рисунок толстыми черными линиями. Ксилография появилась в средние века в связи с необходимостью книгопечатания. (Германские художники Альбрехт Дюрер: "Четыре всадника" 1498г. и Ганс Гольбейн Младший серия гравюр "Образы смерти" 1524-1525г.г. )
Линогравюра - гравюра на линолеуме. По технике очень близка к ксилографии. Линолеум - недорогой, доступный материал. Линогравюры более просты в исполнении по сравнению с ксилографией из-за синтетического происхождения используемого материала (однородность, отсутствие мешающих резцу искусственных волокон).
Гравюра по металлу выполняется на цинке, меди, железе, стали. Гравюра по металлу делится на печать с травлением и безтравления. Существует большое количество техник этого вида гравюры - техника сухой иглы (наиболее близка к авторской графике, так как не имеет большого тиража), меццо-тинто ("черная печать"), офорт, акватинта, мягкий лак (или срывной лак).
Офорт - от французского eau-forte - азотная кислота. Рисунок процарапывается гравировальной иглой в слое кислотно-упорного лака, покрывающего металлическую пластину. Поцарапанные места протравливаются кислотой, а полученное углубленное изображение заполняется краской и оттискивается на бумагу. (Французский художник Жак Калло: серия "Большие бедствия войны" 1633г., серия "Низшие" 1622г.)
Сухая игла - рисунок наносится непосредственно на металл, путем процарапывания острием твердой иглы штрихов на поверхности металлической доски.
Меццо-тинто - от итальянского mezzo - средний и tinto - окрашеный. Вид углубленной гравюры, в которой поверхности металлической доски гранильником придается шероховатость, дающая при печати сплошной черный фон. Участки доски, соответствующие светлым местам рисунка выскабливаются, выглаживаются, полируются.
Акватинта - от итальянского aquatinta - метод гравирования, основанный на протравливании кислотой поверхности металлической пластины с наплавленной асфальтовой или канифольной пылью и с изображением нанесенным с помощью кисти кислотоотталкивающим лаком. Имеет огромное количество оттенков от черного до белого.
Что касается техники скульптуры, то ее виды можно группировать по различным принципам. Согласно одному принципу технику скульптуры можно разбить на три следующие группы:
Когда рука художника заканчивают всю работу (обработка глины, камня, дерева).
Когда работу художника заканчивает огонь (керамика).
Когда художник дает только модель будущей статуи (отлив в бронзе).
Согласно другому принципу техника скульптуры распадается на три, но уже другие основные группы:
Лепка в мягких материалах (воск, глина) -- техника, которую мы называем в узком смысле "пластикой".
Обработка твердых материалов (дерево, камень, слоновая кость), или "скульптура" в прямом смысле этого слова.
Отливка и чеканка в металле.
Список литературы
1. А. В. Луначарский Об изобразительном искусстве
2. Л. А. Неменская Изобразительное искусство. Искусство в жизни человека
referatwork.ru
|
|
..:::Счетчики:::.. |
|
|
|
|
|
|
|
|