П. Брейгель. Крестьянская свадьба
«Реалистические тенденции в живописи Голландии»
XVII—XVIII века — это время возникновения и развития в искусстве реалистических тенденций: объективности в передаче видимого, точности, конкретности, непредвзятости восприятия жизни, отсутствия идеализации, внимания к простонародным типам, глубокого, прочувствованного восприятия быта и природы, простоты и естественности в передаче человеческих чувств. Художники XVII в. только учились видеть жизнь такой, какая она есть.
Реалистические тенденции в живописи можно наблюдать в творчестве великого голландского художника Рембрандта. Обращаясь к своим ученикам, он говорил:
«Учись прежде всего следовать богатой природе и отображать то, что найдёшь в ней. Небо, земля, море, животные, добрые и злые люди — всё служит для нашего упражнения. Равнины, холмы, ручьи и деревья дают достаточно работы художнику. Города, рынки, церкви и тысячи природных богатств взывают к нам и говорят: иди, жаждущий знания, созерцай нас и воспроизводи нас».
Тщательно следуя природе, голландские мастера сумели открыть красоту зримого мира в самых разнообразных его проявлениях. Их произведения до сих пор сохраняют живой трепет реальной жизни, передают красочное богатство окружающего мира.
Творчество Рембрандта
Фраза Э. Делакруа «Правда — самое прекрасное и редкое качество » стала сутью творчества величайшего голландского художника Рембрандта Харменса ван Рейна (1606—1669). Он оставил потомкам огромное художественное наследие: около восьмисот картин и портретов, трехсот офортов и двух тысяч рисунков. Каждое из его произведений — свидетельство высочайшего мастерства и художественной правды. Жизненный и творческий путь этого замечательного художника был трагичен: от блистательной карьеры, всеобщего признания, богатства, счастливой семейной жизни к полному забвению, одиночеству и нищете. Живший в эпоху барокко, Рембрандт был её ярчайшим представителем, сумевшим выразить все противоречия и характерные черты своего времени.
Бесконечно разнообразна тематика произведений Рембрандта. В каждом из них — попытка передать духовную эволюцию человека, трагический путь познания жизни. Мир его персонажей, как и сама действительность, сложен и многолик. Его герои — люди с противоречивыми характерами и непростыми судьбами. Одни из них являются носителями мудрости и благородства, других можно рассматривать как воплощение человеческих слабостей и пороков. Иногда эти разнородные качества совмещаются в одной и той же человеческой личности, нередко попадающей в сложнейшие драматические ситуации нравственного выбора.
Творчество Рембрандта отличают глубочайший психологизм, сильнейший накал страстей и чувств. Придавая сценам элементы театральности, Рембрандт активно использует язык символов и аллегорий, в чём также можно увидеть своеобразную дань художника эстетике барокко.
Художественной метафорой Рембрандта, главным принципом его творческого метода стало искусство светотени, в котором ему, пожалуй, не было равных.
Художник выделяет с помощью света главные смысловые акценты в картине. Свет пульсирует на лицах, руках, одежде его героев, приводит в движение всё действие, растворяется во мгле и вновь неожиданно ярко сияет и вспыхивает. Контрасты света и тени усиливают динамику происходящего, осязаемо подчёркивают цвет, форму, объёмы и фактуру предметов. Эту удивительную особенность художественного мастерства Рембрандта отмечал и русский художник И. Е.Репин: «С особым счастьем купался он в прозрачных тенях своего воздуха, который неразлучен с ними всегда, как дивная музыка оркестра, его дрожащих и двигающихся во всех глубинах согласованных звуков».
В ранних картинах Рембрандта можно наблюдать множество едва заметных переходов от тёмного к светлому, градации золотисто-коричневого, красного и оливкового цветов. В поздних произведениях часто возникает эффект горящих и тлеющих тонов. Сверкающее золото парчовых мантий, переходы от тёмно- вишневого к ярким оттенкам красных раскалённых углей, словно вобравших в себя лучи света, а затем к угасающим тонам оранжевого — такова красочная палитра художника.
Значительное место в его творчестве занимают картины на мифологические и библейские темы. Художника особенно привлекала возможность откликнуться на вечные проблемы бытия, показать их теснейшую связь с современной действительностью. Мифологические и библейские сюжеты, лишённые привычной идеальной трактовки, давали неисчерпаемый материал для глубоких философских размышлений о сущности бытия и человеческой жизни. Краткая притча или легенда Ветхого и Нового Завета обретали в его произведениях жизненную достоверность, убедительность и силу. Каждый раз он предлагал зрителям собственное прочтение известного сюжета, интерпретируя его как сцену из жизни обыкновенных людей с их земными страстями и переживаниями.
В историю мировой живописи Рембрандт вошёл и как блестящий мастер автопортрета. Из года в год, иногда изо дня в день он изображал себя то весёлым или грустным, то рассерженным или равнодушным. В ста (!) созданных им автопортретах в живописи и графике — история его жизни, биография души, исповедь художника. В ранних произведениях он внимательно, глазами постороннего, рассматривает себя в зеркале, подмечая малейшие внешние перемены, останавливая мгновения собственной жизни. Поначалу он много экспериментировал, меняя выражения лица, позы, движения, используя различный формат, эффектные композиции, контрасты светотени. Мы видим то простодушного паренька с мельницы, то светского кавалера и озорного гуляку, властелина в восточном сказочном наряде. В знаменитом «Автопортрете с Саскией на коленях», написанном вскоре после женитьбы, он весело поднимает бокал за здравие своей жены, приглашая зрителей разделить с ним его счастье и радость.
Но с годами безудержное веселье молодости утихает. Теперь всё чаще можно видеть художника за работой: с палитрой или за гравировальным столиком. На нём нет дорогих украшений и богатых парчовых одежд, он одет в рабочий халат, на голове платок или повязка. Его мысли и чувства выстраданы и глубоко пережиты, проницательные глаза обращены к зрителям, они смотрят нам в душу... Теперь он не рассматривает, а изучает себя. Интроспекция (самонаблюдение) становится главной в его творчестве. На последнем автопортрете — беззубое старческое лицо, перекошенное гримасой смеха. Обращаясь к нам, он словно говорит: «Посмотрите, вот что сделала со мной жизнь...»
Рембрандт мастерски передаёт едва уловимые, тонкие и сложные психологические состояния человеческой души. Его герои незримо движутся, мыслят и чувствуют прямо у нас на глазах, но в то же время остаются наедине с собой. Их размышления — о вечном, о смысле жизни и неотвратимости смерти. С его портретов на нас смотрят самодовольные бюргеры, высокомерные чиновники, чопорные дамы, лицемерные проповедники. А рядом с ними — полные достоинства и внутреннего благородства поэты и писатели, вдохновенные люди искусства, талантливые учёные.
«Портрет Яна Сикса» считается одним из лучших творений художника. О чём думает друг Рембрандта, поэт, меценат и крупный промышленник? О долгой и верной дружбе? О том, как и почему стали расходиться их жизненные пути? В лице Сикса — сострадание, искренняя и горькая печаль. Он словно на минуту возникает из сумрака комнаты. На его элегантный светло-серый камзол с блестящими пуговицами накинут ярко-красный плащ с золотым шитьём. Чёрная широкополая шляпа и тёмный зеленоватый фон оттеняют выразительность умного лица. Свет пульсирует на его лице, руках, одежде, он трепещет в воздухе, приводя в движение всё, что находится вокруг. Он словно растворяется в осязаемой мгле и вдруг неожиданно вспыхивает, усиливая динамику изображения.
«Верность тона, правдивость жеста, безупречная строгость формы здесь таковы, что лучшего желать не приходится... Какой художник был бы в состоянии создать подобный портрет?» — восхищённо писал Э. Фромантен.
В более поздние годы Рембрандт всё чаще пишет старческие лица. В их печальных и необыкновенно выразительных взглядах он читает длинную, полную лишений и тревог уже прожитую жизнь. Мудрость опыта, спокойное отношение к приближающейся смерти особенно интересуют художника. Старость — это не крушение жизни, а её достойное и логичное завершение.
В «Портрете старушки» запечатлена старая женщина наедине со своими чувствами и мыслями. Мы ничего не знаем о ней, нет в картине никаких внешних деталей, рассказывающих о её прошлой жизни. Скупо изображён её скромный наряд — ничто не должно отвлекать зрителей от изображения её лица под красным бархатным капюшоном. Именно лицо становится духовным средоточием картины. Старушка погружена в молчаливое раздумье, внутрь себя, поза спокойна и свободна. Нет ничего, что бы могло нарушить её задумчивость, мерное течение жизни, длящееся бесконечно долго...
Наше знакомство с творчеством Рембрандта будет неполным, если мы не скажем об огромном графическом наследии художника. Известно, что Рембрандт много работал в технике офорта. Он покрывал металлическую доску слоем лака и тонкой иглой наносил на него рисунок. После этого погружал пластину в кислоту, протравливающую металл в процарапанных местах. Углублённые линии позволяли затем перенести рисунок на бумагу. В офортах Рембрандта проявились новые грани его таланта: тонкая детализация, свободный и непринуждённый штрих, максимальная живописность, чёткость линий и объёмов, удивительные градации чёрного и белого цветов, таящие в себе неисчерпаемые возможности использования светотеневой моделировки образов. По сравнению с живописными произведениями, офорты более разнообразны по тематике: библейские сюжеты, пейзажи, портреты. Каждый из офортов отличают высокая техника, особое чувство реального пространства.
Великие мастера голландской живописи
В XVII в. в Голландии популярными становятся жанры портрета и натюрморта, бытовая и пейзажная живопись, картины, посвящённые мифологическим и библейским сюжетам.
Особенно популярна была портретная живопись — индивидуальные и групповые изображения. Голландские бюргеры — новые хозяева жизни — хотели запечатлеть себя в представительном облике, свидетельствующем об их материальном достатке и высоком положении в обществе. Спрос на такие портреты был огромен.
Традиции группового портрета, сложившиеся на севере страны, восходили еще к XV в. Позднее стали заказывать большие полотна, на которых изображались торжественные собрания различных общин и объединений (стрелковых рот, попечителей больниц и богаделен, цеховых старшин и учёных обществ). Подобные портреты украшали стены ведомственных контор или залы заседаний.
Наиболее известным портретистом этого времени стал Франс Халс (между 1581/85—1666). «Групповой портрет офицеров стрелковой роты Святого Георгия» — одно из лучших произведений художника. Раз в три-четыре года в Харлеме, родном городе Халса, было принято набирать для охраны города стрелковые роты из местных жителей. Сам художник также служил рядовым в стрелковой роте Святого Георгия. По окончании службы в честь офицеров устраивали торжественный банкет, который мог продолжаться несколько дней. Столь важное событие нередко запечатлевалось на большом полотне.
Офицеры стрелковой роты, занятые неторопливой беседой, чинно восседают вокруг большого стола. На них чёрные мундиры с яркими шарфами через плечо. Удивительно живописны сияющие белизной гофрированные воротники и манжеты, эффектно заломленные широкополые шляпы, драгоценные эфесы шпаг и длинные древки алебард.
Перед художником стояла непростая задача: объединить в одной композиции, в максимально сжатом пространстве, 12 фигур! При этом необходимо было сохранить непринуждённость их поз, передать весёлую атмосферу праздничного застолья. Многие из участников непосредственно обращаются к зрителю взглядом или жестом. В центре, на самом почётном месте, восседает дородный командир роты с бокалом в руке. Маленькому
прапорщику за столом не хватило места, но он, подбоченившись, гордо стоит и смотрит прямо, приглашая зрителей полюбоваться его великолепным обмундированием.
Замечательны и индивидуальные портреты Халса. В самом заурядном персонаже он умел видеть интересное и наиболее выразительное. Один из современников художника справедливо писал:
«Халс, обладая... особой, необычной манерой письма, превосходит всех остальных, так как в его живописи заложена такая острота и жизненность, такая сила, что он во многих произведениях, кажется, самое природу вызывает на соревнование».
Стремительные мазки его кисти словно спешат за ускользающим мгновением, торопятся запечатлеть наиболее характерные моменты: внезапный взгляд и погружённость в собственные мысли, мимолётную улыбку и безудержный смех, искреннее переживание и душевный порыв...
Твоею дивной волей живописца
Подарен этим людям долгий век.
Румяны щёки, не ослабли мышцы,
Не изменились очертанья век.
Стрелки пируют. Синдики решают,
Каким налогом обложить товар,
И уважение почти внушает
Невозмутимый тучный пивовар.
А эти бюргеры, купцы, старухи,
Что выставлены Халсом напоказ,
Они ведь притворяются, что глухи,
И видят всё, глядя в упор на нас...
В. Элъснер. «Портреты Халса»
Довольно успешно в живописи Голландии развивался и бытовой жанр. С одной стороны, художники поэтизировали естественное течение повседневной жизни, а с другой — стремились к изображению гротескных, острых и живых ситуаций. Сцены из частной жизни средних и мелких бюргеров, городской бедноты и крестьянства, празднества и развлечения, музыкальные концерты, карточные игры «весёлого общества» становятся излюбленными сюжетами бытовой живописи. Часто в этих картинах символически передаются прописные истины бюргерской морали: вода со льдом ассоциируется с умеренным образом жизни, обезьянка — с дьяволом, подстерегающим гуляк и весельчаков, географическая карта на стене придает вполне домашней сцене «всемирный» масштаб. Историк искусства Е. И. Ротенберг справедливо отмечал:
«Заслуга голландцев состояла в том, что они первыми создали новый, более камерный тип жанровой композиции, выбрав для этого небольшой, так называемый кабинетный, формат. Такой формат, рассчитанный на особый принцип рассматривания и вживания в картину, оказался наиболее благоприятным и эффективным для сцен реального быта...»
Художников, работавших в этом жанре, называют малыми голландцами (Ян Стен (1626—1679), Питер де Хох (1629— 1684), Герард Терборх (1617—1681), Виллем Хеда, Питер Клас и др.), в отличие от тех, кто работал в больших форматах, а также от Рембрандта и Ф. Халса.
В историю мировой живописи голландцы вошли как непревзойдённые мастера натюрморта (фр. «мертвая природа»). Этому жанру в голландском языке больше соответствует слово «стиллевен» — «неподвижная жизнь», что гораздо точнее передаёт сущность жанра. «Тихая жизнь вещей» всегда привлекала голландских живописцев. Но если раньше изображение предметов реального мира имело чисто символический смысл и сводилось к их простому перечислению, то теперь оно являет зрителю единый ансамбль, обладающий скрытым назидательным смыслом.
Подобные картины пользовались огромным спросом, они предназначались для украшения интерьеров столовых, напоминая хозяевам дома о гастрономических радостях и красивой сервировке. Излюбленными сюжетами становились «завтраки», «десерты», цветочные букеты и аллегорические композиции. Со временем натюрморты превратились в зрелищные и многокрасочные картины, представляющие собой грандиозные пирамиды из изящной дорогой посуды и экзотических фруктов. Виллем Хеда (1594 — около 1680) и Питер Клас (около 1597 — около 1661) — наиболее известные художники этого жанра.
Популярным в голландской живописи XVII в. становится и пейзаж. Своеобразие данного жанра и его тематика определялись особенностью природы этой северной страны — её равнинными просторами и близостью моря. Художники отказывались от изображения идеальных вселенских пейзажей. Их интересовала окружающая обыденность, естественность жизненных ситуаций. Пейзажи действительно становятся «зеркалом Природы».
Маринисты специализировались на точном изображении кораблей прославленного морского флота Голландии. Они мастерски передавали буйство морской стихии и безбрежную гладь моря, влажный морской воздух, лёгкое дуновение ветерка и красоту высокого облачного неба. Дюны, просёлочные дороги, бедные крестьянские хижины, одинокие деревья, поваленные бурей, мельницы с широким взмахом крыльев, бурные водопады, каналы и пруды, скованные льдом, с бегущими фигурками конькобежцев становятся основными объектами изображения ху- дожников-пейзажистов. Среди них лучшими были Ян ван Гойен (1596—1656) и Якоб Рейсдал (1628—1682).
«Величайшим магом и волшебником живописи» ещё при жизни называли Яна Вермера (1632—1675). Позднее, в середине XIX в., его по праву стали причислять к основоположникам пленэрной (фр. р1ет а1г — открытый воздух) живописи, воспроизводящей малейшие изменения воздушной среды, обусловленные солнечным светом и состоянием атмосферы. Действительно, свет в картинах Вермера (их сохранилось около 40) едва заметно скользит по стенам и фасадам домов, поверхностям предметов, обтекает фигуры, переливаясь сотнями тончайших оттенков. Кисти художника подвластны как румянец и свежесть девичьего лица, бархатистость кожи, так и шероховатость старой кирпичной кладки, яркоизумрудная зелень вьющегося плюща и мерцающие блики зеркального водного пространства. Под воздействием света краски, нанесённые на холст, начинают звучать с особой силой и выразительностью .
Вермер был признанным колористом: сначала он наносил краски густыми и мягкими мазками, а при завершении работы, едва касаясь полотна тонкой кистью, придавал живость и изящество чётким формам и резким линиям. Создаётся впечатление, что художник не смешивает краски, а пользуется только насыщенными тонами. Но это ощущение ошибочно: в каждом его цвете растворены десятки различных нюансов, создающих феерическую цветовую гамму. Вермер особенно любил лимонножёлтые, васильково-синие, жемчужно-серые, белые и чёрные тона. В зависимости от солнечного освещения, воздушной атмосферы они играют и переливаются сотнями оттенков и бликов.
Интересно и композиционное решение картин Вермера. Он строит их максимально ясно и чётко. Его интерьеры не перегружены множеством второстепенных деталей, в них нет ничего лишнего. От предметов, расположенных на первом плане, глаз зрителя неизменно скользит в глубь картины, где разворачивается основное сюжетное действие. Одна-две фигуры помещены в уютном замкнутом интерьере, куда не доносятся шум и суета городских улиц. Люди заняты своим привычным делом: учтивые кавалеры неторопливо пьют вино, учёные погружены в атмосферу научного поиска, живописец сосредоточенно работает за мольбертом, служанки хлопочут по хозяйству, знатные дамы взвешивают жемчуг, примеряют драгоценное ожерелье. Молодые красивые девушки музицируют, читают любовные послания, плетут кружева. В их образах автора интересуют не мимолётные мгновения, как у Халса, а сложное, едва уловимое состояние души. Их повседневная жизнь протекает в медленном и размеренном ритме.
«Мгновение превращается для них в вечность, стрелка часов прекращает свой бег... Они не знают никаких забот, никаких волнений, им неведомы бурные страсти, их помыслы не идут намного дальше того, что их окружает... персонажи чувствуют себя хорошо лишь в уютных интерьерах, отграниченных от внешнего мира...» (В. Н. Лазарев)
Удивительной задушевностью проникнута «Кружевница» Вермера. Молодая девушка сидит за столиком, на котором разложены предметы рукоделия. Она поглощена любимым занятием. В левой руке девушка держит коклюшки с красными нитями, правой ловко натягивает их и с помощью булавок прикалывает кружево к подушечке согласно нанесённому рисунку. Солнечный свет как будто ласкает холст, ярко отражаясь на платье и воротничке девушки. На небольшом формате картины (24 х 21 см) художник сумел передать скромное обаяние героини.
К подлинным шедеврам принадлежит картина Вермера «Уличка», на которой изображён типичный городской пейзаж, вид из окон дома художника. Беден этот тихий закоулок его родного и любимого города, ставшего для него символом родины. Во всём видны следы трудолюбивых и заботливых рук его жителей: песок тротуара тщательно выметен и разглажен граблями, вымощенное разноцветной плиткой низкое крылечко вымыто до блеска, выбелены снизу известкой фасады домов, увитые плющом. Привычны занятия обитателей города: одна из женщин вяжет, две другие моют крылечко перед входом, четвёртая наливает воду в глубине двора.
Этому размеренному течению жизни противопоставлена природа. В хмурый, сумрачный день погода способна меняться чуть ли не каждое мгновение. По небу быстро проносятся облака, вот- вот заморосит дождь... Но через несколько минут вновь выглянет приветливое солнышко. Вибрирующие на свету краски передают богатство окружающего мира, радуют глаз, создают приподнятое настроение. Старая кирпичная стена буквально «дышит», подобно живому существу. Такие зрительные эффекты достигаются благодаря особой манере письма, когда художник, накладывая тонкой кисточкой светлые краски, передаёт фактуру камня, границы между кирпичной кладкой.
Вопросы и задания
В чём вы видите непреходящее значение творчества Рембрандта в истории мировой культуры?Объясните, в чём мастерство и глубина психологических характеристик в изображении персонажей на картинах Рембрандта.Каковы особенности художественной интерпретации мифологических и библейских сюжетов в творчестве Рембрандта? Какое место в них занимают реалистическая деталь, язык символов и аллегорических ассоциаций?Сравните портреты, созданные им в разные периоды, а их с известными вам произведениями других авторов, работавших в этом жанре. Что отличает творческую манеру Рембрандта?Как вы думаете, почему именно в Голландии наиболее отчётливо проявился реалистический характер живописи? Какими произведениями вы могли бы проиллюстрировать жанровое многообразие голландской живописи?
6*. Каковы характерные особенности портретного искусства Ф. Халса? Что отличает его творчество от современников (например, Рембрандта) и портретистов предшествующих эпох?
7*. Почему Вермера называют «величайшим магом и волшебником живописи»? Какова тематика его произведений и характерные черты художественной манеры? Какое развитие получает основной мотив его произведений — человек в интерьере?
Творческая мастерская
Какое воплощение в автопортретах Рембрандта находит принцип интроспекции (внимание к изображению внутреннего мира человека)? Сравните известные вам автопортреты художника.Одной из сквозных тем в творчестве Рембрандта была притча о блудном сыне. Какое художественное воплощение находит идея трагического познания жизни в его картине «Возвращение блудного сына»?Сравните «Снятие с креста» Рембрандта и Рубенса (или «Свадебный портрет с женой» Рубенса и «Автопортрет с Саскией на коленях» Рембрандта). Есть ли общие точки соприкосновения в творческом методе этих мастеров?Э. Фромантен считал, что «Рембрандт весь целиком в своих офортах. Его ум, стремления, фантазии, мечты, здравый смысл и химеры, попытки изобразить неизобразимое и открыть реальность в небытии — всё это обнаруживается в его офортах, которые позволяют предчувствовать живописца и, более того, объясняют его». Как офорты Рембрандта раскрывают его талант живописца? Сравните офорты Рембрандта и Дюрера — величайших мастеров в истории гравюры. Что отличает их творческую манеру?Что роднит творчество Рембрандта и Шекспира? Каково их отношение к проблемам рока и судьбы в жизни человека? В чём нашло выражение психологическое мастерство этих художников?Подготовьте рассказ о коллекциях произведений голландских мастеров XVII в. в собраниях отечественных музеев.
Темы проектов, рефератов или сообщений
«Место и художественная роль реалистической детали в произведениях Рембрандта»; «Мифологические и библейские сюжеты как отражение трагедий и драм современного человека в произведениях Рембрандта»; «Рок и судьба в жизни героев Рембрандта и Шекспира»; «Жанр портрета как отражение жизни человека в творчестве Рембрандта»; «О чём размышляют старики перед лицом вечности на полотнах Рембрандта? »; «Автопортреты Рембрандта — история жизни художника», «Автопортреты Рембрандта и Дюрера (Ван Гога)»; «Эволюция портрета в творчестве Рембрандта»; «Тьма и свет как поэтические метафоры в творчестве Рембрандта»; «Офорты Рембрандта и Дюрера: особенность творческой манеры мастеров».
«Многообразие жанров голландской живописи XVII в.»; «Халс — создатель галереи типов голландского общества»; «Зеркало Природы (пейзажная живопись голландских художников)»; «Вермер Делфтский — величайший маг и волшебник живописи»; «Человек в интерьере как основной мотив произведений Вермера»; «Единство человека и окружающей среды в картинах Вермера».
Книги для дополнительного чтения
Бонафу П. Рембрандт. М., 2002.
Григорьев Р. Г. Рембрандт — гравёр. СПб., 2006.
Декарг П. Рембрандт. М., 2000. (ЖЗЛ).
Золотов Ю. К. Вермер Делфтский. М., 1995.
Кузнецов Ю. И. Голландская живопись XVII—XVIII веков в Эрмитаже. Л., 1988.
Леонардо да Винчи, Микеланджело, Рафаэль, Рембрандт. М., 1993. (Биографическая библиотека Ф. Павленкова).
Линник И. Голландская живопись XVII в. и проблемы атрибуции картин. Л., 1980.
Мастера искусства об искусстве / под ред. А. А. Губера. М., 1967. Т. 3.
Ройтенберг О. Гальс. М., 1957.
Ротенберг Е. И. Голландское искусство XVII века. М., 1972.
Соколов М. Н. Бытовые образы в западноевропейской живописи XV—XVII веков.
Тарасов Ю.А. Голландский пейзаж XVII века. М., 1983.
Федотова Е. Рембрандт. М., 2005.
Шмит Г. Рембрандт. М., 1998.
При подготовке материала использован текст учебника «Мировая художественная культура. От XVIII века до современности» (Автор Данилова Г. И.).
sghistoryspb.ucoz.com
Наиболее ярким представителем голландской живописи был Я. ван Эйк, ставший одним из основоположников современной европейской живописи.
Рубеж XV-XVI вв. отмечен расцветом творчества И. Босха, искусство которого было проникнуто мистикой и отличалось большим своеобразием по сравнению с господствующими художественными течениями.
П. Брейгель поднял нидерландское искусство на мировой уровень. Его творчество в полной мере отразило реализм национальных художественных традиций. Брейгель стал создателем великолепных жанровых полотен, исполненных глубокого смысла; с большим пониманием запечатлел он сцены народной жизни своего времени.
В период «Золотого века голландской живописи» творили Ф. Хальс, создатель жанра группового портрета; блестящий пейзажист С. ван Рейсдал и многие другие художники.
Вершиной голландской живописи является творчество Рембрандта X. ван Рейна. Он оставил более 60 автопортретов, демонстрирующих бесконечное разнообразие проявлений человеческой личности. Последним шедевром Рембрандта стало глубоко философское полотно «Возвращение блудного сына», написанное по известному библейскому сюжету.
Южные Нидерланды, остававшиеся под испанским господством, пережили в первой половине XVII в. кратковременный расцвет искусств. Этому способствовало наличие развитых художественных традиций, а также промежуточное положение страны между ведущими центрами искусства того времени — Испанией и Голландией. Наиболее заметное место в художественной жизни Испанских Нидерландов того времени занимала фламандская школа живописи, сформировавшаяся под влиянием испанского барокко. Материал с сайта http://wikiwhat.ru
После достижения независимости Северные Нидерланды, наряду с Испанией и её нидерландскими владениями, заняли ведущее положение в художественной жизни Европы. Нидерландская культура XVII в. представляет собой уникальный феномен в истории. Это удивительное время породило непропорционально большое для такой маленькой страны количество великих художников и полотен, составивших славу мировой живописи. Объяснение этому феномену можно найти в многообразии условий, в которых развивались различные провинции и города Нидерландов. Как и в Италии, в Нидерландах появилось множество местных художественных школ, отличавшихся оригинальностью и своеобразной манерой.
Наибольшего расцвета достигла голландская школа живописи.
На этой странице материал по темам: 
Вопросы к этой статье: wikiwhat.ru
«Реалистические тенденции в живописи Голландии»
XVII—XVIII века — это время возникновения и развития в искусстве реалистических тенденций: объективности в передаче видимого, точности, конкретности, непредвзятости восприятия жизни, отсутствия идеализации, внимания к простонародным типам, глубокого, прочувствованного восприятия быта и природы, простоты и естественности в передаче человеческих чувств. Художники XVII в. только учились видеть жизнь такой, какая она есть.
Реалистические тенденции в живописи можно наблюдать в творчестве великого голландского художника Рембрандта. Обращаясь к своим ученикам, он говорил:
«Учись прежде всего следовать богатой природе и отображать то, что найдёшь в ней. Небо, земля, море, животные, добрые и злые люди — всё служит для нашего упражнения. Равнины, холмы, ручьи и деревья дают достаточно работы художнику. Города, рынки, церкви и тысячи природных богатств взывают к нам и говорят: иди, жаждущий знания, созерцай нас и воспроизводи нас».
Тщательно следуя природе, голландские мастера сумели открыть красоту зримого мира в самых разнообразных его проявлениях. Их произведения до сих пор сохраняют живой трепет реальной жизни, передают красочное богатство окружающего мира.
Творчество Рембрандта
Фраза Э. Делакруа «Правда — самое прекрасное и редкое качество » стала сутью творчества величайшего голландского художника Рембрандта Харменса ван Рейна (1606—1669). Он оставил потомкам огромное художественное наследие: около восьмисот картин и портретов, трехсот офортов и двух тысяч рисунков. Каждое из его произведений — свидетельство высочайшего мастерства и художественной правды. Жизненный и творческий путь этого замечательного художника был трагичен: от блистательной карьеры, всеобщего признания, богатства, счастливой семейной жизни к полному забвению, одиночеству и нищете. Живший в эпоху барокко, Рембрандт был её ярчайшим представителем, сумевшим выразить все противоречия и характерные черты своего времени.
Бесконечно разнообразна тематика произведений Рембрандта. В каждом из них — попытка передать духовную эволюцию человека, трагический путь познания жизни. Мир его персонажей, как и сама действительность, сложен и многолик. Его герои — люди с противоречивыми характерами и непростыми судьбами. Одни из них являются носителями мудрости и благородства, других можно рассматривать как воплощение человеческих слабостей и пороков. Иногда эти разнородные качества совмещаются в одной и той же человеческой личности, нередко попадающей в сложнейшие драматические ситуации нравственного выбора.
Творчество Рембрандта отличают глубочайший психологизм, сильнейший накал страстей и чувств. Придавая сценам элементы театральности, Рембрандт активно использует язык символов и аллегорий, в чём также можно увидеть своеобразную дань художника эстетике барокко.
Художественной метафорой Рембрандта, главным принципом его творческого метода стало искусство светотени, в котором ему, пожалуй, не было равных.
Художник выделяет с помощью света главные смысловые акценты в картине. Свет пульсирует на лицах, руках, одежде его героев, приводит в движение всё действие, растворяется во мгле и вновь неожиданно ярко сияет и вспыхивает. Контрасты света и тени усиливают динамику происходящего, осязаемо подчёркивают цвет, форму, объёмы и фактуру предметов. Эту удивительную особенность художественного мастерства Рембрандта отмечал и русский художник И. Е.Репин: «С особым счастьем купался он в прозрачных тенях своего воздуха, который неразлучен с ними всегда, как дивная музыка оркестра, его дрожащих и двигающихся во всех глубинах согласованных звуков».
В ранних картинах Рембрандта можно наблюдать множество едва заметных переходов от тёмного к светлому, градации золотисто-коричневого, красного и оливкового цветов. В поздних произведениях часто возникает эффект горящих и тлеющих тонов. Сверкающее золото парчовых мантий, переходы от тёмно- вишневого к ярким оттенкам красных раскалённых углей, словно вобравших в себя лучи света, а затем к угасающим тонам оранжевого — такова красочная палитра художника.
Значительное место в его творчестве занимают картины на мифологические и библейские темы. Художника особенно привлекала возможность откликнуться на вечные проблемы бытия, показать их теснейшую связь с современной действительностью. Мифологические и библейские сюжеты, лишённые привычной идеальной трактовки, давали неисчерпаемый материал для глубоких философских размышлений о сущности бытия и человеческой жизни. Краткая притча или легенда Ветхого и Нового Завета обретали в его произведениях жизненную достоверность, убедительность и силу. Каждый раз он предлагал зрителям собственное прочтение известного сюжета, интерпретируя его как сцену из жизни обыкновенных людей с их земными страстями и переживаниями.
В историю мировой живописи Рембрандт вошёл и как блестящий мастер автопортрета. Из года в год, иногда изо дня в день он изображал себя то весёлым или грустным, то рассерженным или равнодушным. В ста (!) созданных им автопортретах в живописи и графике — история его жизни, биография души, исповедь художника. В ранних произведениях он внимательно, глазами постороннего, рассматривает себя в зеркале, подмечая малейшие внешние перемены, останавливая мгновения собственной жизни. Поначалу он много экспериментировал, меняя выражения лица, позы, движения, используя различный формат, эффектные композиции, контрасты светотени. Мы видим то простодушного паренька с мельницы, то светского кавалера и озорного гуляку, властелина в восточном сказочном наряде. В знаменитом «Автопортрете с Саскией на коленях», написанном вскоре после женитьбы, он весело поднимает бокал за здравие своей жены, приглашая зрителей разделить с ним его счастье и радость.
Но с годами безудержное веселье молодости утихает. Теперь всё чаще можно видеть художника за работой: с палитрой или за гравировальным столиком. На нём нет дорогих украшений и богатых парчовых одежд, он одет в рабочий халат, на голове платок или повязка. Его мысли и чувства выстраданы и глубоко пережиты, проницательные глаза обращены к зрителям, они смотрят нам в душу... Теперь он не рассматривает, а изучает себя. Интроспекция (самонаблюдение) становится главной в его творчестве. На последнем автопортрете — беззубое старческое лицо, перекошенное гримасой смеха. Обращаясь к нам, он словно говорит: «Посмотрите, вот что сделала со мной жизнь...»
Рембрандт мастерски передаёт едва уловимые, тонкие и сложные психологические состояния человеческой души. Его герои незримо движутся, мыслят и чувствуют прямо у нас на глазах, но в то же время остаются наедине с собой. Их размышления — о вечном, о смысле жизни и неотвратимости смерти. С его портретов на нас смотрят самодовольные бюргеры, высокомерные чиновники, чопорные дамы, лицемерные проповедники. А рядом с ними — полные достоинства и внутреннего благородства поэты и писатели, вдохновенные люди искусства, талантливые учёные.
«Портрет Яна Сикса» считается одним из лучших творений художника. О чём думает друг Рембрандта, поэт, меценат и крупный промышленник? О долгой и верной дружбе? О том, как и почему стали расходиться их жизненные пути? В лице Сикса — сострадание, искренняя и горькая печаль. Он словно на минуту возникает из сумрака комнаты. На его элегантный светло-серый камзол с блестящими пуговицами накинут ярко-красный плащ с золотым шитьём. Чёрная широкополая шляпа и тёмный зеленоватый фон оттеняют выразительность умного лица. Свет пульсирует на его лице, руках, одежде, он трепещет в воздухе, приводя в движение всё, что находится вокруг. Он словно растворяется в осязаемой мгле и вдруг неожиданно вспыхивает, усиливая динамику изображения.
«Верность тона, правдивость жеста, безупречная строгость формы здесь таковы, что лучшего желать не приходится... Какой художник был бы в состоянии создать подобный портрет?» — восхищённо писал Э. Фромантен.
В более поздние годы Рембрандт всё чаще пишет старческие лица. В их печальных и необыкновенно выразительных взглядах он читает длинную, полную лишений и тревог уже прожитую жизнь. Мудрость опыта, спокойное отношение к приближающейся смерти особенно интересуют художника. Старость — это не крушение жизни, а её достойное и логичное завершение.
В «Портрете старушки» запечатлена старая женщина наедине со своими чувствами и мыслями. Мы ничего не знаем о ней, нет в картине никаких внешних деталей, рассказывающих о её прошлой жизни. Скупо изображён её скромный наряд — ничто не должно отвлекать зрителей от изображения её лица под красным бархатным капюшоном. Именно лицо становится духовным средоточием картины. Старушка погружена в молчаливое раздумье, внутрь себя, поза спокойна и свободна. Нет ничего, что бы могло нарушить её задумчивость, мерное течение жизни, длящееся бесконечно долго...
Наше знакомство с творчеством Рембрандта будет неполным, если мы не скажем об огромном графическом наследии художника. Известно, что Рембрандт много работал в технике офорта. Он покрывал металлическую доску слоем лака и тонкой иглой наносил на него рисунок. После этого погружал пластину в кислоту, протравливающую металл в процарапанных местах. Углублённые линии позволяли затем перенести рисунок на бумагу. В офортах Рембрандта проявились новые грани его таланта: тонкая детализация, свободный и непринуждённый штрих, максимальная живописность, чёткость линий и объёмов, удивительные градации чёрного и белого цветов, таящие в себе неисчерпаемые возможности использования светотеневой моделировки образов. По сравнению с живописными произведениями, офорты более разнообразны по тематике: библейские сюжеты, пейзажи, портреты. Каждый из офортов отличают высокая техника, особое чувство реального пространства.
Великие мастера голландской живописи
В XVII в. в Голландии популярными становятся жанры портрета и натюрморта, бытовая и пейзажная живопись, картины, посвящённые мифологическим и библейским сюжетам.
Особенно популярна была портретная живопись — индивидуальные и групповые изображения. Голландские бюргеры — новые хозяева жизни — хотели запечатлеть себя в представительном облике, свидетельствующем об их материальном достатке и высоком положении в обществе. Спрос на такие портреты был огромен.
Традиции группового портрета, сложившиеся на севере страны, восходили еще к XV в. Позднее стали заказывать большие полотна, на которых изображались торжественные собрания различных общин и объединений (стрелковых рот, попечителей больниц и богаделен, цеховых старшин и учёных обществ). Подобные портреты украшали стены ведомственных контор или залы заседаний.
Наиболее известным портретистом этого времени стал Франс Халс (между 1581/85—1666). «Групповой портрет офицеров стрелковой роты Святого Георгия» — одно из лучших произведений художника. Раз в три-четыре года в Харлеме, родном городе Халса, было принято набирать для охраны города стрелковые роты из местных жителей. Сам художник также служил рядовым в стрелковой роте Святого Георгия. По окончании службы в честь офицеров устраивали торжественный банкет, который мог продолжаться несколько дней. Столь важное событие нередко запечатлевалось на большом полотне.
Офицеры стрелковой роты, занятые неторопливой беседой, чинно восседают вокруг большого стола. На них чёрные мундиры с яркими шарфами через плечо. Удивительно живописны сияющие белизной гофрированные воротники и манжеты, эффектно заломленные широкополые шляпы, драгоценные эфесы шпаг и длинные древки алебард.
Перед художником стояла непростая задача: объединить в одной композиции, в максимально сжатом пространстве, 12 фигур! При этом необходимо было сохранить непринуждённость их поз, передать весёлую атмосферу праздничного застолья. Многие из участников непосредственно обращаются к зрителю взглядом или жестом. В центре, на самом почётном месте, восседает дородный командир роты с бокалом в руке. Маленькому
прапорщику за столом не хватило места, но он, подбоченившись, гордо стоит и смотрит прямо, приглашая зрителей полюбоваться его великолепным обмундированием.
Замечательны и индивидуальные портреты Халса. В самом заурядном персонаже он умел видеть интересное и наиболее выразительное. Один из современников художника справедливо писал:
«Халс, обладая... особой, необычной манерой письма, превосходит всех остальных, так как в его живописи заложена такая острота и жизненность, такая сила, что он во многих произведениях, кажется, самое природу вызывает на соревнование».
Стремительные мазки его кисти словно спешат за ускользающим мгновением, торопятся запечатлеть наиболее характерные моменты: внезапный взгляд и погружённость в собственные мысли, мимолётную улыбку и безудержный смех, искреннее переживание и душевный порыв...
Твоею дивной волей живописца
Подарен этим людям долгий век.
Румяны щёки, не ослабли мышцы,
Не изменились очертанья век.
Стрелки пируют. Синдики решают,
Каким налогом обложить товар,
И уважение почти внушает
Невозмутимый тучный пивовар.
А эти бюргеры, купцы, старухи,
Что выставлены Халсом напоказ,
Они ведь притворяются, что глухи,
И видят всё, глядя в упор на нас...
В. Элъснер. «Портреты Халса»
Довольно успешно в живописи Голландии развивался и бытовой жанр. С одной стороны, художники поэтизировали естественное течение повседневной жизни, а с другой — стремились к изображению гротескных, острых и живых ситуаций. Сцены из частной жизни средних и мелких бюргеров, городской бедноты и крестьянства, празднества и развлечения, музыкальные концерты, карточные игры «весёлого общества» становятся излюбленными сюжетами бытовой живописи. Часто в этих картинах символически передаются прописные истины бюргерской морали: вода со льдом ассоциируется с умеренным образом жизни, обезьянка — с дьяволом, подстерегающим гуляк и весельчаков, географическая карта на стене придает вполне домашней сцене «всемирный» масштаб. Историк искусства Е. И. Ротенберг справедливо отмечал:
«Заслуга голландцев состояла в том, что они первыми создали новый, более камерный тип жанровой композиции, выбрав для этого небольшой, так называемый кабинетный, формат. Такой формат, рассчитанный на особый принцип рассматривания и вживания в картину, оказался наиболее благоприятным и эффективным для сцен реального быта...»
Художников, работавших в этом жанре, называют малыми голландцами (Ян Стен (1626—1679), Питер де Хох (1629— 1684), Герард Терборх (1617—1681), Виллем Хеда, Питер Клас и др.), в отличие от тех, кто работал в больших форматах, а также от Рембрандта и Ф. Халса.
В историю мировой живописи голландцы вошли как непревзойдённые мастера натюрморта (фр. «мертвая природа»). Этому жанру в голландском языке больше соответствует слово «стиллевен» — «неподвижная жизнь», что гораздо точнее передаёт сущность жанра. «Тихая жизнь вещей» всегда привлекала голландских живописцев. Но если раньше изображение предметов реального мира имело чисто символический смысл и сводилось к их простому перечислению, то теперь оно являет зрителю единый ансамбль, обладающий скрытым назидательным смыслом.
Подобные картины пользовались огромным спросом, они предназначались для украшения интерьеров столовых, напоминая хозяевам дома о гастрономических радостях и красивой сервировке. Излюбленными сюжетами становились «завтраки», «десерты», цветочные букеты и аллегорические композиции. Со временем натюрморты превратились в зрелищные и многокрасочные картины, представляющие собой грандиозные пирамиды из изящной дорогой посуды и экзотических фруктов. Виллем Хеда (1594 — около 1680) и Питер Клас (около 1597 — около 1661) — наиболее известные художники этого жанра.
Популярным в голландской живописи XVII в. становится и пейзаж. Своеобразие данного жанра и его тематика определялись особенностью природы этой северной страны — её равнинными просторами и близостью моря. Художники отказывались от изображения идеальных вселенских пейзажей. Их интересовала окружающая обыденность, естественность жизненных ситуаций. Пейзажи действительно становятся «зеркалом Природы».
Маринисты специализировались на точном изображении кораблей прославленного морского флота Голландии. Они мастерски передавали буйство морской стихии и безбрежную гладь моря, влажный морской воздух, лёгкое дуновение ветерка и красоту высокого облачного неба. Дюны, просёлочные дороги, бедные крестьянские хижины, одинокие деревья, поваленные бурей, мельницы с широким взмахом крыльев, бурные водопады, каналы и пруды, скованные льдом, с бегущими фигурками конькобежцев становятся основными объектами изображения ху- дожников-пейзажистов. Среди них лучшими были Ян ван Гойен (1596—1656) иЯкоб Рейсдал (1628—1682).
«Величайшим магом и волшебником живописи» ещё при жизни называли Яна Вермера (1632—1675). Позднее, в середине XIX в., его по праву стали причислять к основоположникам пленэрной (фр. р1ет а1г — открытый воздух) живописи, воспроизводящей малейшие изменения воздушной среды, обусловленные солнечным светом и состоянием атмосферы. Действительно, свет в картинах Вермера (их сохранилось около 40) едва заметно скользит по стенам и фасадам домов, поверхностям предметов, обтекает фигуры, переливаясь сотнями тончайших оттенков. Кисти художника подвластны как румянец и свежесть девичьего лица, бархатистость кожи, так и шероховатость старой кирпичной кладки, яркоизумрудная зелень вьющегося плюща и мерцающие блики зеркального водного пространства. Под воздействием света краски, нанесённые на холст, начинают звучать с особой силой и выразительностью .
Вермер был признанным колористом: сначала он наносил краски густыми и мягкими мазками, а при завершении работы, едва касаясь полотна тонкой кистью, придавал живость и изящество чётким формам и резким линиям. Создаётся впечатление, что художник не смешивает краски, а пользуется только насыщенными тонами. Но это ощущение ошибочно: в каждом его цвете растворены десятки различных нюансов, создающих феерическую цветовую гамму. Вермер особенно любил лимонножёлтые, васильково-синие, жемчужно-серые, белые и чёрные тона. В зависимости от солнечного освещения, воздушной атмосферы они играют и переливаются сотнями оттенков и бликов.
Интересно и композиционное решение картин Вермера. Он строит их максимально ясно и чётко. Его интерьеры не перегружены множеством второстепенных деталей, в них нет ничего лишнего. От предметов, расположенных на первом плане, глаз зрителя неизменно скользит в глубь картины, где разворачивается основное сюжетное действие. Одна-две фигуры помещены в уютном замкнутом интерьере, куда не доносятся шум и суета городских улиц. Люди заняты своим привычным делом: учтивые кавалеры неторопливо пьют вино, учёные погружены в атмосферу научного поиска, живописец сосредоточенно работает за мольбертом, служанки хлопочут по хозяйству, знатные дамы взвешивают жемчуг, примеряют драгоценное ожерелье. Молодые красивые девушки музицируют, читают любовные послания, плетут кружева. В их образах автора интересуют не мимолётные мгновения, как у Халса, а сложное, едва уловимое состояние души. Их повседневная жизнь протекает в медленном и размеренном ритме.
«Мгновение превращается для них в вечность, стрелка часов прекращает свой бег... Они не знают никаких забот, никаких волнений, им неведомы бурные страсти, их помыслы не идут намного дальше того, что их окружает... персонажи чувствуют себя хорошо лишь в уютных интерьерах, отграниченных от внешнего мира...» (В. Н. Лазарев)
Удивительной задушевностью проникнута «Кружевница» Вермера. Молодая девушка сидит за столиком, на котором разложены предметы рукоделия. Она поглощена любимым занятием. В левой руке девушка держит коклюшки с красными нитями, правой ловко натягивает их и с помощью булавок прикалывает кружево к подушечке согласно нанесённому рисунку. Солнечный свет как будто ласкает холст, ярко отражаясь на платье и воротничке девушки. На небольшом формате картины (24 х 21 см) художник сумел передать скромное обаяние героини.
К подлинным шедеврам принадлежит картина Вермера «Уличка», на которой изображён типичный городской пейзаж, вид из окон дома художника. Беден этот тихий закоулок его родного и любимого города, ставшего для него символом родины. Во всём видны следы трудолюбивых и заботливых рук его жителей: песок тротуара тщательно выметен и разглажен граблями, вымощенное разноцветной плиткой низкое крылечко вымыто до блеска, выбелены снизу известкой фасады домов, увитые плющом. Привычны занятия обитателей города: одна из женщин вяжет, две другие моют крылечко перед входом, четвёртая наливает воду в глубине двора.
Этому размеренному течению жизни противопоставлена природа. В хмурый, сумрачный день погода способна меняться чуть ли не каждое мгновение. По небу быстро проносятся облака, вот- вот заморосит дождь... Но через несколько минут вновь выглянет приветливое солнышко. Вибрирующие на свету краски передают богатство окружающего мира, радуют глаз, создают приподнятое настроение. Старая кирпичная стена буквально «дышит», подобно живому существу. Такие зрительные эффекты достигаются благодаря особой манере письма, когда художник, накладывая тонкой кисточкой светлые краски, передаёт фактуру камня, границы между кирпичной кладкой.
mhkromanova.jimdo.com
Временем рождения голландской школы считаются первые годы XVII века. Эта школа относится к великим школам живописи и является независимой и самостоятельной школой, обладающей уникальными и неповторимыми особенностями и самобытностью.
Это имеет во многом историческое объяснение – новое течение в искусстве и новое государство на карте Европы возникли одновременно.
Голландия до XVII века не выделялась обилием национальных художников. Может быть, поэтому в дальнейшем в этой стране можно насчитать столь большое количество художников, причем именно голландских художников. Пока эта страна была одним государством с Фландрией, в основном во Фландрии интенсивно создавались и развивались самобытные живописные течения. Во Фландрии творили выдающиеся живописцы Ван Эйк, Мемлинг, Рогир ван дер Вейден, подобных которым не было в Голландии. Только отдельные всплески гениальности в живописи можно отметить в начале XVI века, это художник и гравер Лука Лейденский, который является последователем брюггской школы. Но Лука Лейденский не создавал никакой школы. То же самое можно сказать о живописце Дирке Боутсе из Харлема, творения которого почти не выделяются на фоне стиля и манеры истоков фламандской школы, о художниках Мостарте, Скореле и Хемскерке, которые, несмотря на все их значение, не являются индивидуальными талантами, своим своеобразием характеризующими страну.
Тогда итальянское влияние распространилось на всех, кто творил с помощью кисти – от Антверпена до Харлема. Это было одной из причин того, что границы стирались, школы смешивались, художники теряли свое национальное лицо. Не осталось в живых даже ни одного ученика Яна Скореля. Последний, самый знаменитый, величайший портретист, который вместе с Рембрандтом составляет гордость Голландии, художник, одаренный мощным талантом, прекрасно образованный, разнообразный по стилю, мужественный и гибкий по натуре, космополит, утративший все следы
своего происхождения и даже свое имя, - Антонис Моро, (он был официальным живописцем испанского короля) умер после 1588 года.
Оставшиеся в живых живописцы почти перестали быть по духу своего творчества голландцами, им не хватало организованности и способностей для обновления национальной школы. Это были представители голландского маньеризма: гравер Хендрик Гольциус, Корнелис Харлемский, подражавший Микеланджело, Абрахам Блумарт, последователь Корреджо, Михиль Миревельт, хороший художник-портретист, искусный, точный, лаконичный, немного холодный, современный для своего времени, но не являющийся национальным. Интересно, что только он один не поддался итальянскому влиянию, подчинившему себе большинство проявлений в живописи Голландии того времени.
К концу XVI века, когда портретисты уже создали школу, стали появляться и формироваться другие художники. Во второй половине годы XVI века родилось большое число живописцев, которые стали явлением в живописи, это уже почти пробуждение голландской национальной школы. Большое разнообразие талантов приводит к множеству различных направлений и путей развития живописи. Художники испытывают себя во всех жанрах, в различных цветовых гаммах: одни работают в светлой манере, другие – в темной (здесь сказалось влияние итальянского художника Караваджо). Светлой – привержены рисовальщики, темной – колористы. Начинаются поиски живописной манеры, разрабатываются правила изображения светотени. Палитра становится более раскованной и свободной, линии и пластика изображенного – тоже. Появляются прямые предшественники Рембрандта – его учителя Ян Пейс и Питер Ластман. Становятся более свободными и жанровые методы – историчность не так обязательна, как ранее. Создается особый, глубоко национальный и почти исторический жанр - групповые портреты, предназначенные для общественных мест – городских ратуш, корпораций, цехов и общин. На этом событии, наиболее совершенном по форме, заканчивается XVI и начинается XVII век.
Это только начало, зародыш школы, самой школы еще нет. Есть много талантливых художников. Среди них есть искусные мастера, несколько больших живописцев. Морельсе, Ян Равестейн, Ластман, Франс Хальс, Пуленбург, ван Схотен, ван де Венне, Томас де Кейсер, Хонтхорст, Кейп Старший, наконец, Эсайяс ван де Вельде и ван Гойен – все они родились еще в конце XVI века. В этом перечне есть и художники, имена которых сохранила история и те, кто представлял только отдельные попытки достичь мастерства и те, кто стали учителями и предшественниками будущих мастеров.
В развитии голландской живописи это был критический момент. При неустойчивом политическом равновесии все зависело только от случая. Во Фландрии, где наблюдалось похожее пробуждение, наоборот, уже чувствовалась уверенность и стабильность, которой пока не было в Голландии. Во Фландрии уже были художники, которые сформировались или были близки к этому. Политические и социально-исторические условия в этой стране были более благоприятными. Там было более гибкое и терпимое правительство, традиции и общество. Потребность в роскоши порождала настойчивую потребность в искусстве. В общем, были серьезные причины, чтобы Фландрия вторично стала великим очагом искусства. Для этого не хватало только двух вещей: нескольких лет мира и мастера, который был бы создателем школы.
В 1609 году, когда решалась судьба Голландии - Филипп III договорился о перемирии между Испанией и Нидерландами – как раз и появляется Рубенс.
Все зависело от политической или военной случайности. Побежденная и покоренная, Голландия должна была бы окончательно потерять самостоятельность. Тогда, конечно, не могло бы существовать две самостоятельных школы – в Голландии и во Фландрии. В стране, зависимой от итальяно-фламандского влияния, такая школа и талантливые самобытные художники не могли бы развиваться.
Для того, чтобы родился на свет голландский народ, и чтобы голландское искусство увидело свет вместе с ним, нужна была революция, глубокая и победоносная. Особенно важно было то, чтобы революция опиралась на справедливость, разум, необходимость, чтобы народ заслужил то, чего он хотел достичь, чтобы он был решителен, убежден в своей правоте, трудолюбив, терпелив, сдержан, героичен, мудр. Все эти исторические черты получили свое отражение в последующем при формировании голландской школы живописи.
Ситуация сложилась так, что война не разорила голландцев, а обогатила, борьба за независимость не истощила силы, а укрепила и воодушевила. В победе над захватчиками народ проявил то же мужество, что и в борьбе со стихиями, над морем, над затоплением земель, над климатом. То, что должно было уничтожить народ, послужило ему на пользу. Договора, подписанные с Испанией, дали Голландии свободу и укрепили ее положение. Все это и привело к созданию собственного искусства, которое прославило, одухотворило и выразило внутреннюю сущность голландского народа.
После договора 1609 года и официального признания Соединенных провинций сразу наступило затишье. Как будто благотворное, теплое веяние коснулось человеческих душ, оживило почву, нашло и пробудило ростки, уже готовые распуститься. Поразительно, как неожиданно, и за какой короткий срок – не больше тридцати лет - на маленьком пространстве, на неблагодарной пустынной почве, в суровых условиях жизни появилась чудесная плеяда живописцев, и притом великих живописцев.
Они появились сразу и повсюду: в Амстердаме, Дордрехте, Лейдене, Делфте, Утрехте, Роттердаме, Харлеме, даже за границей – как бы из семян, упавших за пределы поля. Самые ранние – Ян ван Гойен и Вейнантс, родившиеся на рубеже столетий. И далее, в интервале от начала века до конца его первой трети – Кейп, Терборх, Брауэр, Рембрандт, Адриан ван Остаде, Фердинанд Боль, Герард Дау, Метсю, Веникс, Вауэрман, Берхем, Поттер, Ян Стен, Якоб Рейсдаль.
Но на этом творческие соки не истощились. Далее родились Питер де Хох, Хоббема. Последние из великих – ван дер Хейден и Адриан ван де Вельде – родились в 1636 и 1637 годах. В это время Рембрандту было тридцать лет. Примерно эти годы можно считать временем первого расцвета голландской школы.
Рассматривая исторические события того времени, можно представить, каковы должны быть устремления, характер и судьба новой живописной школы. Что же могли в такой стране, как Голландия, написать эти художники.
Революция, давшая голландскому народу свободу и богатство, одновременно лишила его того, что повсюду составляет жизненную основу великих школ. Она изменила верования, изменила привычки, упразднила изображения как античных, так и евангельских сцен, остановила создание больших произведений – церковных и декоративных картин. Фактически перед каждым художником была альтернатива – быть оригинальным или не быть совсем.
Необходимо было создать искусство для нации бюргеров, которое им понравилось бы, изображало их и соответствовало им. Это были практичные, не склонные к мечтательности, деловые люди, с нарушенными традициями и настроенные антиитальянски. Можно сказать, что для голландского народа стояла простая и смелая задача – создать свой собственный портрет.
Голландская живопись, была и могла быть лишь выражением внешнего облика, верным, точным, похожим портретом Голландии. Это был портрет людей и местности, бюргерских нравов, площадей, улиц, полей, моря и неба. Основными элементами голландской школы были портрет, пейзаж, бытовые сцены. Такой была эта живопись с начала ее существования до упадка.
Может показаться, что нет ничего более простого, чем открытие этого обычного искусства. На самом деле, нельзя представить себе ничего равного ему по шири и новизне.
Сразу все изменилось в манере понимать, видеть и передавать: точка зрения, художественный идеал, выбор натуры, стиль и метод. Итальянская и фламандская живопись в лучших своих проявлениях еще понятны нам, потому что ими еще наслаждаются, но это уже мертвые языки, и пользоваться ими больше никто не будет.
В свое время существовала привычка мыслить возвышенно, обобщенно, существовало искусство, заключавшееся в умелом отборе предметов. В их украшении, исправлении. Оно любило показывать природу такой, какая она не бывает в действительности. Все изображаемое в большей или меньшей степени согласовывалось с личностью человека, зависело от нее и было ее подобием. В результате возникло искусство, для которого в центре находится человек, а все остальные образы вселенной воплощались либо тоже в человеческих формах, либо смутно отображались как вторичное окружение человека. Творчество развивалось по определенным схемам. Каждый предмет должен был заимствовать свою пластическую форму у одного и того же идеала. Человек должен был быть изображен чаще обнаженным, чем одетым, хорошо сложенным и красивым, чтобы он мог с соответствующим величием играть возложенную на него роль.
Теперь же задача живописи упростилась. Надо было дать каждой вещи или явлению её истинное значение, человека поставить на подобающее место, а в случае необходимости вообще обойтись без него.
Пришло время меньше размышлять, внимательно посмотреть на то, что поближе, наблюдать лучше и писать иначе. Теперь это живопись толпы, гражданина, человека труда. Нужно было стать скромным для всего скромного, малым для малого, неприметным для неприметного, принимать все, ничего не отвергая и не презирая, проникать в скрытую жизнь вещей, любовно сливаясь с их существованием, нужно было стать внимательным, любознательным и терпеливым. Гениальность теперь состоит в том, чтобы не иметь никаких предрассудков. Ничего не надо ни приукрашивать, ни облагораживать, ни обличать: все это ложь и бесполезный труд.
Голландские живописцы, творя в каком-нибудь уголке северной страны с водою, лесами, морскими горизонтами, смогли отразить целую вселенную в миниатюре. Маленькая страна, добросовестно изученная согласно вкусам и инстинктам наблюдателя, превращается в неисчерпаемую сокровищницу, изобильную, как сама жизнь, столь же богатую ощущениями, как богато ими человеческое сердце. Голландская школа растет и работает так в течение целого столетия.
Живописцы Голландии находили сюжеты и краски для удовлетворения любых человеческих склонностей и привязанностей, для натур грубых и деликатных, пылких и меланхоличных, мечтательных и веселых. Пасмурные дни сменяются веселыми солнечными днями, море то спокойно и сверкает серебром, то бурно и мрачно. Много пастбищ с фермами и много кораблей, теснящихся у берегов. И почти всегда ощущается движение воздуха над просторами и сильные ветры с Северного моря, которые громоздят облака, гнут деревья, верят крылья мельниц и гонят свет и тени. К этому надо добавить города, домашнюю и уличную жизнь, гулянья на ярмарках, изображение различных нравов, нужду бедных, ужасы зимы, безделье в тавернах с их табачным дымом и кружками пива. С другой стороны – обеспеченный образ жизни, добросовестный труд, кавалькады, послеобеденный отдых, охоты. Кроме этого – общественная жизнь, гражданские церемонии, банкеты. Получилось новое искусство, но со старыми, как мир, сюжетами.
Таким образом, возникло гармоническое единство духа школы и самое поразительное разнообразие, когда-либо возникавшее в пределах одного направления искусства.
В целом голландскую школу называют жанровой. Если же разложить ее на составляющие элементы, то можно различить в ней пейзажистов, мастеров группового портрета, маринистов, анималистов, художников, писавших групповые портреты или натюрморты. Если посмотреть более детально, то можно различить множество и жанровых разновидностей – от любителей живописности до идеологов, от копиистов натуры до ее интерпретаторов, от консервативных домоседов до путешественников, от тех, кто любит и чувствует юмор до художников, избегающих комедии. Вспомним картины юмор Остаде и серьезность Рейсдаля, невозмутимость Поттера и насмешливость Яна Стена, остроумие ван де Вельде и угрюмую мечтательность великого Рембрандта.
turboreferat.ru
МХК. 11 КЛАСС. РЕАЛИСТИЧЕСКАЯ ЖИВОПИСЬ ГОЛЛАНДИИ
Принципы реалистической живописи были сформулированы величайшим голландским художником Рембрандтом. Обращаясь к своим ученикам, он говорил: «Учись прежде всего следовать богатой природе и отображать то, что найдёшь в ней. Небо, земля, море, животные, добрые и злые люди — всё служит для нашего упражнения. Равнины, холмы, ручьи и деревья дают достаточно работы художнику. Города, рынки, церкви и тысячи природных богатств взывают к нам и говорят: иди, жаждущий знания, созерцай нас и воспроизводи нас».
Тщательно следуя природе, голландские мастера сумели открыть красоту зримого мира в самых разнообразных его проявлениях. Их произведения до сих пор сохраняют живой трепет реальной жизни, передают красочное богатство окружающего мира.
Многообразие жанров голландской живописи
В XVII в. в Голландии популярными становятся жанры портрета и натюрморта, бытовая и пейзажная живопись, картины, посвящённые мифологическим и библейским сюжетам. Каждый художник, как правило, специализировался в каком-нибудь одном жанре.
Особенно популярна была портретная живопись — индивидуальные и групповые изображения. Голландские бюргеры — новые хозяева жизни — хотели запечатлеть себя в представительном облике, свидетельствующем о материальном достатке и высоком положении в обществе. Спрос на такие портреты был огромен.
Традиции группового портрета, сложившиеся на севере страны, восходили ещё к XV в. Позднее стали заказывать большие полотна, на которых изображались торжественные собрания различных общин и объединений (стрелковых рот, попечителей больниц и богаделен, цеховых старшин и учёных обществ). Подобные портреты украшали стены ведомственных контор или залы заседаний. Одним из лучших портретистов этого времени стал Франс Халс (между 1581/85—1666).
Франс Халс. Групповой портрет офицеров стрелковой роты Святого Георгия. 1616 г. Музей Франса Халса, Харлем
«Групповой портрет офицеров стрелковой роты Святого Георгия» — одно из лучших произведений художника. Раз в три-четыре года в Харлеме, родном городе Халса, было принято набирать для охраны города стрелковые роты из местных жителей. Сам художник также служил рядовым в стрелковой роте Святого Георгия. По окончании службы в честь офицеров устраивали торжественный банкет, который мог продолжаться несколько дней. Столь важное событие нередко запечатлевалось на большом полотне.
Офицеры стрелковой роты, занятые неторопливой беседой, чинно восседают вокруг большого стола. На них чёрные мундиры с яркими шарфами через плечо. Удивительно живописны сияющие белизной гофрированные воротники и манжеты, эффектно заломленные широкополые шляпы, драгоценные эфесы шпаг и длинные древки алебард.
Перед художником стояла непростая задача: объединить в одной композиции, в максимально сжатом пространстве, двенадцать фигур! При этом необходимо было сохранить непринуждённость их поз, передать весёлую атмосферу праздничного застолья. Многие из участников непосредственно обращены к зрителю взглядом или жестом. В центре, на самом почётном месте, восседает дородный командир роты с бокалом в руке. Маленькому прапорщику за столом не хватило места, но он, подбоченившись, гордо стоит и смотрит прямо, приглашая зрителей полюбоваться его великолепным обмундированием.
Замечательны и индивидуальные портреты Халса. В самом заурядном персонаже он умел видеть интересное и наиболее выразительное. Один из современников художника справедливо писал: «Халс, обладая... особой, необычной манерой письма, превосходит всех остальных, так как в его живописи заложена такая острота и жизненность, такая сила, что он во многих произведениях, кажется, самоё природу вызывает на соревнование».
Стремительные мазки его кисти словно спешат за ускользающим мгновением, торопятся запечатлеть наиболее характерные моменты: внезапный взгляд и погружённость в собственные мысли, мимолётную улыбку и безудержный смех, искреннее переживание и душевный порыв...
Твоею дивной волей живописца
Подарен этим людям долгий век.
Румяны щёки, не ослабли мышцы,
Не изменились очертанья век.
Стрелки пируют. Синдики решают,
Каким налогом обложить товар,
И уважение почти внушает
Невозмутимый тучный пивовар.
А эти бюргеры, купцы, старухи,
Что выставлены Халсом напоказ,
Они ведь притворяются, что глухи,
И видят всё, глядя в упор на нас...
В. Элснер. «Портреты Халса»
Франс Халс. Портрет молодого человека с перчаткой. 1660-е гг. Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург
Довольно успешно в живописи Голландии развивался и бытовой жанр. С одной стороны, художники поэтизировали естественное течение повседневной жизни, а с другой — стремились к изображению гротескных, острых и живых ситуаций. Сцены из частной жизни средних и мелких бюргеров, городской бедноты и крестьянства, празднества и развлечения, музыкальные концерты, карточные игры «весёлого общества» становятся излюбленными сюжетами бытовой живописи. Часто в этих картинах символически передаются прописные истины бюргерской морали: вода со льдом ассоциируется с умеренным образом жизни, обезьянка — с дьяволом, подстерегающим гуляк и весельчаков, географическая карта на стене придаёт вполне домашней сцене «всемирный» масштаб.
«Заслуга голландцев состояла в том, что они первыми создали новый, более камерный тип жанровой композиции, выбрав для этого небольшой, так называемый кабинетный, формат. Такой формат, рассчитанный на особый принцип рассматривания и вживания в картину, оказался наиболее благоприятным и эффективным для сцен реального быта...» (Е.И. Ротенберг) Художников, писавших картины небольшого формата, называют малыми голландцами, в отличие от тех, кто работал в больших форматах, а также от Рембрандта и Ф. Халса. Это Ян Стен (1626— 1679), Питер де Хох (1629—1684), Герард Терборх (1617—1681), Биллем Хеда, Питер Клас и др.
Питер де Хох. хозяйка и служанка. 1657 г. Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург
Питер де Хох сумел глубоко постичь сущность домашней жизни голландского бюргера, её размеренный и неторопливый ритм, скромный уют семейного очага. Ему удалось сделать «будничное — поэтическим, тривиальное — возвышенным, самым незначительным деталям придать редкую одухотворённость» (В.Н. Лазарев). В его произведениях нет занимательных, остросюжетных рассказов или подробных характеристик действующих лиц. Офицеры, заботливые хозяйки и матери, домашняя челядь заняты привычными, повседневными делами. Прозаические детали быта (выбившаяся из матраца солома, горящий камин, открытые окна и двери) передают реальную атмосферу жизни человека. «Хозяйка и служанка» — одна из лучших картин художника. Местом действия становится чистый уютный дворик, залитый ярким солнечным светом. Сюда не проникают шум и суета городской жизни. К хозяйке только что подошла её служанка. Она показывает принесённую с базара рыбу в начищенном до зеркального блеска латунном ведре. Оставив на некоторое время рукоделие, хозяйка внимательно слушает и рассматривает покупку. Через несколько минут она отдаст необходимые распоряжения, и жизнь снова потечёт в привычном русле.
Основоположником светского жанра в голландской живописи по праву считают Герарда Терборха. Его картины отличают яркая выразительность запечатлённых ситуаций, умение передавать взаимоотношения героев с помощью красноречивых намёков и едва уловимых жестов. Особое место в его творчестве занимают женские образы: «...Пожалуй, никто из голландских живописцев не умел с такой естественностью, как Терборх, передавать специфику жеста женщины, когда она шьёт, держит бокал вина либо лютню или моет руки; и не только жест, а и движение тела, поворот головы, взгляд, направленный или на соответствующий предмет, или, так сказать, внутрь себя» (Б.Р. Виппер).
Герард Терборх. Бокал лимонада. 1660 г. Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург
Один из шедевров художника — картина «Бокал лимонада». Юный кавалер готовит лимонад для красивой молодой дамы, которая испытывает явное недомогание. За всем происходящим зорко следит «почтенная маменька» (возможно, и участливая сводня). Всё изображённое вполне можно было бы принять за галантную сцену в благородном семействе, если бы не отдельные детали картины. Прежде всего, бросается в глаза некоторая двусмысленность в поведении молодой парочки. В их говорящих взглядах и красноречивых жестах мастерски передан несомненный опыт в любовных делах. Жест правой руки стоящей за спиной «маменьки» явно намекает на скрытые прелести молодой дамы. Да и кажущийся новичком в этих делах кавалер не так уж неопытен и безгрешен.
В историю мировой живописи голландцы вошли как непревзойдённые мастера натюрморта (фр. «мёртвая природа»). Этому жанру в голландском языке больше соответствует слово «стиллевен» — «неподвижная жизнь», что гораздо точнее передаёт сущность этого жанра.
«Тихая жизнь вещей» всегда привлекала голландских живописцев. Но если раньше изображение предметов реального мира имело чисто символический смысл и сводилось к их простому перечислению, то теперь оно являет зрителю единый ансамбль, обладающий скрытым назидательным смыслом.
«Бесчисленные «Завтраки» с красными, как кумач, омарами, лоснящимися окороками, тучными ягодными пирогами, золотистыми лимонами... с бокалами, возвышающимися среди яств или опрокинутыми, с разлившимся вином, выдержанные в серебристо-розово-янтарной гамме, скомпонованные в единое органическое целое, изображают именно то, что требовалось от художника» (Л.Д. Любимов).
Подобные картины пользовались огромным спросом, они предназначались для украшения интерьеров столовых, напоминая хозяевам дома о гастрономических радостях и прелестях сервировки. Излюбленными сюжетами становились «завтраки», «десерты», цветочные букеты и аллегорические композиции. Со временем натюрморты превратились в зрелищные и многокрасочные картины, представляющие собой грандиозные пирамиды из изящной дорогой посуды и экзотических фруктов. Виллем Хеда (1594 — около 1680) и Питер Клас (около 1597 — около 1661) — наиболее известные художники этого жанра.
Питер Клас сосредоточился на изображении предметов, окружающих человека в реальной, повседневной жизни. Стеклянный бокал, солонка, металлическая тарелка с очищенным лимоном, селёдка на блюде, гроздь винограда, перец, орехи и булочка на картине «Завтрак» умело и тонко воспроизведены художником. Все предметы чинно расставлены на столе. Но присмотритесь, их порядок кажется слегка нарушенным. Он выдаёт недавнее присутствие здесь человека: косо поставлена восточная тарелка с перцем, откатилась небольшая виноградинка, расколот орех, недопито вино...
Питер Клас. Завтрак. 1646 г. ГМИИ им. А.С. Пушкина, Москва
Кисть художника словно ощупывает предметы, бережно и любовно выделяя их фактуру и форму, оттеняя рассеянным светом их внутреннее взаимодействие, сходство и различие. Декор на ножке бокала напоминает сочные виноградины, но кисть винограда воспринимается живой, а стекло холодно и мёртво. Коричневый цвет сближает поджаристую булку, орехи и копчёную селёдку. Но как различны при этом их форма и фактура! На блестящей поверхности бокала видно отражение окна, холодно сверкает металл, витая ручка ножа переливается в светлых лучах.
Виллем Хеда предпочитал писать «прерванные завтраки», в которых всё напоминает о недавнем присутствии человека (смятая скатерть, перепутанные предметы сервировки, еда, к которой едва прикоснулись). За кажущейся случайностью расположения предметов и вещей всегда скрывается тонкий расчёт и тщательная продуманность. Главное внимание художник сосредоточивает на их контрастности, особом освещении и передаче воздушного фона.
Виллем Хеда. Ветчина и серебряная посуда. 1649 г. ГМИИ им. А.С. Пушкина, Москва
В картине «Ветчина и серебряная посуда» представлены предметы на столе небедного человека. Для изысканных вещей стол служит своеобразным пьедесталом, подчёркивающим богатство и роскошь сервировки. Невзначай опрокинутый кубок и догоревшая свеча напоминают о бренности земного бытия и быстро текущем времени. Пирамидальная композиция и вертикальный формат картины передают важность и значительность изображённого. Нежный серебристый тон, пронизывающий всё пространство картины, рождает у зрителей чувство восхищения.
Популярнейшим жанром голландской живописи XVII в. становится пейзаж. Своеобразие этого жанра и его тематика определялись особенностью природы этой северной страны. Художники отказывались от изображения идеальных вселенских пейзажей. Их интересовала обычная природа, увиденная в естественной жизненной ситуации. Пейзажи действительно становятся «зеркалом Природы».
Маринисты специализировались на точном изображении кораблей прославленного морского флота Голландии. Они мастерски передавали буйство морской стихии и безбрежную гладь моря, влажный морской воздух, лёгкое дуновение ветерка и красоту высокого облачного неба. Дюны, просёлочные дороги, бедные крестьянские хижины, одинокие деревья, поваленные бурей, мельницы с широким взмахом крыльев, бурные водопады, каналы и пруды, скованные льдом, с бегущими фигурками конькобежцев становятся основными объектами изображения художников-пейзажистов.
Лучшие художники-пейзажисты — Ян ван Гойен (1596—1656) и Якоб Рейсдал (1628—1682). Мир природы у Яна ван Гойена — это мир повседневного бытия, это естественная жизнь лугов и полей, водных просторов, очаровательных сельских видов. Особенно удавалось художнику изображение неярких пасмурных дней, влажного, туманного воздуха, окутывающего очертания домов и деревьев. Всё в них пронизано ощущением реального пространства, чувством потока будничной жизни.
Якоб Рейсдал. болото. 1665 -1669 гг. Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург
Художник Якоб Рейсдал также сумел найти свою тему в пейзажной живописи. Его природа исполнена внутренней жизни, пронизана вечным движением, борьбой стихийных сил, контрастами света и тени. Он изображал мрачное небо с густыми облаками, полуразрушенные замки, церковные колокольни или одинокие мельницы. Его героями становятся быстрые ручьи и стоячая вода болот, поваленные бурей деревья, опадающая осенняя листва и молодая поросль. Каждый его пейзаж проникнут личными переживаниями и размышлениями об устройстве мироздания и о месте в нём человека.
stydopedia.ru
Если не считать Рембрандта, которого надо считать исключительным явлением, как для своей страны, так и для всех времен, то для всех остальных голландских художников характерны определенный стиль и метод. Законами для этого стиля служат искренность, доступность, естественность, выразительность. Если отнять у голландского искусства то, что можно назвать честностью, то вы перестанете понимать его жизненную основу и не сможете определить ни его нравственного облика, ни его стиля. В этих художниках, заслуживших в большинстве своем славу близоруких копиистов, чувствуешь возвышенную и добрую душу, верность правде, любовь к реализму. Все это придает их произведениям ценность, какой изображенные на них вещи сами по себе вроде бы и не имеют.
Началом для этого искреннего стиля и первый результат этого честного подхода – совершенный рисунок. Среди голландских живописцев у Поттера – проявление гениальности в точных выверенных измерениях и умении проследить движение каждой линии.
В Голландии небо занимает часто половину, а иногда и всю картину. Поэтому надо чтобы небо на картине двигалось, притягивало, увлекало нас за собой. Чтобы чувствовалось различие дня, вечера и ночи, чтобы ощущалась жара и холод, чтобы зритель и зяб, и наслаждался, и чувствовал необходимость сосредоточиться. Хотя, наверное, трудно назвать такой рисунок самым благородным из всех, но попробуйте найти в мире художников, которые писали бы небо, как Рейсдаль и ван дер Нер и сказали бы своим творчеством так много и так блестяще. Везде у голландцев тот же рисунок – сдержанный, лаконичный, точный, естественный и наивный, искусный, а не искусственный.
Палитра голландцев вполне достойна их рисунка, отсюда и вытекает совершенное единство их живописного метода. Любую голландскую картину легко узнать по внешнему виду. Она небольшого размера и отличается своими мощными строгими красками. Это требует от художника большой аккуратности, твердой руки, глубокой сосредоточенности, чтобы добиться концентрированного воздействия на зрителя. Художник должен углубиться в себя, чтобы вынашивать свой замысел, зритель – в себя, чтобы постичь замысел живописца. Именно голландские картины дают наиболее ясное представление об этом скрытом и вечном процессе: почувствовать, обдумать и выразить. Нет на свете картины, более насыщенной, так как именно голландцы включают столь большое содержание в столь маленькое пространство. Вот почему все принимает здесь точную, сжатую и уплотненную форму.
Всякая голландская картина является вогнутой, она состоит из кривых, описанных вокруг одной точки, являющейся воплощением замысла картины и теней, расположенных вокруг главного светового пятна. Прочная основа, убегающий верх и округлённые углы, стремящиеся к центру, - всё это вырисовывается, окрашивается и освещается по кругу. В результате картина приобретает глубину, а изображенные на ней предметы отдаляются от глаза зрителя. Зрителя как бы ведут от первого плана к последнему, от рамы - к горизонту. Мы как бы обитаем в картине, движемся, заглядываем вглубь, поднимаем голову, чтобы измерить глубину неба. Строгость воздушной перспективы, совершенное соответствие цвета и оттенков с местом в пространстве, которое занимает предмет.
Для более полного представления о голландской живописи следовало бы рассмотреть детально элементы этого течения, особенности методов, характер палитры, понять, почему она так бедна, почти одноцветна и так богата по результатам. Но все эти вопросы, как и многие другие, всегда были предметом догадок многих искусствоведов, но никогда не были достаточно изучены и выяснены. Описание основных черт голландского искусства позволяет уже отличать эту школу от других и проследить за ее истоками. Выразительным образом, иллюстрирующим эту школу, является картина Адриана ван Остаде из амстердамского музея «Ателье художника». Этот сюжет был одним из любимых для голландских живописцев. Мы видим внимательного человека, немного сгорбившегося, с подготовленной палитрой, тонкими, чистыми кистями и прозрачным маслом. Он пишет в полумраке. Лицо его сосредоточено, рука осторожна. Только, пожалуй, эти живописцы были более смепы и умели более беззаботно смеяться и радоваться жизни, чем можно заключить из сохранившихся изображений. Иначе как бы проявился их гений в атмосфере профессиональных традиций?
Основу для голландской школы заложили ван Гойен и Вейнантс в начале XVII века, установив некоторые законы живописи. Законы эти предавались от учителей к ученикам, и в течение целого века голландские живописцы жили ими, не отклоняясь в сторону.
голландская живопись маньеризм
Размещено на Allbest.ru
turboreferat.ru
ppt-online.org
