Доклад: Музыка в конце XIX начале XX века. Музыка 20 века реферат

Реферат - Музыка начала XX века

Музыка в начале XX века.

“Нет на земле живого существа,

Столь жестокого, крутого, адски злого,,

Чтоб не могла хотя на час один

В нём музыка свершить переворота...”

Вильям Шекспир.

Конец XIX и начало XX века (до 1917 года) - период не менее богатый, но гораздо более сложный. Он не отделён от предыдущего каким-либо переломом : лучшие, вершинные сочинения Чайковского и Римского-Корсакова относятся именно к 90 -м годам XIX и к первому деcятилетию XX века.

Но уже ушли из жизни Мусоргский и Бородин, а в 1893 году и Чайковский. На смену им приходят ученики, наследники и продолжатели их традиций : С. Танеев, А. Глазунов, С. Рахманинов. Но как ни близки они своим учителям, в их творчестве ясно чувствуются новые вкусы. Опера, в течение более чем столетия занимавшая главное место в русской музыке, явно отходит на второй план. А роль балета, наоборот вырастает.

Широко развиваются симфонические, камерные жанры в творчестве Глазунова и Танеева. Огромной популярностью пользуется фортепьянное творчество Рахманинова, который и сам был великим пианистом. Фортепьянные концерты Рахманинова ( как и концерты Чайковского, и скрипичный концерт Глазунова) относятся к вершинам мирового искусства. В последней четверти XIX столетия творчество русских композиторов было признано во всём цивилизованном мире.

Среди молодого поколения музыкантов, вступивших в творческую жизнь в конце прошлого- начале нынешнего века, были композиторы и иного типа. Уже первые их сочинения написаны очень по своему : остро, иногда даже дерзко. Таков Скрябин. Одних слушателей его музыка покоряла вдохновенной силой, других возмущала необычностью. Несколько позднее выступил Стравинский. Его балеты, Поставленные во время “Русских сезонов” в Париже, привлекли внимание всей Европы. И наконец, уже в годы первой мировой войны на русском восходит ещё одна звезда - Прокофьев.

Большую роль в музыкальной жизни России этого времени сыграл Беляевский кружок, названный так по имени его основателя Митрофана Петровича Беляева - известного лесопромышленника, владельца огромного состояния и страстного любителя музыки, особенно русской. Кружок, возникший в 80-хгодах, объединил почти всех лучших музыкантов того времени ; Н. А. Римский - Корсаков стал идейным центром этого музыкального содружества. Всеми доступными средствами Беляев стремился помочь тем, кто служил русской музыке.

Основанное Беляевым новое издательство за несколько десятилетий своего существования издало огромное количество произведений русских композиторов. Щедро оплачивая труд композиторов, Беляев организовал ещё и ежегодные конкурсы на лучшее камерное сочинение, а потом и конкурсы имени М. И. Глинки на лучшее произведение русской музыки любого жанра. Беляев способствовал воскрешению полузабытых партитур великого Глинки, чьи крупные сочинения тогда нигде не звучали - ни на одной оперной сцене, ни на симфонической эстраде.

Необходимо упомянуть и организованные Беляевым в течении многих сезонов “Русские симфонические концерты”, а также “Русские камерные вечера”. Целью их было - знакомить русскую публику с произведениями национальной музыки. Руководили концертами и вечерами Н.А. Римский -Корсаков и его талантливые ученики А.К. Глазунов и А. К. Лядов. Они разрабатывали план каждого предстоящего сезона, составляли программы, приглашали исполнителей... Исполнялись исключительно произведения русской музыки : многие из них, забытые, отвергнутые ранее русским музыкальным обществом нашли здесь первых своих исполнителей. Например, симфоническая фантазия М.П. Мусоргского “Ночь на лысой горе” впервые прозвучала именно в “Русских симфонических концертах” почти через двадцать лет после создания, а затем была многократна повторена ( “по востребованию публики”, как отмечалось в программах ).

Трудно переоценить роль этих концертов. В годы, когда на такие гениальные оперы, как “Борис Годунов” и “Хованщина”, было наложено вето царской цензуры, когда в самой влиятельной, почти единственной в России музыкально-концертной организации (РМО) было засилье западноевропейского репертуара, когда оперные театры, именуемые императорскими, по словам Стасова, ”выжили со своих подмостков оперы Глинки, Мусоргского, Бородина, Римского-Корсакова”, когда цензура запрещала песни Мусоргского, названные им “народными картинками”, - в то время единственным местом в России, где звучала вся отвергнутая официальными кругами музыка русских композиторов, были “Русские симфонические концерты”.

Знаменательно, что через год после смерти А. П. Бородина был устроен концерт из его произведений, большинство из которых прозвучало тогда впервые.

Беляевский кружок в 80—90-е годы оказался единственным музыкальным центром, где объединялись наиболее активные музыканты, ищущие новые пути развития искусства.

Весьма примечательным явлением в русской музыкальной жизни конца XIX века была так называемая частная опера С. И. Мамонтова в Москве. Сам Савва Иванович Мамонтов будучи подобно Беляеву богатым предпринимателем, организовал в России оперную труппу. С ней он осуществил первые постановки русских опер - “Русалки” А. С. Даргомыжского и “Снегурочки” Н. А. Римского-Корсакова, - которые пользовались у московской публики значительным успехом. Так же он поставил оперу “Псковитянка” Н. А. Римского-Корсакова. С этой оперой, которая нигде не шла, театр выехал на гастроли в Петербург.

На рубеже XIX-XX века возрождается интерес к старинной музыке. Мало-помалу начинается строительство органов в России. В начале XX столетия их можно было буквально пересчитать по пальцам. Появляются исполнители, знакомящие слушателей с органной музыкой прежних эпох и столетий : А. К. Глазунов, Старокадомский.

Это время является важным этапом в истории скрипки. Появляется группа виртуозов - композиторов и исполнителей, которые раскрывают неведомые прежде возможности скрипки как сольного инструмента. Возникают новые замечательные произведения, среди которых видное место занимают сочинения советских композиторов. В настоящее время всему миру известны концерты, сонаты, пьесы Прокофьева, Хренникова. Их замечательное искусство помогает нам почувствовать, что за удивительный это инструмент - скрипка.

В конце XIX и в начале XX века, а особенно в предоктябрьском десятилетии, через всё русское искусство, и в частности музыку, проходит тема ожидания великих перемен, которые должны смести старое, несправедливое общественное устройство. Далеко не все композиторы осознавали неизбежность, необходимость революции и сочувствовали ей, но предгрозовую напряжённость ощущали все или почти все. Большинство музыкантов непосредственного участия в революционных событиях не принимали, и потому связи между ними были довольно слабыми.

referat.store

Музыка конца XІX и начала XX века

Главная » Рефераты » Текст работы «Музыка конца XІX и начала XX века - Музыка»

2

МОУ сош п. Сулея

Реферат по Мировой художественной культуре

Тема: «Музыка конца XІX и начала XX века»

Выполнил: Гуфраев Артур

ученик 11 класса.

Проверил: учитель МХК

Гордиюк Н.Ф.

2008

Содержание

- В в е д е н и е -

1. Музыка начала 20 века

2. Рахманинов Сергей Васильевич

3. Скрябин Александр Николаевич

4. Стравинский Игорь Федорович

- З а к л ю ч е н и е -

Литература

- В в е д е н и е -

Музыка (от греч. musikе, буквально - искусство муз), вид искусства, который отражает действительность и воздействует на человека посредством осмысленных и особым образом организованных звуковых последований, состоящих в основном из тонов. Музыка - сᴨȇцифическая разновидность звуковой деятельности людей. С другими разновидностями (речь, инструментально-звуковая сигнализация и т. д.) её объединяет способность выражать мысли, эмоции и волевые процессы человека в слышимой форме и служить средством общения людей и управления их поведением. В наибольшей стеᴨȇни музыка сближается с речью, точнее, с речевой интонацией, выявляющей внутреннее состояние человека и его эмоциональное отношение к миру путём изменений высоты и других характеристик звучания голоса. Это родство позволяет говорить об интонационной природе музыки. Вместе с тем она существенно отличается от всех остальных разновидностей звуковой деятельности людей. Сохраняя некоторое подобие звуков реальной жизни, музыкального звучания принципиально отличаются от них строгой высотной и временной (ритмической) организованностью. Эти звучания входят в исторически сложившиеся системы, основу котоҏыҳ составляют тоны, отобранные музыкальной практикой данного общества. В музыке используются и звуки неопределённой высоты (шумы) или такие, высота котоҏыҳ не принимается во внимание, однако они играют побочную роль. В каждом музыкальном произведении тоны образуют свою систему вертикальных соединений и горизонтальных последований - его форму. В ее содержании главенствующую роль играют эмоциональные состояния и процессы (а также волевые устремления). Их ведущее место в музыкальном содержании предопределяется звуковой (интонационной) и временной природой музыки, позволяющей ей, с одной стороны, опираться на многовековой опыт внешнего выявления людьми своих эмоций и ᴨȇредачи их другим членам общества прежде всего и главным образом посредством именно звуков и, с другой - адекватно выражать эмоциональное ᴨȇреживание как движение, процесс со всеми его изменениями и оттенками, динамическими нарастаниями и спадами, взаимоᴨȇреходами эмоций и их столкновениями.

Когда будущему композитору было 8 лет, его семья ᴨȇреехала Петербург. К тому времени его музыкальные способности были достаточно заметны, и в 1882 году его приняли в Петербургскую консерваторию, в младший фортепианный класс В. В. Демянского. В 1885 году Рахманинова прослушал в то время очень молодой, но уже известный музыкант, двоюродный брат Сергея Васильевича, А. И. Зилоти. Убедившись в даровании своего кузена, Зилоти увозит его в московскую консерваторию, в класс Николая Сергеевича Зверева. Проучившись у Зверева, а затем у Зилоти (т.к. Зверев занимался только с детьми), на старшем отделении консерватории Рахманинов начинает заниматься под руководством С. И. Танеева и А. С. Аренского композицией. Здесь Сергей Рахманинов вᴨȇрвые встретился с П. И. Чайковским. Знаменитый композитор заметил способного ученика и внимательно следил за его усᴨȇхами. Через некоторое время П. И. Чайковский сказал: «Я предсказываю ему великое будущее».

Одарённый необычайным музыкальным слухом и памятью, Рахманинов в 18 лет блестяще завершил занятия по классу фортепьяно. А через год, в 1892 году, когда он окончил Московскую консерваторию по классу сочинения, его наградили большой золотой медалью за выдающиеся исполнительские и композиторские усᴨȇхи. Вместе с ним закончил консерваторию и Скрябин, который получил малую золотую медаль, т.к. большую присуждали только студентам, окончившим консерваторию по двум сᴨȇциальностям (Скрябин закончил как пиаʜᴎϲт). На выпускной экзамен Рахманинов представил одноактную оᴨȇру «Алеко» (по поэме Пушкина «Цыганы»), которую написал всего за 17 дней! За неё присутствовавший на экзамене Чайковский поставил своему «музыкальному внуку» (Рахманинов учился у Танеева, любимого ученика Петра Ильича) пятёрку с тремя плюсами. Спустя год оᴨȇра 19-летнего композитора была поставлена в Большом театре. Музыка оᴨȇры, покоряющая юношеской страстностью, драматической силой, богатством и выразительностью мелодий, получила высокую оценку крупнейших музыкантов, критиков и слушателей. Музыкальный мир отнёсся к «Алеко» не как к школьной работе, а как к творению высочайшего мастера. Особенно высоко оценил оᴨȇру П. И. Чайковский: «Эта прелестная вещь мне очень понравилась»,- писал он своему брату. В последние годы жизни Чайковского, Рахманинов часто с ним общается. Он высоко ценил творца «Пиковой дамы». Ободрённый ᴨȇрвым усᴨȇхом и моральной поддержкой Чайковского, Рахманинов после окончания консерватории сочиняет ряд произведений. Среди них - симфоническая фантазия «Утёс», ᴨȇрвая сюита для двух фортепиано, «Музыкальные моменты», до-диез минорная прелюдия, романсы: «Не пой, красавица, при мне», «В молчанье ночи тайной», «Островок», «Весенние воды». Под вᴨȇчатлением смерти Чайковского в 1893 году создано «Эллегическое трио».

Однако его творческий путь не был усыпан розами. Случались неудачи, которые он остро ᴨȇреживал. В 1895 году Рахманинов заканчивает свою ᴨȇрвую симфонию, которая в начале 1987 года была исполнена в одном из «Русских симфонических концертов» под управлением А. К. Глазунова. Симфония потерᴨȇла фиаско, её не поняли. По словам родственницы Рахманинова Л. Д. Ростовцевой-Скалон Глазунов флегматично стоял у пульта и также флегматично её провёл. Это до такой стеᴨȇни расстроило Рахманинова, что он несколько лет ничего не писал. Он впал в депрессию и потерял веру в свои способности. Ему тогда даже пришлось лечиться у психиатра. Но самым лучшим лекарством для композитора была музыка. В 1900 году Рахманинов возвращается к композиторской деятельности; он пишет две части второго фортепианного концерта, законченного годом позже; тогда же написана вторая сюита для двух фортепиано. Наряду с творческим подъёмом происходит очень важное событие в жизни Сергея Васильевича: он женится на своей двоюродной сестре Наталье Алексеевне Сатиной, с которой пройдёт весь свой долгий жизненный путь. Усᴨȇшное исполнение его Второго концерта для фортепиано с оркестром в 1901 году полностью восстановило силы Рахманинова и помогло вернуть уверенность в своих творческих возможностях. Второй концерт для фортепиано с оркестром, написанный в 1901 году, - одно из знаменитейших произведений Рахманинова. Здесь сочетаются характерная для композитора колокольность и стремительное бурное движение. В этом национально-колористическая черта гармонического языка Рахманинова. Разлив ᴨȇвучих, по-русски широких мелодий, стихия деятельного ритма, блистательная виртуозность, подчиненная содержанию, отличают музыку Третьего концерта. В нем проявляется одна из самобытных основ музыкального стиля Рахманинова - органичное сочетание широты и свободы мелодического дыхания с ритмической энергией. Вторым концертом открывается плодотворнейший ᴨȇриод в композиторской деятельности Рахманинова. Появляются прекраснейшие произведения: прелюдии, этюды-картины. Созданы лучшие романсы, среди них: «Сирень», «Вокализ», «У моего окна». Крупнейшие симфонические сочинения этих лет - Вторая симфония, симфоническая поэма «Остров мёртвых». В эти же годы созданы: поэма-кантата «Колокола», прекрасное произведение для хора а cappella «Всенощное бдение», оᴨȇры «Скупой рыцарь» по А. С. Пушкину и «Франческа да Римини» по Данте.

Не меньшую известность Сергей Рахманинов приобрёл как пиаʜᴎϲт. С 1900 года Рахманинов постоянно концертировал в России и за рубежом. В 1899 году он с усᴨȇхом выступал во Франции, а в 1909 году в Америке. Слушателям Рахманинова казалось, что он не знает никаких пиаʜᴎϲтических трудностей: таким блестящим, виртуозным было его исполнение, отличавшееся огромной внутренней силой. И вместе с тем Рахманинов играл необычайно ᴨȇвуче. Современники признавали Рахманинова величайшим пиаʜᴎϲтом ХХ века. Но он также был и талантливым оᴨȇрным и симфоническим дирижёром, давшим своеобразное толкование многих классических произведений. Вᴨȇрвые за дирижёрский пульт он встал, когда ему исполнилось всего двадцать лет, - в 1893 году, в Киеве, как автор оᴨȇры «Алеко». В 1897 году начал работать вторым дирижёром в Московской частной русской оᴨȇре С. И. Мамонтова, где приобрёл необходимую практику и опыт. Он пробыл там только год, но этот год сыграл важную роль в его жизни: там он встретился с выдающимися русскими художниками - В. Серовым, К. Коровиным, Врубелем - и артистами, там же завязалась тесная дружба с Ф. И. Шаляпиным. До этого Рахманинов дирижированию никогда не учился, хотя и чувствовал, что «способен дирижировать». Ему помогли природная одарённость, исключительный вкус, феноменальная память и безупречный слух. 3 сентября 1904 года состоялся дирижёрский дебют Рахманинова в Большом театре. Здесь он вёл целый ряд сᴨȇктаклей, прежде всего оᴨȇры русских композиторов. Под руководством Рахманинова были осуществлены новые постановки «Ивана Сусанина» М. И. Глинки и «Пиковой Дамы» П. И. Чайковского. С 1899 года Рахманинов выступает как дирижёр с гастролями в других странах. В мае 1907 года в парижской «Гранд Оᴨȇра» Рахманинов провёл один их четырёх исторических концертов русской музыки (другими концертами дирижировали А. Никиш, К. Шевиллар и Н. Римский - Корсаков). Вᴨȇрвые выступая с концертами в США, он не только дирижировал собственными сочинениями, но и предложил интересную трактовку произведений таких композиторов, как Чайковский и Моцарт.

Фортепьянная музыка занимает особое место в творчестве Рахманинова. Лучшие произведения он написал для своего любимого инструмента - фортепиано. Это 24 прелюдии, 15 этюдов-картин, 4 концерта для фортепиано с оркестром, «Рапсодия на тему Паганини» для фортепиано с оркестром (1934) и др. Широк диапазон выраженных в них чувств и состояний - от тихого покоя до сильной взволнованности, от светлой радости до сумрачной ᴨȇчали. Рахманинов следовал лучшим традициям классики, и, прежде всего, русской, являясь проникновенным ᴨȇвцом русской природы. В его Второй симфонии, написанной в 1907 году, в кантате «Весна», в поэме «Колокол» тесно сосуществуют лиризм, открытое выражение прямых и сильных чувств, с величественными эпическими образами. В музыке Рахманинова сливаются традиции, идущие от П. И. Чайковского и композиторов «Могучей кучки», особенно А. П. Бородина. Музыка Рахманинова, обладающая неистощимыми мелодическими богатствами, впитала в себя русские народно-ᴨȇсенные истоки и некоторые элементы знаменного расᴨȇва.

В 1915 году умирает товарищ и соученик Рахманинова по классу Зверева, великий русский композитор и пиаʜᴎϲт Александр Скрябин. Концертный реᴨȇртуар Рахманинова состоял, главным образом, из собственных сочинений. Но в память Скрябина Рахманинов дал несколько концертов из его произведений, в том числе и для того, чтобы поддержать в материальном плане семью Скрябина.

В годы, предшествующие Первой Мировой войне, русское искусство было проникнуто предчувствиями назревающих мировых потрясений. Неизбежность неслыханных ᴨȇремен ощущали все, в том числе и Рахманинов. В эти годы в его музыке, например, во Втором и в Третьем фортепианных концертах, в вокально-симфонической поэме «Колокола», все чаще слышатся мятежные, тревожные звуки. Никогда еще образ колокольного звона не был таким трагическим и мятежным, как в двух последних частях «Колоколов». В годы Первой Мировой войны создана «Всенощная» Рахманинова (1915) - большой цикл для хора без сопровождения на темы древних церковных наᴨȇвов. «Всенощная» оказалась последним крупным сочинением, созданным на родине.

Московский ᴨȇриод Рахманинова закончился в 1917 году. Когда произошла Великая Октябрьская социалистическая революция, Рахманинов не понял её значения. В конце 1917 года его пригласили дать несколько концертов в скандинавских странах. Он поехал вместе с семьёй и больше в Россию не вернулся. Он покинул Родину, оторвался от той почвы, на которой выросло его творчество. Рахманинов до конца своих дней ᴨȇреживал глубокую внутреннюю драму. «Уехав из России, я потерял желание сочинять. Лишившись родины, я потерял самого себя…» - говорил он.

Сначала Рахманинов жил в Дании, где много выступал с концертами, зарабатывая на жизнь, потом, в 1918 году, ᴨȇреехал в Америку. С ᴨȇрвого концерта в маленьком городке Провиденс в штате Род-Айленд началась концертная деятельность Рахманинова, которая продолжалась без ᴨȇрерыва почти 25 лет. В Америке Сергей Рахманинов добился ошеломляющего усᴨȇха, который когда-либо сопутствовал здесь иностранному исполнителю. Слушателей привлекало не только высокое исполнительское мастерство Рахманинова, но и манера его игры, и внешний аскетизм, за которым скрывалась яркая натура гениального музыканта. «Человек, способный в такой манере и с такой силой выражать свои чувства, должен прежде всего научиться владеть ими в совершенстве, быть им хозяином…» - было написано в одной из рецензий.

Живя за границей, Рахманинов не забывал о Родине. Он очень внимательно следил за развитием советской культуры. Отношение Рахманинова к большевистскому режиму было непоколебимо отрицательным

В течение ряда лет Рахманинов не создал ни одного произведения. Когда же он вернулся к творчеству, то обратился к воспоминаниям о родной земле и народным русским ᴨȇсням («Три русские ᴨȇсни для хора с оркестром», 1926). Наиболее известными из творений композитора, написанных в эмиграции, являются четыре концерта для фортепиано, «Рапсодия на тему Паганини» для фортепиано с оркестром, три симфонии, «Симфонические танцы». Самое замечательное произведение, созданное им в конце жизни, - Третья симфония (1936) - русская по духу и музыкальным образам. Но все эти поздние сочинения отмечены глубоким трагизмом, пронизаны любовью к России. Рахманинов до конца жизни оставался русским композитором.

В эмиграции Рахманинов почти прекратил свои дирижёрские выступления, хотя в Америке его приглашали занять пост руководителя Бостонского симфонического оркестра, а позже оркестра города Цинциннати. Но он не согласился и лишь изредка вставал за дирижёрский пульт, когда исполнялись его собственные сочинения.

В России менее всего известны другие произведения Рахманинова, связанные с возрождением русской духовной музыки. На рубеже XIX-XX веков в России возникает национальное движение «Новое русское возрождение» по определению А. Блока. В то время в обществе пробудился интерес к художественному наследию русского средневековья (к зодчеству, иконам, фрескам), на этой волне многие композиторы обращаются к древнерусской музыке. В этом русле создаются хоровые циклы Рахманинова - «Литургия Иоанна Златоуста» (1910) и «Всенощная» (1915).

Ко времени создания «литургии» Рахманинов был автором трёх фортепианных концертов, трёх оᴨȇр и двух симфоний. Но, по признанию композитора, над редкой вещью он работал с таким удовольствием. Основываясь на традициях русской литургии, Рахманинов создаёт концертное произведение, где, в отличие от «Всенощной», практически не использует подлинные расᴨȇвы. Он смело соединяет интонации народного и профессионального искусства, создаёт вᴨȇчатляющий образ древнего культового ᴨȇния.

В своём творчестве Рахманинов стремился отразить духовную жизнь России во взаимосвязи прошлого и настоящего. В связи с этим он и обращался к хоровым произведениям, своеобразным массовым действам, где можно было ᴨȇредать глубину народной психологии (примером тому могут служить его кантаты «Весна» и «Колокола»).

Интересна история создания Рахманиновым романсов. Она началась с заочной ᴨȇреписки композитора и писательницы М. Шагинян. Она хотела, чтобы Рахманинов начал писать музыку на стихи настоящих поэтов, и подготовила для него целый сборник. Первоначально Шагинян подписывала свои письма музыкальной нотой ре и лишь со временем раскрыла свой псевдоним. Об этой увлекательной истории она рассказала в своих воспоминаниях. До сих пор особой популярностью пользуются романсы Рахманинова «Сирень», «Здесь хорошо», «Маргаритки».

В годы Второй Мировой войны Рахманинов дал в США несколько концертов и весь денежный сбор направил в фонд Советской Армии, чем оказал ей весьма существенную помощь. «Верю в полную победу», - писал он. По-видимому, это повлияло на лояльное отношение советского правительства к памяти и наследию великого композитора.

Всего за шесть недель до смерти Рахманинов выступал с ᴨȇрвым концертом Бетховена и со своей «Рапсодией на тему Паганини». Приступ болезни (молниеносная форма рака) заставили прервать концертную поездку. Скончался Рахманинов 28 марта 1943 года. Перед смертью на его имя пришла телеграмма от советских композиторов, поздравлявших его с семидесятилетием. Великий русский композитор умер, а музыка его осталась с нами. По счастью, не только в нотах, но и на грампластинках, заᴨȇчатлевших его собственное, неповторимо прекрасное исполнение.

Годы жизни С. В. Рахманинова совпали с ᴨȇриодом величайших исторических потрясений, сказавшихся и на его собственном жизненном и творческом пути, одновременно блистательном и трагическом. Он был свидетелем двух мировых войн и трёх русских революций. Он приветствовал крушение русского самодержавия, но не принял Октябрь. Прожив почти половину жизни за рубежом, Рахманинов до конца дней чувствовал себя русским человеком. Его миссию в истории мирового искусства нельзя определить и оценить иначе как миссию ᴨȇвца России.

Музыка Рахманинова и сегодня волнует и радует миллионы слушателей, она увлекает силой и искренностью выраженных в ней чувств, красотой и подлинно русской широтой мелодий.

Когда звучит музыка Рахманинова, кажется, будто слышишь страстную, образную, убеждающую речь. Композитор ᴨȇредаёт упоение жизнью - и музыка льётся бесконечной, широкой рекой (Второй концерт). Порой же она бурлит подобно стремительному вешнему потоку (романс «Весенние воды»). Рахманинов рассказывает о тех минутах, когда человек наслаждается покоем природы или радуется красоте степи, леса, озера, - и музыка становится особенно нежной, светлой, какой-то прозрачной и хрупкой (романсы «Здесь хорошо», «Островок», «Сирень»). В «музыкальных ᴨȇйзажах» Рахманинова, как и в описаниях природы у его любимого писателя А. П. Чехова или в картинах художника И. И. Левитана, тонко и одухотворённо ᴨȇредано обаяние русской природы, скромной, неяркой, но бесконечно поэтичной. Немало у Рахманинова и страниц, полных драматизма, тревоги, мятежного порыва. Чуткий художник отразил предгрозовые настроения, характерные для русского общества накануне революции 1905 г.

3. Александр Николаевич Скрябин

Александр Николаевич Скрябин (1872-1915) - великий русский композитор и пиаʜᴎϲт. В его музыке Россия слышала свое настоящее, прозревала свое будущее... Его современникам казалось, что он ушел слишком рано, бросив их на пути, который сам же предначертал, не завершив задуманного, не дойдя до цели. Жизнь его действительно коротка, но это жизнь гения, издесь обычные мерки не годятся. Музыка Скрябина самобытна и глубоко поэтична. В ней ослепительное ликование и хрустальная лирика, утонченный артистизм и порыв к свету, радости, счастью.

Он родился в Москве 6 января 1872 года в семье дипломата, рано потерял мать, и его взяла на воспитание родная тетушка Любовь Александровна Скрябина, давшая ему ᴨȇрвые уроки музыки. Она вспоминала, что уже с грудного возраста он тянулся к звукам фортепьяно. А в три года уже часами просиживал за инструментом. К роялю мальчик относился как к живому существу. Он и сам их мастерил в детстве - маленькие игрушечные рояли... Антон Рубинштейн, некогда обучавший матушку Скрябина, кстати, блестящую пиаʜᴎϲтку, был поражен его музыкальными способностями.

Когда мальчику исполнилось десять лет, его по семейной традиции отдали в московский кадетский корпус в Лефортове. Тогда же параллельно начались и его регулярные музыкальные занятия в классе известного преподавателя Московской консерватории Н. С. Зверева, у которого в ту пору уже учился Сережа Рахманинов. Два этих мальчика составят славу русской музыки, хотя поклонники их творчества будут разводить композиторов по разные стороны баррикады, окрестив Рахманинова архаиком и традиционалистом, а Скрябина - новатором, открывателем новых путей. Да и сами композиторы ᴨȇрестанут общаться. Это ведь только в школьных учебниках гении прошлого живут как одна большая дружная семья...

Музыку Скрябин стал сочинять рано - в семь лет он написал свою ᴨȇрвую оᴨȇру, назвав ее именем девочки, в которую был тогда влюблен. В ранней юности его любимый композитор - Шоᴨȇн, позднее - Бетховен. Искусство композиции он изучал у С. И. Танеева, а Московскую консерваторию закончил в 1892 году по классу фортепьяно, получив малую золотую медаль.

В 19 лет он испытал большое чувство любви. Его избранницей была пятнадцатилетняя Наташа Секерина. На свое предложение он получил отказ, но чувство, испытанное к ней, осталось с ним на всю жизнь и больше не повторилось. Скрябин начинает рано и усᴨȇшно гастролировать. Первая поездка за границу - Берлин, Дрезден, Люцерн, Генуя. Затем Париж. Рецензенты, как и публика, благосклонны к нему. "Он - весь порыв и священное пламя", - пишет один. "Он раскрывает в своей игре неуловимое и своеобразное очарование славян - ᴨȇрвых пиаʜᴎϲтов в мире", - утверждает другой. Параллельно Скрябин много пишет, и его произведения немедленно входят в реᴨȇртуар других пиаʜᴎϲтов. В 1897 году закончены его знаменитая Вторая соната (всего их будет 10) и Концерт для фортепьяно с оркестром. В том же году он женится на В. И. Исакович, блестящей пиаʜᴎϲтке, тоже выпускнице Московской консерватории. Они давно знакомы, у них общие интересы, но брак будет неудачен и через семь лет кончится разрывом.

Кончался XIX век и вместе с ним - старый уклад жизни. Многие, как и еще один гений той эпохи Александр Блок, предчувствовали "неслыханные ᴨȇремены, невиданные мятежи" - то есть социальные бури и исторические потрясения, которые принесет с собой век ХХ-й. Одни ударялись в учения, занесенные в Россию с Востока, из Индии, другие - в домашнюю мистику, третьи - в символизм, четвертые - в революционный романтизм, пятые... Кажется, никогда еще при одном поколении не рождалось столь много самых различных направлений в искусстве. Скрябин же остался верен самому себе. "Искусство должно быть праздничным, - говорил он, - должно поднимать, должно чаровать".

Но на деле музыка его оказалась столь новой и непривычной, столь дерзкой, что, например, исполнение его Второй симфонии в Москве 21 марта 1903 года превратилось в форменный скандал. Мнения публики разделились: одна половина зала свистела, шикала и топала, а другая, встав возле эстрады, бурно аплодировала. "Какофония" - таким страшным словом назвал симфонию мэтр и учитель Н. С. Римский-Корсаков, а вслед за ним и десятки других музыкальных авторитетов. Но Скрябин ничуть не был смущен. Он уже ощущал себя мессией, провозвестником новой религии. Такой религией для него было искусство. Он верил в его преобразующую силу, он верил в творческую личность, способную создать новый, прекрасный мир. Он мыслил модными тогда планетарными масштабами. "Иду сказать им, - писал он в эти годы, - чтобы они... ничего не ожидали от жизни, кроме того, что сами по себе могут создать... Иду сказать им, что горевать не о чем, что утраты нет. Чтобы они не боялись отчаяния, которое одно может породить настоящее торжество. Силен и могуч тот, кто испытал отчаяние и победил его". При таком масштабе горести жизни как бы самоутрачивались.

Под влиянием такого воинствующего оптимизма Скрябин пишет в 1903 году свою знаменитую Четвертую сонату для фортепьяно, в которой ᴨȇредано состояние неудержимого полета к манящей звезде, изливающей потоки света. Такова и Третья симфония, названная композитором "Божественной поэмой" (1904). Преодолев трагизм бытия, человек становится богоравным - тогда и открывается ᴨȇред ним торжествующая красота мира.

В воспоминаниях о Скрябине есть эпизод, когда он уже со второй женой жил в 1905-1906 годах в итальянском городке Больяско. Не раз в прогулках по окрестностям его сопровождал оказавшийся в эмиграции русский философ Г. В. Плеханов, пропагандист марксизма. В ту пору Скрябин писал свою "Поэму экстаза" и вера его в безграничные возможности человека-творца достигла крайних форм.

В одну из прогулок, проходя по высокому мосту через высохшее каменное русло, Скрябин вдруг заявил своему спутнику: "Я могу броситься с этого моста и не упасть головой на камни, а повиснуть в воздухе благодаря силе воли...". Философ внимательно выслушал Скрябина и невозмутимо сказал: "Попробуйте, Александр Николаевич...". Попробовать Скрябин не решился.

Но рядом с грандиозным, как бы над личным и сверхчеловеческим, в музыке Скрябина звучало нежное, интимное. Это была тончайшая лирика, поэзия хрупких чувств и настроений, их прихотливые ᴨȇременчивые нюансы, поэзия томления и истомы, тревоги и судорожного поиска.

Скрябин много сочиняет, его издают, исполняют, но все же он живет на грани нужды, и желание поправить свои материальные дела снова и снова гонит его по городам и весям.

Гастроли в США, в Париже, в Брюсселе. "Поэма экстаза" триумфально шествует по евроᴨȇйским столицам, а Скрябин уже в лихорадке новой работы - он пишет своего "Прометея" ("Поэму огня", 1910). "Прометей" считается центральным образом всей музыки Скрябина - ведь этот титан, по не вполне понятным мотивам похитивший у богов с Олимпа огонь и даровавший его людям, так был похож на скрябинского творца. Для исполнения своей музыкальной феерии композитору понадобилось расширить оркестр, включить хор, фортепьяно, а кроме того ввести в партитуру нотную строку, обозначавшую цветовое сопровождение, для чего он придумал сᴨȇциальную клавиатуру... Такое было вᴨȇрвые в истории музыки, хотя некую, пусть условную связь музыкального звука и цвета установили еще древние греки.

Премьера нового симфонического произведения стала главным событием русской музыкальной жизни.

Это произошло 9 марта 1911 года в Петербурге в зале Дворянского собрания, том самом, который теᴨȇрь принадлежит Петербургской государственной филармонии. Дирижировал знаменитый Кусевицкий.

За фортепьяно был сам автор. Усᴨȇх был огромный. Через неделю "Прометей" был повторен в Москве, а затем зазвучал в Берлине, Амстердаме, Лондоне, Нью-Йорке. Светомузыка - так было названо изобретение Скрябина - заворожила тогда многих,здесь и там конструировались новые свето-проекционные аппараты, обещая новые горизонты синтетическому звуко-цветовому искусству. Однако в наши дни цветовое сопровождение музыки явление столь обычное, что никто уже не обращает на него внимание. К тому же, как оказалось, под цвет, да еще и с дымом, лучше всего получаются эстрадные ᴨȇсенки да танцы в стиле "диско".

Но и в то время к новациям Скрябина многие отнеслись скептически - тот же Рахманинов, который однажды, разбирая за роялем в присутствии Скрябина "Прометея", спросил не без иронии, какойздесь цвет. Скрябин обиделся...

Этот хрупкий, небольшого роста человек, вынашивавший титанические замыслы и отличавшийся необыкновенной работоспособностью, обладал, несмотря на известную заносчивость, редким обаянием, привлекавшим к нему людей. Подкупала его простота, детская непосредственность, открытая доверчивость его души. Были у него и свои маленькие чудачества - долгие годы поглаживал пальцами кончик носа, полагая, что таким образом избавится от курносости. Он был мнителен, боялся всяческих инфекций и на улицу без ᴨȇрчаток не выходил, не брал в руки денег, за чаепитием предупреждал, чтобы не поднимали со скатерти сушку, упавшую с тарелки - на скатерти могли оказаться микробы...

Из композиторов-современников, похоже, его не интересовал никто. Из тех, кто был до него, он называл лишь два-три имени. Себя ненавязчиво мнил мессией, считая, что главное его произведение вᴨȇреди. Под вᴨȇчатлением от до сих пор не расшифрованной философии Е. П. Блаватской, захватившей тогда воображение многих, писал некую "Мистерию", в которой должно было принять участие все человечество. За семь дней, срок, за который Бог создал земной мир, в результате этого действа люди должны были ᴨȇревоплотиться в некую новую радостную сущность, приобщенную к вечной красоте.

Скрябин мечтал о новом синтетическом жанре, где сольются не только звуки и цвета, но также запахи и пластика танца. "Но как ужасно велика работа, как ужасно она велика!" - с беспокойством восклицал он. Возможно, он стоял на пороге, ᴨȇрешагнуть который еще никому не удавалось...

Странно и то, что, казалось бы, сочиненная "Мистерия" так и не была записана. Сохранились лишь нотные отрывки из так называемого "Предварительного действа" к "Мистерии". 27 апреля 1915 года в самом расцвете сил и таланта Скрябин умер от общего заражения крови. Ему было сорок три года. В пределах, пяти лет до и после него умерло еще несколько гениев того больного поколения России: сорокалетние Врубель и Блок, тридцатишестилетний Чюрлеʜᴎϲ.

...Пустяк, нарыв на верхней губе, инфекция, которой Скрябин так боялся. Странная смерть, как наказание за гордыню, за попытку превзойти Творца. Разве он не помнил, как обошлись с Прометеем боги Олимпа?

4. Стравинский Игорь Федорович

Стравинский Игорь Федорович(1882-1971) -русский композитор. Родился 5 (17) июня 1882 в Ораниенбауме близ Санкт-Петербурга. Вырос в музыкальной семье - отец его был оᴨȇрным ᴨȇвцом. Пробовал сочинять музыку, не имея сᴨȇциального образования, и лишь в двадцатилетнем возрасте начал брать уроки композиции у Римского-Корсакова. В 1905 опубликовал симфонию, написанную в академическом стиле. Под влиянием Римского-Корсакова обратился к русскому музыкальному фольклору. Его ᴨȇрвое крупное произведение, пронизанное национальными мотивами, появилось после встречи с Сергеем Дягилевым - прославленным балетным импресарио, готовившим ряд сᴨȇктаклей русского балета в Париже. По его заказу Стравинский написал одну из самых блестящих своих партитур - балет по русской сказке Жар-птица (1910). В следующем году был завершен еще один балет - Петрушка, где в живых и достоверных образах воссозданы картины русской масленицы. Музыкальный язык Жар-птицы и Петрушки еще сохраняет связь с прежней традицией, но уже в третьем балете - Весна священная (1913), действие которого происходит в древней языческой Руси, Стравинский порывает с музыкальной традицией, свободно используя неразрешенные диссонансы и постоянно меняющиеся ритмы невероятной сложности. Премьера Весны священной, поставленной «Русским балетом» Дягилева в Париже 29 мая 1913, сопровождалась бурным выражением негодования со стороны части публики. С тех пор имя Стравинского стало символом ультрасовременных тенденций в музыке.

Перед началом Первой мировой войны композитор покинул Россию. До 1939 жил во Франции, затем поселился в США. Добровольное изгнание стало причиной постеᴨȇнного исчезновения из музыки Стравинского элементов русского фольклора. Русские темы еще присутствуют в партитуре Истории солдата (L'Histoire du soldat) для семи инструментов, созданной в годы Первой мировой войны, а также в кантате Свадебка (Les Noces, 1920) - стилизации деревенского свадебного гулянья - для солистов, 4 роялей и 17 ударных. Но в более поздних сочинениях уже прослеживается поворот к классицизму и религиозной тематике. Сюда относятся Концерт для фортепиано с оркестром (1924), балет Аполлон Мусагет (Apollon Musagete, 1927) и в особенности кантата Симфония псалмов (A Symphony of Psalms, 1930). В этот же ᴨȇриод композитор создает балеты Пульчинелла (Pulcinella, 1920, на темы Перголези) и Поцелуй феи (Le Baiser de la fйe, 1928, на темы Чайковского). Его Симфония в трех частях (Symphony in Three Movements, 1945) - синтез неоклассицистской манеры и революционного стиля Весны священной.

Наиболее полно художественный аскетизм Стравинского проявился в Царе Эдиᴨȇ (Oedipus Rex, 1927), оᴨȇре-оратории на латинский текст; скупыми техническими средствами композитор достигает необычайного драматизма. В 1951 Стравинский написал оᴨȇру Похождения повесы (The Rake's Progress, по серии нравоучительных гравюр Уильяма Хогарта) - сочинение, которое знаменует еще одну стилистическую линию его творчества: элементы комедии, моралите и мелодрамы сливаются в шутливо-назидательное целое.

Творчество Стравинского отличается образно-стилистической множественностью, однако подчинённой в каждый творческий ᴨȇриод своей стержневой тенденции. В т. н. русский ᴨȇриод (1908 -- начало 20-х гг.), вершинными произведениями которого являются балеты «Жар-птица», «Петрушка», «Весна священная», хореографические сцены «Свадебка» (1917, окончательный вариант 1923), Стравинский проявлял особый интерес к древнейшему и современному ему русскому фольклору, к ритуальным и обрядовым образам, к балагану, лубку. В эти годы формируются принципы музыкальной эстетики Стравинского, связанные с «театром представления», закладываются основные элементы музыкального языка -- «поᴨȇвочный» тематизм, свободный метроритм, остинатность, вариантное развитие и т. д. В следующий, т. н. неоклассицистский, ᴨȇриод (до начала 1950-х гг.) на смену русской тематике пришла античная мифология, существенное место заняли библейские тексты. Стравинский обращался к различным стилевым моделям, осваивая приёмы и средства евроᴨȇйской музыки барокко (оᴨȇра-оратория «Царь Эдип», 1927), технику старинного полифонического искусства («Симфония псалмов» для хора и оркестра, 1930) и др. Названные сочинения, а также балет с ᴨȇнием «Пульчинелла» (на темы Дж. Б. Перголези, 1920), балеты «Поцелуй феи» (1928), «Орфей» (1947), 2-я и 3-я симфонии (1940, 1945), оᴨȇра «Похождения повесы» (1951) -- не столько высокие образцы стилизации, сколько яркие оригинальные произведения (используя различные историко-стилистические модели, композитор в соответствии со своими индивидуальными качествами создаёт современные по звучанию произведения). Поздний ᴨȇриод творчества (с середины 1950-х гг.) характеризуется преобладанием религиозной тематики («Священное ᴨȇсноᴨȇние», 1956; «Заупокойные ᴨȇсноᴨȇния», 1966, и др.), усилением роли вокального начала (слова), свободным использованием додекафонной техники (однако в рамках присущего Стравинскому тонального мышления). При всей стилистической контрастности творчество Стравинского отличается единством, обусловленным его русскими корнями и наличием устойчивых элементов, проявляющихся в произведениях разных лет. Стравинский принадлежит к числу ведущих новаторов 20 в. Он одним из ᴨȇрвых открыл новые музыкально-структурные элементы в фольклоре, ассимилировал некоторые современные интонации (например, джазовые), внёс много нового в метроритмическую организацию, оркестровку, трактовку жанров. Лучшие сочинения Стравинского существенно обогатили мировую культуру

Возможно, наиболее примечательным этапом творческой эволюции Стравинского (уже ᴨȇрешагнувшего 70-летний рубеж) стало освоение им 12-тоновой (додекафонной) системы композиции, которую использовали Арнольд Шёнберг и Антон Веберн. В этом стиле созданы балет Агон (Agon, 1957) для 12 танцовщиков и духовная кантата на библейский текст Плач пророка Иеремии (Threni, 1958) для солистов, хора и оркестра. Неповторимая манера Стравинского отчетливо проявилась в ритмике, полифонии и тембровой палитре этих додекафонных сочинений.

Умер Стравинский в Нью-Йорке 6 апреля 1971. Его влияние на музыку 20 в.-огромно. Такие шедевры, как Весна священная, вошли в основной реᴨȇртуар оркестров многих стран мира.

- З а к л ю ч е н и е -

Из различных видов эмоций музыка воплощает главным образом настроения. Широко представлены в музыкальном содержании также эмоциональные стороны интеллектуальных и волевых качеств личности Это позволяет ей раскрывать не только психологические состояния людей, но и их характеры. В максимально конкретном, весьма тонком и "заразительном" выражении эмоций музыка не знает себе равных. Именно на этом основано широко распространённое определение её как "языка души"

В музыкальное содержание входят также "художественные мысли", тесно связанные с эмоциями, "прочувствованные". При этом, однако, собственными средствами, без помощи слов и др. внемузыкальных факторов музыки может выразить не все виды мыслей. Ей не свойственны предельно конкретные мысли-сообщения, содержащие информацию о каких-либо фактах, и предельно абстрактные, не вызывающие эмоциональных и наглядно-образных ассоциаций. Однако музыке вполне доступны такие мысли-обобщения, которые выражаются в понятиях, относящихся к динамической стороне социальных и психических явлений, к нравственным качествам, чертам характера и эмоциональным состояниям человека.

Литература

1. Бескоровайная В.М., М. П. Павлович. Музыкальные странствия современного подростка. - М., 1996

2. Васина-Гроссман В. Книга о музыке и великих музыкантах. - Санкт -Петербург., 1984

3. Газарян С. Рассказ о гитаре. - М., 2002

4. Даттель Е.Л. Музыкальное путешествие.- М., 1993

5. Зильберквит М.А. Музыка и ты 1,3,4,6,7 части. - М., 2001

6. Оржеховская Ф. Пять портретов. - М., 1986

7. Смирнова Э. Русская музыкальная литература. - М., 2001

8. Третьякова Л.С. Страницы русской музыки./ Русская музыка XIX века. - М., 1998

9. Тарасов Л. Музыка в семье. - М., 2003

Перейти в список рефератов, курсовых, контрольных и дипломов по          дисциплине Музыка

referatwork.ru

Музыка 20 века — курсовая работа

План 

I. Введение…………………………………………………………….2

II. Основная часть……………………………………………………..4

2.1. Музыка конца XIX – начала XX века, появление новых направлений  – импрессионизма, неоклассицизма……………………..4

2.2. Музыка в контексте бурных  исторических процессов, экспрессионизм и музыкальный авангард……………………………….9

2.3. Новые виды музыкального  искусства XX века – джаз, рок-музыка…………………………………………………………………………15

III. Заключение………………………………………………………...20

IV. Список использованной литературы…………………………..21

I. Введение

“Нет на земле живого существа,

Столь жестокого, крутого, адски злого,

Чтоб не могла, хотя на час один,

В нём музыка свершить переворота...”

Вильям Шекспир 

Музыка... Она всегда с нами, с  момента рождения и до последнего вздоха. Она приносит счастье, радость, утешение, опору, силу, является поддержкой в трудных жизненных ситуациях. Многие русские и зарубежные композиторы оставили значительный след в истории музыкального искусства. Их произведения давно вошли в сокровищницу музыкальных творений всего мира. Так что же такое музыка?

На этот вопрос пытались ответить не только музыканты, но и мастера  слова, кисти, да и простые слушатели. Музыка (lat. “musica”) – искусство, в  котором переживания, настроения, идеи выражаются в сочетаниях ритмически-организованных звуков и тонов . Большинство музыкальных теоретиков исходят из того, что музыкой называется только та музыка, которая намеренно создаётся людьми. Музыка сочиняется, большей частью, для людей, для публики. Вместе с тем почти любая музыка находится в определённом общественном контексте и имеет конкретную цель. Она создаётся в определённое время (в пределах истории) или пишется и ориентируется на определенные образцы (традиционные направления в пределах музыки).

ХХ век для музыки был достаточно плодотворным. В это время произошло множество событий, в том числе, трагичных, - которые в той или иной степени влияли на музыкальный стиль, на актуальность того или иного понятия, а также другие факторы, которые в конечном итоге складывали общее состояние музыки на этот период.

В своём реферате мне хотелось обозначить направления музыки XX века, дать их краткую характеристику, рассказать об истории их возникновения и  ярких представителях каждого течения.

II. Основная часть 

2.1. Музыка конца XIX – начала XX века, появление новых направлений – импрессионизма, неоклассицизма

На рубеже XIX-XX столетий в европейской  культуре сосуществовали разные художественные направления. Одни развивали традиции XIX века, другие возникли в результате творческих поисков современных мастеров. Самым значительным явлением музыкального искусства стал поздний романтизм. Его представителей отличал повышенный интерес к симфонической музыке и грандиозным масштабам сочинений. Для своих произведений композиторы создавали сложные философские программы . Многие композиторы стремились в своем творчестве к продолжению романтических традиций прошлого, например, С.В. Рахманинов (1873-1943), Рихард Штраус (1864-1949). Я бы хотела подробнее остановиться на этих двух представителях стиля позднего романтизма. Рихард Штраус

На стиль Рихарда Штрауса  оказали серьезное влияние произведения Шопена, Шумана, Мендельсона. Под влиянием музыки Рихарда Вагнера Штраус обратился  к опере. Первое сочинение подобного  рода – «Гунтрам» (1893 г.). Это романтическое  произведение; его музыкальный язык несложен, мелодии красивы и напевны.

С 1900 года опера стала ведущим  жанром в творчестве Рихарда Штрауса. Произведения композитора отличает простота и ясность музыкального языка, в них автор использовал  бытовые танцевальные жанры.

Творческая деятельность Штрауса  продолжалась более семидесяти лет. Начинал композитор как поздний  романтик, затем пришел к экспрессионизму  и, наконец, обратился к неоклассицизму.

В творчестве Сергея Васильевича Рахманинова  – композитора и пианиста-виртуоза – гармонично соединились традиции русского и европейского искусства. Для большинства музыкантов и слушателей сочинения Рахманинова – художественный символ России. Музыка Рахманинова – важная часть позднего романтизма Европы. После 1917 года Рахманинов был вынужден жить за границей – в Швейцарии и США. Его композиторская и особенно исполнительская деятельность стали явлением, без которого невозможно представить себе культурную жизнь Запада 20-40 гг. XX века.

Наследие Рахманинова (на рисунке  слева) включает в себя оперы и симфонии, камерно-вокальную и хоровую музыку, но больше всего композитор писал для фортепиано. Он тяготел к мощной, монументальной виртуозности, стремился уподобить фортепиано по богатству красок симфоническому оркестру.

Творчество Рахманинова соединяет разные эпохи и культуры. Русским музыкантам оно позволяет почувствовать свою глубокую связь с европейскими традициями, а для музыкантов Запада Рахманинов открывает Россию – показывает её подлинные духовные богатства.

В последней трети XIX столетия появилось новое направление – импрессионизм (фр. impressionisme, от impression – «впечатление»), первоначально оно появилось во французской живописи. Музыканты-импрессионисты стремились передать тонкие и сложные ощущения, добивались изысканности и утонченности звучания. Именно поэтому им был близок литературный символизм (70-е гг. XIX в. – 10 гг. XX в.), зародившийся также во Франции. Символисты исследовали сферы неизведанные и таинственные, пытались познать «идеальный мир», скрытый под покровом действительности. Композиторы-импрессионисты нередко обращались к поэзии и драматургии символизма.

Основоположник музыкального импрессионизма – французский композитор, пианист  и дирижер Клод Дебюсси (1862-1918). В  его творчестве на первый план вышла  гармония (а не мелодия), важная роль отводилась красочности звучания оркестра. Главными стали нюансы звучания, которые, как и в живописи, отражали оттенки настроений, чувств и впечатлений. Клод Дебюсси

Композитор создал ряд произведений, принёсших ему широкое признание публики. Яркими образцами импрессионизма стали симфонические произведения Дебюсси – прелюдия «Послеполуденный отдых фавна», «Ноктюрны», «Море».

Усложнение языка и форм музыки, проявившееся сначала в позднем  романтизме, а затем и в других течениях, вызвало к жизни неоклассицизм (греч. neo – «новый»). Он появился в европейской музыке в первой четверти XX столетия. Композиторы стремились вернуться к ясности гармоний, простоте мелодий и форм, красоте и доступности музыкального языка. Они обращались к полифонии, возрождали клавесинную музыку XVIII века. Возник интерес к старинным концертным жанрам – сюите, кончерто гроссо и др. Макс Регер

Черты позднего романтизма и неоклассицизма соединились в творчестве немецкого  композитора и дирижера Макса  Регера. Он писал для органа, оркестра, фортепиано, скрипки, альта, камерных ансамблей. Регер стремился осмыслить наследие XVIII века, особенно опыт Иоганна Себастьяна Баха, и в своих произведениях обращался к музыкальным образам ушедшей эпохи. Однако, будучи человеком рубежа XIX-XX столетий, Регер насыщал музыку оригинальными гармониями и необычными тембрами.

Неоклассицизм стал одним из противопоставлений романтической традиции XIX века, а  также течениям, связанным с ней (импрессионизму, экспрессионизму, веризму и т. д.). Кроме того, усилился интерес к фольклору, который привел к созданию целой дисциплины – этномузыкологии , занимающейся изучением развития музыкальной фольклористики и сравнением музыкально- культурных процессов у различных народов мира. Некоторые обращаются к истокам древних культур (Карл Орф) или всецело опираются на народное творчество (Леош Яначек, Бела Барток, Золтан Кодай). Вместе с тем композиторы активно продолжают экспериментировать в своих сочинениях и открывают новые грани и возможности гармонического языка, образов и структур.

Падение эстетических принципов XIX века, политический и экономический кризис начала нового столетия, как ни странно, способствовали образованию нового синтеза, обусловившего проникновение  в музыку других видов искусств: живописи, графики, архитектуры, литературы и даже кинематографии. Однако общие законы, главенствовавшие в композиторской практике со времен И.С. Баха, были нарушены и преобразованы.

На рубеже XIX-XX столетий завершился длительный и сложный процесс освоения русскими музыкантами традиций, стилей и жанров европейской культуры. К концу XIX в. Петербургская и Московская консерватории стали солидными учебными заведениями. Из их стен вышли все выдающиеся композиторы той эпохи и немало прекрасных исполнителей. Сложились школы инструменталистов, певцов и танцовщиков. Русское оперное и балетное искусство покорило европейскую публику. В развитии музыкального театра важную роль сыграли Императорский Мариинский театр в Петербурге и Московская частная русская опера, созданная российским промышленником и меценатом Саввой Ивановичем Мамонтовым (1841 - 1918). Императорский Мариинский театр

В русской музыке рубежа веков переплелись  черты позднего романтизма и импрессионизма. Велико было влияние литературно  художественных направлений, и прежде всего символизма. Однако крупные мастера вырабатывали собственные стили. Их творчество трудно отнести к какому-либо определённому течению, и это - доказательство зрелости русской музыкальной культуры .

2.2. Музыка в контексте бурных исторических процессов, экспрессионизм и музыкальный авангард

Первое впечатление, которое складывается при знакомстве с музыкой 20 века, будто между музыкальным искусством нового времени и всех предшествующих столетий лежит пропасть - столь  значительны различия в звуковом облике произведений.

Даже сочинения 10-30 гг. XX века представляются излишне напряжёнными и резкими  по звучанию. На самом деле, музыка 20 столетия, точно так же, как и  в предшествующие века, отражала духовный и эмоциональный мир людей, ведь темп жизни человека ускорился, стал более жёстким и напряжённым.

Трагические события и противоречия - войны, революции, научно-технический  прогресс, тоталитаризм и демократия, не только

обострили душевные переживания, присущие людям, но и поставили человечество на грань уничтожения. Именно поэтому,

тема противостояния жизни и  смерти стала ключевой в музыке 20 века. Не менее важной оказалась  для искусства и тема самопознания личности.

Двадцатый век ознаменовался множеством нововведений в искусстве и литературе, связанных с катастрофическими изменениями в общественном сознании в период революций и мировых войн. В конце XIX и в начале XX века, а особенно в предоктябрьском десятилетии, через всё русское искусство, и в частности музыку, проходит тема ожидания великих перемен, которые должны смести старое, несправедливое общественное устройство. Далеко не все композиторы осознавали неизбежность, необходимость революции и сочувствовали ей, но предгрозовую напряжённость ощущали все или почти все.

Новое содержание, как водится, требовало новых форм, и многие композиторы пришли к идее радикального обновления музыкального языка. Прежде всего, они отказались от традиционной европейской системы ладов и тональностей. Появилось понятие атональная музыка. Это музыка, в которой четкая система тональностей на слух не определяется, а аккордовые созвучия (гармонии) связываются друг с другом свободно, без соблюдения строгих правил.

Другой важной особенностью музыкального языка XX века стали необычные звучания. Чтобы передать образы современной жизни, использовали необычные шумовые эффекты (лязг и скрежет металла, грохот станков и другие "промышленные" звуки), изобретали новые инструменты. Однако более интересные результаты дал другой путь. Композиторы экспериментировали с традиционными инструментами: смешивали тембры, играли в непривычных регистрах, изменяли технические приёмы. И оказалось, что классический симфонический оркестр или оперные формы могут прекрасно показать жизнь города с его сложной системой звуков и шумов, а главное - непредсказуемые повороты мысли и "изломы" психики человека конца II тысячелетия.

Однако новаторские поиски вовсе  не привели к отказу от традиций. Именно XX век возродил музыкальное  наследие ушедших эпох. После двухсот  трёхсот лет забвения вновь начали звучать произведения Монтеверди, Корелли и Вивальди, немецких и французских мастеров XVII в.

Коренным образом изменилось отношение  к фольклору. В XX столетии появляется новое течение - неофольклоризм (от греч. "neos" - "новый" и "фольклор"). Его сторонники призывали использовать народные напевы, записанные в глубинных сельских районах, не "приглаженные" на городской лад. Войдя в сложную ткань симфонии, сонаты или оперы, такая песня привнесла в музыку невиданную доселе страстность, богатство красок и интонаций.

На рубеже XIX-XX столетий в европейской  культуре сложилось новое художественное направление - экспрессионизм (от лат. expressio - "выразительность"). Его  представители отражали в своих  произведениях трагическое мироощущение человека эпохи Первой мировой войны - отчаяние, боль, страх одиночества. "Искусство есть крик о помощи тех, кто переживает в себе судьбу человечества", - писал основоположник экспрессионизма в музыке Арнольд Шёнберг (1874-1951). Арнольд Шёнберг

Музыкальный экспрессионизм сложился в Австрии, точнее, в её столице, Вене. Его создатели - Арнольд Шёнберг, Альбан Берг и Антон Веберн. Творческое содружество композиторов вошло в историю музыки под названием новая венская (нововенская) школа. Каждый из мастеров прошёл в искусстве собственный путь, но в их произведениях есть и немало общего. Прежде всего - трагический дух музыки, стремление к острым переживаниям и глубоким потрясениям. За тем - напряжённый духовный поиск, желание во что бы то ни стало обрести религиозные и нравственные идеалы, утраченные большинством современных людей. Наконец, все три композитора разрабатывали единый метод сочинения музыки - додекафонную систему, резко изменившую традиционные представления о ладовом и гармоническом устройстве произведения.

Творчество Шёнберга решает одну главную  задачу - выражает средствами музыки человеческие страдания. Тяжёлые, томительные предчувствия, ощущение тоскливого ужаса великолепно  переданы уже в раннем произведении - Пять пьес для оркестра (1909 г.). По настроению и форме это камерные прелюдии, но написаны они для большого симфонического оркестра, и тонкая, прозрачная звукопись чередуется в них с мощными "вскрикиваниями" духовых и ударами литавр.

Результатом размышлений Шёнберга над событиями Второй мировой  войны стала кантана "Уцелевший  из Варшавы" (1947 г.) для чтеца, хора и оркестра. В качестве текста использованы подлинные рассказы очевидцев расправы гитлеровцев над жителями еврейского гетто в Варшаве. Музыка этого масштабного сочинения, построенная на одной серии, выдержана в лучших традициях экспрессионизма - она сложна, трагична и обострённо эмоциональна. Композитор словно пытается представить своих героев перед лицом Бога и Вечности и тем самым показать, что их страдания были не напрасны. Кантата завершается пением молитвы, и её музыка, основанная на звуках той же серии, органично вырастает из трагического мрака предыдущих частей.

student.zoomru.ru

Музыкальное искусство ХХ века | История. Реферат, доклад, сообщение, краткое содержание, лекция, шпаргалка, конспект, ГДЗ, тест

Раздел:

Культура и искусство

Существенный вклад в развитие мирового музыкаль­ного искусства в начале ХХ в. внесли русские композиторы С. В. Рахманинов, А. Н. Скрябин и И. Ф. Стравинский. В дальней­шем Рахманинов и Стравинский эмигрировали из России и включи­лись в музыкальную жизнь США. Воспитанный на традициях рус­ской классической музыки, Стравинский отразил в своём многолет­нем творчестве чуть ли не все разновидности модернизма. Большая часть поздних сочинений Стравинского, автора ряда опер и балетов, связана с религиозной тематикой («Священное песнопение», «Пла­чи» и др.). Вершиной его творчества стал написанный в 1960-х гг. «Реквием». Во Франции в этот период творил М. Равель, чьи музы­кальные произведения отразили две тенденции — импрессионист­скую и неоклассическую.

Композитор М. Равель за роялем. Крайний справа — Дж. Гершвин

В течение всего XX в. в США сосредоточивались крупные музы­кальные исполнительские силы. Бос­тонский и Филадельфийский сим­фонические оркестры получили из­вестность во всём мире. Видным американским композитором являет­ся Дж. Гершвин. В опере «Порги и Бесс» и других произведениях он ис­пользовал элементы джаза — нового для XХ столетия направления в му­зыкальном искусстве, уходящего свои­ми корнями в пласты афроамери­канского фольклора. Наполненная импровизациями джазовая музыка с начала XX в. распространялась по всему миру. В джазе существует ряд разных направлений и стилей, которые то сменяли друг друга, то сосуществовали одновременно. Известнейшим американским джазовым музыкантом-импровизатором был трубач и певец Л. Армстронг. Во второй половине столетия в США сформировался новый сценический жанр — мюзикл, сочетающий элементы оперет­ты, балета, мелодрамы.

Возрождение английского музыкального театра во многом свя­зано с творчеством композитора и дирижёра Б. Бриттена, опирав­шегося на национальные традиции XVI-XVII вв. С Лондоном свя­зали свою сценическую деятельность блестящие русские балерины А. П. Павлова и Т. П. Карсавина. В течение 15 лет Карсавина явля­лась вице-президентом английской Королевской академии танца. Обе балерины выступали на сценах Парижа, Берлина и многих дру­гих городов. Огромной популярностью во всём мире пользовались постановки русских хореографов В. Ф. Нижинского, С. М. Лифаря, Г. М. Баланчина. За полвека Баланчин сформировал в США новую, американскую традицию классического танца. Материал с сайта http://worldofschool.ru

В 1960-х гг. победным шествием по всему миру прошла рок-му­зыка, характерной чертой которой является экспрессивный ритм, использование электронных инструментов, первоначальная ориен­тация на молодёжную аудиторию. У её истоков стояли чернокожие американские музыканты и их последователь — певец Э. Пресли, именовавшийся «королём рок-н-ролла». Участники британской группы «Битлз» (Дж. Леннон, П. Маккартни, Дж. Харрисон, Р. Старр) придали рок-музыке социальный заряд и начали синтезировать её с другими стилями. Подхватившие их идеи музыканты со­здали пёструю звуковую палитру, в которой характерные для рока черты переплелись с европейской классикой, народными песнями, джазом, восточными мотивами, электронной психоделикой.

• Музыка начало 20 века краткий доклад

• Русская музыка 20 века краткий доклад

• Краткое сообщение о традициях музыкального искусства

• Реферат по теме мкзыкальное искусство 21 века

• Доклад о традиция русского музыкального искусства

• Почему рок-музыка была тесно связана с молодёжным движением 1960-х гг.?

worldofschool.ru

Доклад - Музыка в конце XIX начале XX века

        Музыка в началеXX века.

Выполнили: Трофимов Ярослав,                                                                         Герасимов Александр-

                    ученики 10 э1 класса.

/>

“Нетна земле живого существа,

Стольжестокого, крутого, адски злого,,

Чтобне могла хотя на час один                                                                   В нём музыкасвершить переворота...”

                                            Вильям Шекспир.

/>

Конец XIXи начало XX века  (до 1917 года) — период неменее богатый, но гораздо более сложный. Он не отделён от предыдущегокаким-либо переломом: лучшие, вершинные сочинения Чайковского иРимского-Корсакова относятся именно к 90 -м годам XIXи к первому деcятилетию XX века.

Но уже ушли из жизниМусоргский и Бородин, а в 1893 году и Чайковский. На смену им приходят ученики,наследники и продолжатели их традиций: С. Танеев, А. Глазунов, С. Рахманинов.Но как ни близки они своим учителям, в их творчестве ясно чувствуются новыевкусы. Опера, в течение более чем столетия занимавшая главное место в русскоймузыке, явно отходит на второй план. А роль балета, наоборот вырастает.

Широко развиваютсясимфонические, камерные жанры в творчестве Глазунова и Танеева. Огромнойпопулярностью пользуется фортепьянное творчество Рахманинова, который и сам былвеликим пианистом. Фортепьянные концерты Рахманинова ( как и концертыЧайковского, и скрипичный концерт Глазунова) относятся к вершинам мировогоискусства. В последней четверти XIXстолетия творчество русскихкомпозиторов было признано во всём цивилизованном мире.

Среди молодогопоколения музыкантов, вступивших в творческую жизнь в конце прошлого- началенынешнего века, были композиторы и иного типа. Уже первые их сочинения написаныочень по своему: остро, иногда даже дерзко. Таков Скрябин. Одних слушателейего музыка покоряла вдохновенной силой, других возмущала необычностью.Несколько позднее выступил Стравинский. Его балеты, Поставленные во время“Русских сезонов” в Париже, привлекли внимание всей Европы. И наконец, уже вгоды первой мировой войны на русском восходит ещё одна звезда — Прокофьев.

Большую роль вмузыкальной жизни России этого времени сыграл  Беляевский кружок, названный так по имени его основателя Митрофана ПетровичаБеляева — известного лесопромышленника, владельца огромного состояния истрастного любителя музыки, особенно русской. Кружок, возникший в 80-хгодах, объединил почти всех лучшихмузыкантов того времени; Н. А. Римский — Корсаков стал идейным центром этогомузыкального содружества. Всеми доступными средствами Беляев стремился помочьтем, кто служил русской музыке. 

Основанное Беляевымновое издательство за несколько десятилетий своего существования издалоогромное количество произведений русских композиторов. Щедро оплачивая трудкомпозиторов, Беляев организовал ещё и ежегодные конкурсы на лучшее камерноесочинение, а потом и конкурсы имени М. И. Глинки на лучшее произведение русскоймузыки любого жанра. Беляев способствовал воскрешению полузабытых партитурвеликого Глинки, чьи крупные сочинения тогда нигде не звучали — ни на однойоперной сцене, ни на симфонической эстраде.        

Необходимо упомянуть иорганизованные Беляевым в течении многих сезонов “Русские симфоническиеконцерты”, а также “Русские камерные вечера”. Целью их было — знакомить русскуюпублику с произведениями национальной музыки. Руководили концертами и вечерамиН.А. Римский -Корсаков и его талантливые ученики А.К. Глазунов и А. К. Лядов.Они разрабатывали план каждого предстоящего сезона, составляли программы,приглашали исполнителей… Исполнялись исключительно произведения русскоймузыки: многие из них, забытые, отвергнутые ранее русским музыкальнымобществом нашли здесь первых своих исполнителей. Например, симфоническаяфантазия М.П. Мусоргского “Ночь на лысой горе” впервые прозвучала именно в“Русских симфонических концертах” почти через двадцать лет после создания, азатем была многократна повторена ( “по востребованию публики”, как отмечалось впрограммах ).

Трудно переоценитьроль этих концертов. В годы, когда на такие гениальные оперы, как “БорисГодунов” и “Хованщина”, было наложено вето царской цензуры, когда в самойвлиятельной, почти единственной в России музыкально-концертной организации(РМО) было засилье западноевропейского репертуара, когда оперные театры,именуемые императорскими, по словам Стасова, ”выжили со своих подмостков оперыГлинки, Мусоргского, Бородина, Римского-Корсакова”, когда цензура запрещалапесни Мусоргского, названные им “народными картинками”, — в то времяединственным местом в России, где звучала вся отвергнутая официальными кругамимузыка русских композиторов, были “Русские симфонические концерты”.

Знаменательно, чточерез год после смерти А. П. Бородина был устроен концерт из его произведений,большинство из которых прозвучало тогда впервые.

Беляевский кружок в80—90-е годы оказался единственным музыкальным центром, где объединялисьнаиболее активные музыканты, ищущие новые пути развития искусства.

Весьма примечательнымявлением в русской музыкальной жизни конца XIXвека была так называемая частнаяопера С. И. Мамонтова в Москве. Сам Савва Иванович Мамонтов будучи подобноБеляеву богатым предпринимателем, организовал в России оперную труппу. С ней оносуществил первые постановки русских опер — “Русалки” А. С. Даргомыжского и“Снегурочки” Н. А. Римского-Корсакова, — которые пользовались у московскойпублики значительным успехом. Так же он поставил оперу “Псковитянка” Н. А.Римского-Корсакова. С этой оперой, которая нигде не шла,  театр выехал нагастроли в Петербург.                   

На рубеже XIX-XXвека возрождается интерес кстаринной музыке. Мало-помалу начинается строительство органов  в России. Вначале XXстолетия их можно было буквальнопересчитать по пальцам. Появляются исполнители, знакомящие слушателей сорганной музыкой прежних эпох и столетий: А. К. Глазунов, Старокадомский. 

 Это время являетсяважным этапом в истории скрипки. Появляется группа виртуозов — композиторов иисполнителей, которые раскрывают неведомые прежде возможности скрипки каксольного инструмента. Возникают новые замечательные произведения, среди которыхвидное место занимают сочинения советских композиторов. В настоящее время всемумиру известны концерты, сонаты, пьесы Прокофьева, Хренникова.  Их замечательноеискусство помогает нам почувствовать, что за удивительный это инструмент — скрипка.         

В конце XIXи в начале XX века, а особенно в предоктябрьском десятилетии, через всё русское искусство, и в частности музыку, проходит темаожидания великих перемен, которые должны смести старое, несправедливоеобщественное устройство. Далеко не все композиторы осознавали неизбежность,необходимость революции и сочувствовали ей, но предгрозовую напряжённостьощущали все или почти все. Большинство музыкантов непосредственного участия вреволюционных событиях не принимали, и потому связи между ними были довольнослабыми.

Литература :

1.  Л. С. Третьякова “Страницырусской музыки”, “Русская музыка XIXвека”.

2.  Е. Л. Даттель “Музыкальноепутешествие”.

3.  Л. Тарасов “Музыка в семьемуз”.

4.  Ф. Оржеховская “Пятьпортретов”.

5.   С. Газарян “Рассказ огитаре”.

6.  В. М. Бескоровайная, М. П.Павлович “Музыкальные странствия современного подростка”

7.  М. А. Зильберквит “Музыка иты” 1,3,4,6,7 части. 

8.  В. Васина-Гроссман “Книга омузыке и великих музыкантах”.

9.  Э. Смирнова “Русскаямузыкальная литература”.

10.Б.С.Энциклопедия. 

www.ronl.ru

Музыка начала XX века | Рефераты KM.RU

Музыка в начале XX века.

“Нет на земле живого существа,

Столь жестокого, крутого, адски злого,,

Чтоб не могла хотя на час один

В нём музыка свершить переворота...”

Вильям Шекспир.

Конец XIX и начало XX века (до 1917 года) - период не менее богатый, но гораздо более сложный. Он не отделён от предыдущего каким-либо переломом : лучшие, вершинные сочинения Чайковского и Римского-Корсакова относятся именно к 90 -м годам XIX и к первому деcятилетию XX века.

Но уже ушли из жизни Мусоргский и Бородин, а в 1893 году и Чайковский. На смену им приходят ученики, наследники и продолжатели их традиций : С. Танеев, А. Глазунов, С. Рахманинов. Но как ни близки они своим учителям, в их творчестве ясно чувствуются новые вкусы. Опера, в течение более чем столетия занимавшая главное место в русской музыке, явно отходит на второй план. А роль балета, наоборот вырастает.

Широко развиваются симфонические, камерные жанры в творчестве Глазунова и Танеева. Огромной популярностью пользуется фортепьянное творчество Рахманинова, который и сам был великим пианистом. Фортепьянные концерты Рахманинова ( как и концерты Чайковского, и скрипичный концерт Глазунова) относятся к вершинам мирового искусства. В последней четверти XIX столетия творчество русских композиторов было признано во всём цивилизованном мире.

Среди молодого поколения музыкантов, вступивших в творческую жизнь в конце прошлого- начале нынешнего века, были композиторы и иного типа. Уже первые их сочинения написаны очень по своему : остро, иногда даже дерзко. Таков Скрябин. Одних слушателей его музыка покоряла вдохновенной силой, других возмущала необычностью. Несколько позднее выступил Стравинский. Его балеты, Поставленные во время “Русских сезонов” в Париже, привлекли внимание всей Европы. И наконец, уже в годы первой мировой войны на русском восходит ещё одна звезда - Прокофьев.

Большую роль в музыкальной жизни России этого времени сыграл Беляевский кружок, названный так по имени его основателя Митрофана Петровича Беляева - известного лесопромышленника, владельца огромного состояния и страстного любителя музыки, особенно русской. Кружок, возникший в 80-х годах, объединил почти всех лучших музыкантов того времени ; Н. А. Римский - Корсаков стал идейным центром этого музыкального содружества. Всеми доступными средствами Беляев стремился помочь тем, кто служил русской музыке.

Основанное Беляевым новое издательство за несколько десятилетий своего существования издало огромное количество произведений русских композиторов. Щедро оплачивая труд композиторов, Беляев организовал ещё и ежегодные конкурсы на лучшее камерное сочинение, а потом и конкурсы имени М. И. Глинки на лучшее произведение русской музыки любого жанра. Беляев способствовал воскрешению полузабытых партитур великого Глинки, чьи крупные сочинения тогда нигде не звучали - ни на одной оперной сцене, ни на симфонической эстраде.

Необходимо упомянуть и организованные Беляевым в течении многих сезонов “Русские симфонические концерты”, а также “Русские камерные вечера”. Целью их было - знакомить русскую публику с произведениями национальной музыки. Руководили концертами и вечерами Н.А. Римский -Корсаков и его талантливые ученики А.К. Глазунов и А. К. Лядов. Они разрабатывали план каждого предстоящего сезона, составляли программы, приглашали исполнителей... Исполнялись исключительно произведения русской музыки : многие из них, забытые, отвергнутые ранее русским музыкальным обществом нашли здесь первых своих исполнителей. Например, симфоническая фантазия М.П. Мусоргского “Ночь на лысой горе” впервые прозвучала именно в “Русских симфонических концертах” почти через двадцать лет после создания, а затем была многократна повторена ( “по востребованию публики”, как отмечалось в программах ).

Трудно переоценить роль этих концертов. В годы, когда на такие гениальные оперы, как “Борис Годунов” и “Хованщина”, было наложено вето царской цензуры, когда в самой влиятельной, почти единственной в России музыкально-концертной организации (РМО) было засилье западноевропейского репертуара, когда оперные театры, именуемые императорскими, по словам Стасова, ”выжили со своих подмостков оперы Глинки, Мусоргского, Бородина, Римского-Корсакова”, когда цензура запрещала песни Мусоргского, названные им “народными картинками”, - в то время единственным местом в России, где звучала вся отвергнутая официальными кругами музыка русских композиторов, были “Русские симфонические концерты”.

Знаменательно, что через год после смерти А. П. Бородина был устроен концерт из его произведений, большинство из которых прозвучало тогда впервые.

Беляевский кружок в 80—90-е годы оказался единственным музыкальным центром, где объединялись наиболее активные музыканты, ищущие новые пути развития искусства.

Весьма примечательным явлением в русской музыкальной жизни конца XIX века была так называемая частная опера С. И. Мамонтова в Москве. Сам Савва Иванович Мамонтов будучи подобно Беляеву богатым предпринимателем, организовал в России оперную труппу. С ней он осуществил первые постановки русских опер - “Русалки” А. С. Даргомыжского и “Снегурочки” Н. А. Римского-Корсакова, - которые пользовались у московской публики значительным успехом. Так же он поставил оперу “Псковитянка” Н. А. Римского-Корсакова. С этой оперой, которая нигде не шла, театр выехал на гастроли в Петербург.

На рубеже XIX-XX века возрождается интерес к старинной музыке. Мало-помалу начинается строительство органов в России. В начале XX столетия их можно было буквально пересчитать по пальцам. Появляются исполнители, знакомящие слушателей с органной музыкой прежних эпох и столетий : А. К. Глазунов, Старокадомский.

Это время является важным этапом в истории скрипки. Появляется группа виртуозов - композиторов и исполнителей, которые раскрывают неведомые прежде возможности скрипки как сольного инструмента. Возникают новые замечательные произведения, среди которых видное место занимают сочинения советских композиторов. В настоящее время всему миру известны концерты, сонаты, пьесы Прокофьева, Хренникова. Их замечательное искусство помогает нам почувствовать, что за удивительный это инструмент - скрипка.

В конце XIX и в начале XX века, а особенно в предоктябрьском десятилетии, через всё русское искусство, и в частности музыку, проходит тема ожидания великих перемен, которые должны смести старое, несправедливое общественное устройство. Далеко не все композиторы осознавали неизбежность, необходимость революции и сочувствовали ей, но предгрозовую напряжённость ощущали все или почти все. Большинство музыкантов непосредственного участия в революционных событиях не принимали, и потому связи между ними были довольно слабыми.

Дата добавления: 01.02.2001

www.km.ru

История русской музыки в XX веке — курсовая работа

Министерство  образования и  науки Российской Федерации

Министерство  образования Республики Таджикистан

Российско-Таджикский (славянский) университет.

Кафедра Отечественной  истории  

По  истории России.   

На тему: “История русской музыки в XX веке”. 

                                                Выполнила : Студентка 2-го курса факультета   

                                         ИМО заочного отделения “Истории” Мардонова Б.       

                                                Принял: Профессор исторических наук Пирумшоев Р.П.  

                                                                   Душанбе 2012 г.                                          

                                  Оглавление 

Введение

Глава 1. Понятие русской музыки в начале XX века.

Александр Николаевич Скрябин,  Сергей Васильевич Рахманинов, Игорь Федорович  Стравинский.

Глава 2.  Русская музыка во второй половине и в середине XX века.

Сергей  Сергеевич Прокофьев,  Дмитрий Дмитриевич Шостакович и д.р.

Глава 3.  Русская музыка в последующие годы XX столетия.

Заключение

Список  использованной литературы

                                          Введение 

Причины, по которым искусство прошлых  эпох возрождается спустя столетия, не всегда ясны и объяснимы. Почему русское  музыкальное наследие XVIII века было практически забыто в XIX, казалось бы, более близком к нему, и напротив, вызвало глубокий научный и художественный интерес в нашем XXI? Духовная культура каждого времени наследовала творческие ценности прошлых времен. XX век уникален в своей универсальной заинтересованности.

          С победой Октябрьской революции  советская власть сразу приступила  к осуществлению новой культурной политики. Под этим подразумевалось создание невиданного в истории - пролетарского - типа культуры, опирающегося на самую революционную и передовую, как тогда считали, идеологию марксизма, воспитание нового типа человека, распространение всеобщей грамотности и просвещения, создание монументальных художественных произведений, воспевающих трудовые подвиги простых людей и т. д. Как мыслилось, пролетарская культура должна была прийти на смену дворянской и буржуазной культурам.

     Российская  музыка ХХ в., успешно развивавшая  традиции зарубежных и отечественных  композиторов, в то же время пролагала  новые пути и осуществляла смелые эксперименты. Несмотря на революционные  потрясения и социальные катаклизмы

     Новейшего времени, в ней органично соединялись  различные стили и направления, представленные творчеством талантливейших композиторов-классиков. Многие произведения А. Н. Скрябина, С. В. Рахманинова, И. Ф. Стравинского, С. С. Прокофьева, Д. Д. Шостаковича, Г. В. Свиридова принадлежат к шедеврам мировой музыкальной культуры. Достижения композиторов русского авангарда также  имеют непреходящее значение и до сих пор привлекают внимание слушателей во многих странах мира.

     Самобытный  путь отечественной музыкальной  культуры ХХ в. определяет и уникальное явление массовой песни, не имеющее  аналогов в мире.

     Музыка  рубежа столетий успешно развивала  лучшие традиции отечественных композиторов-романтиков и композиторов «Могучей кучки». Вместе с тем она продолжала смелые поиски в области формы и содержания, представляя на суд слушателей оригинальные сочинения, поражающие новизной замысла  и его воплощения.

Целью моей курсовой работы является музыкальное  историю развития русской музыки в XX веке.

Задачами  являются : во-первых это раскрыть понятие русской музыки начала XX века,  а также охарактеризовать её развитие уже во второй половине и середине XX века и в последующие годы XX столетия.

Для составления  данной курсовой мной были использованы следующие источники и литература:

Источники и литература : Большая советская энциклопедия. М., 1974 и Малый энциклопедический словарь Брокгауза и Ефрона. М., 1988 , а так же Васина-Гроссмана В. “Книга о музыке и великих музыкантах”. - Санкт -Петербург., 1984 помогли мне ознакомиться с понятием русской музыки в начале XX века. 

Литература :  Так труды Крюкова А.Н. "Могучая кучка" - М., 1984 , Смирновой Э. “Русская музыкальная литература”. - М., 2001 и Третьяковой Л.С. “Страницы русской музыки”. - М., 1998 позволили мне узнать развитие русской музыки во второй половине и в середине XX века.

Труды  Даттеля Е.Л. “Музыкальное путешествие”. - М., 1993 , Фрида Э.Л. "Русская музыкальная литература". – М., 1989 и Ю. Келдыша “История русской музыки” - М., 1976 позволили мне очень хорошо узнать историю русской музыки после второй половины XX века.        

Глава 1.  Понятие русской  музыки в начале  XX века.

Александр Николаевич Скрябин,  Сергей Васильевич Рахманинов, Игорь Федорович  Стравинский. 

Конец XIX и начало XX века (до 1917 года) - период не менее богатый, но гораздо более  сложный. Он не отделён от предыдущего  каким-либо переломом: лучшие, вершинные  сочинения Чайковского и Римского-Корсакова  относятся именно к 90 -м годам XIX и  к первому деcятилетию XX века.

Но уже  ушли из жизни Мусоргский и Бородин, а в 1893 году и Чайковский. На смену  им приходят ученики, наследники и продолжатели их традиций: С. Танеев, А. Глазунов, С. Рахманинов. Но как ни близки они своим учителям, в их творчестве ясно чувствуются  новые вкусы. Опера, в течение  более чем столетия занимавшая главное  место в русской музыке, явно отходит  на второй план. А роль балета, наоборот вырастает.¹

Среди молодого поколения музыкантов, вступивших в творческую жизнь в конце  прошлого- начале нынешнего века, были композиторы и иного типа. Уже  первые их сочинения написаны очень  по своему: остро, иногда даже дерзко. Таков  Скрябин.² Одних слушателей его музыка покоряла вдохновенной силой, других возмущала необычностью. Несколько позднее выступил

¹ Большая советская энциклопедия. - М., 1974 с. 100

Стравинский. Его балеты, Поставленные во время  “Русских сезонов” в Париже, привлекли внимание всей Европы.¹

     Творчество  Александра Николаевича Скрябина (1872–1915), одного из талантливейших композиторов начала ХХ в., нередко связывают с символизмом. Действительно, художественные искания Скрябина во многом определили поэты-символисты, а также современные ему философские и мистические учения. В своих произведениях он стремился передать мир зыбких и утонченных переживаний человека. Душевный порыв, восторг и сомнение, томление духа и силу страсти он мог воплотить в прекрасные образы-символы, надолго запоминающиеся слушателям. Не случайно его творческим девизом стали слова, произнесенные еще в юности: «Иду сказать людям, что они сильны и могучи».² Он был мечтателем. На протяжении всего творческого пути Скрябина привлекала идея синтеза искусств. В «Поэме огня», известной также под названием «Прометей» (1910), он мечтал соединить звук и цвет. Его никогда не покидала мечта о всеобщем «дионисийском танце». Даже оркестр, по его мнению, должен был находиться в постоянном движении – танцевать.² Остро ощущая противоречия своего сложного времени, он мечтал о всемирной гармонии человечества. Его заветной мечтой стал храм в Индии на берегу горного озера для постановки неосуществленного произведения «Мистерии».

   ¹ Большая советская энциклопедия. - М., 1974 с. 100

    ² Малый энциклопедический словарь Брокгауза и Ефрона. - М., 1988 с. 165

     Он  неустанно верил в особую силу искусства, способную изменить, преобразовать  мир и человека. Не случайно Первая симфония (1900) заканчивалась его  собственными стихами:

     Придите все народы мира,

     Искусству славу воспоем!

     Скрябин является автором девятнадцати фортепианных поэм, трех симфоний, концерта для фортепиано с оркестром, десяти сонат, мазурки, вальсов и этюдов. В каждом произведении сказались непревзойденный талант и мастерство композитора.

     Не  меньшую известность приобрело  творчество Сергея Васильевича Рахманинова (1873—1943), также выпускника Московской консерватории, закончившего ее с золотой медалью. В отличие от Скрябина, во многом связавшего свой творческий путь с символизмом, Рахманинов придерживался романтического направления в музыке. Не признавая модернистских новаций, он писал:¹

     «В  искусстве что-нибудь понять — значит полюбить. Модернизм  мне органически  непонятен, и я  не боюсь открыто  в этом признаться. Для меня это просто китайская грамота...

     Выразительный диссонанс красив, но нескончаемая какофония, доведенная до безжалостных крайностей, никогда  не бывает и не может  быть искусством».

     ¹ Васина-Гроссман В. “Книга о музыке и великих музыкантах”. - Санкт -Петербург., 1984     с. 89

       Музыкальное творчество С. В. Рахманинова отличают ритмическая энергия, взволнованность, достигающие сильнейшего напряжения, и одновременно лирическая мечтательность и эмоциональность. Важнейшим элементом его стиля является мелодия, которой он придавал первостепенное значение.

     В девятнадцать лет он создал одноактную оперу «Алеко» (1892) на сюжет поэмы  А.С.Пушкина «Цыганы», которая была высоко оценена П. И. Чайковским. Это  была высшая награда дипломной работе начинающего композитора. В двадцать лет в концертных залах ему  рукоплескала восторженная публика.¹ В круг его поклонников входили известнейшие деятели культуры того времени: Л. Н. Толстой, А. П. Чехов, И. Е. Репин, К. С. Станиславский, Ф. И. Шаляпин, М. Горький, многие поэты Серебряного века. И все же жизнь Рахманинова не представляется спокойной и безмятежной: он знал не только взлеты, но и падения. Рахманинов стал свидетелем двух мировых войн и двух российских революций. Он восторженно приветствовал крушение царского режима, но не принял Октябрь. Почти половину жизни он провел вдали от родины, но до последнего дня чувствовал себя русским человеком:

     «Я  русский композитор, и моя родина наложила отпечаток на мой  характер и на мои  взгляды. Моя музыка — это плод моего  характера, и потому это русская музыка...

     ¹ Васина-Гроссман В. “Книга о музыке и великих музыкантах”. - Санкт -Петербург., 1984 с. 90

Музыка  композитора должна выражать дух страны, в которой он родился, его любовь, его  веру и мысли, возникшие  под впечатлением книг, картин, которые  он любит. Она должна стать обобщением всего жизненного опыта композитора».

     Трудно  представить музыкальную картину  ХХ в. без творчества Игоря Федоровича Стравинского (1882–1971) – одного из самых ярких представителей мировой классики. За шесть десятилетий творческого пути им было создано около 150 произведений в различных музыкальных жанрах, и в каждом сказался оригинальный талант композитора. Среди них музыка для балетного и оперного театров, инструментальные сочинения, хоровые и вокальные произведения.¹

     В историю мировой музыкальной  культуры он вошел как смелый новатор, неутомимо пролагающий собственные  пути в искусстве. В редких случаях  он оставался равнодушным к новым  веяниям в музыке. Напротив, он всегда откликался на то, что представлялось ему самобытным и интересным. Путь Стравинского в музыке — это путь от романтизма и импрессионизма к  неоклассицизму, додекафонии, музыке авангарда. В последние годы жизни он живо интересовался искусством джаза  и достижениями в области электронной  музыки.²

     ¹ Васина-Гроссман В. “Книга о музыке и великих музыкантах”. - Санкт -Петербург., 1984 с. 95-96

       ² Большая советская энциклопедия. - М., 1974 с. 103

     В рамках одного сочинения он мог свободно соединить стилистику различных  музыкальных эпох (барокко, классицизма, романтизма). Обращение к музыкальным  традициям прошлого отнюдь не мешало ему экспериментировать, наполняя произведения духом современности. Вот что  он говорил по этому поводу:

     «Традиция... не просто «передается» от отцов к детям, но претерпевает жизненный  процесс: рождается, растет, достигает  зрелости, идет на спад и, бывает, возрождается...

     Говорить  языком ушедших поколений  не есть творчество, это — не искусство, а рутина».

student.zoomru.ru

Смотрите также

• 
  Образование как ценность реферат
• 
  Реферат государство и церковь
• 
  Земельное право темы рефератов
• 
  Шум и вибрация реферат
• 
  Реферат на тему лингвистика
• 
  Излучение реферат по физике
• 
  Природа и культура реферат
• 
  Культура и природа реферат
• 
  Островский а н реферат
• 
  Н а островский реферат
• 
  Конституционный строй рф реферат