Весна. Фреска из города Стабий близ Помпей. I в.Живописное искусство представлено главным образом фресками и мозаиками Рима, Помпей и Геркуланума. «Искусством знаменитым» называл живопись учёный и писатель I в. н. э. Плиний Старший. К сожалению, многое утрачено или дошло во фрагментах. И все-таки древнеримская живопись поражает зрителя великолепием декоративных композиций, богатством сюжетов, разнообразием художественных приёмов, освоением воздушной перспективы, развёрнутым изображением окружающей человека среды. Излюбленные сюжеты живописи связаны с мифологией, гомеровскими поэмами и изображениями битв и триумфов. Живописные произведения того времени поражают непосредственностью восприятия окружающего мира, стремлением показать реального человека, его внутренний мир и физическую красоту.
В вилле Мистерий в пригороде Помпей сохранились знаменитые фрески. На стенах в естественный рост человека представлено 29 участников праздника, посвящённого богу Вакху. Они объединены в группы, их чёткие силуэты эффектно выделяются на красном фоне стен. Кроме мифологических персонажей перед зрителем проходят участники мистерий. Вот грациозная танцовщица с ударным инструментом в руках. Она показана в сложном танцевальном движении, золотисто-жёлтый шарф, переброшенный через плечо, прекрасно сочетается с розовато-золотистым тоном её тела. Рядом — коленопреклонённая девушка, припавшая к ногам сидящей женщины.
Во фресковых росписях всё чаще встречаются пейзажные зарисовки: парки, сады, портовые гавани, извилистые берега рек. С большим мастерством художникам удаётся передать мир животных и птиц, жанровые и бытовые сцены.
Изысканно красивы натюрморты с фруктами: мягкий свет нежно касается бархатистой поверхности персиков в стеклянной вазе. Блики солнечного света прекрасно передают тонкость и прозрачность стекла, а тёмно-зелёные листочки причудливо изогнутой ветки контрастируют с общей композицией.
Характерной особенностью фресковых росписей является стремление разрушить существующую преграду между внутренним пространством архитектурного сооружения и окружающим внешним миром. Наглядным примером, подтверждающим эту особенность римской живописи,
Весна. Фреска из города Стабий близ Помпей. I в.
является фреска «Весна» из города Стабий, близ Помпей. Девушка, символизирующая весну, удаляется от зрителя в глубину пространства, дышащего прохладой и свежестью. В левой руке она держит рог изобилия, а правой нежно касается поднимающегося из земли цветка. Её золотисто-жёлтая накидка, каштановые волосы и розовый тон обнажённых плеч удивительным образом гармонируют с ярким зелёным фоном цветущего луга. Радость, связанная с приходом весны, с тёплым весенним солнцем, благоуханием расцветающей природы, ощущение лёгкости движений девушки, как будто плывущей по воздуху, пронизывают всю живописную композицию.
Не менее знамениты римские мозаики. Искусство мозаики было известно ещё в Древней Греции: мозаикой греки называли картины, посвящённые музам. Как вечны музы, так должны быть вечны и эти картины, а поэтому их не писали краской, а набирали из кусочков цветного камня, а затем из кусочков специально сваренного стекла — смальты. Искусство декоративного убранства дворцов и вилл знати достигло в Древнем Риме совершенства. Особенно хорошо сохранились мозаики в Риме, Помпеях, Стабии и Геркулануме. На них изображены странствующие актёры, морское дно, дерущиеся петухи, кошки с куропаткой в зубах.
Битва Александра Македонского с персидским царём Дарием III. Мозаика. Около 100 г. до н. э. Копия. Национальный археологический музей, Неаполь
Хорошо известна копия мозаичной картины «Битва Александра Македонского с персидским царём Дарием III». На ней запечатлён решающий момент битвы двух армий при Иссе (Северная Сирия, 333 г. до н. э.), когда персидский царь Дарий, преследуемый Александром, обращается в бегство. На переднем плане боевая колесница Дария III, который изображён в высоком головном уборе, с луком в левой руке. Его возничий нахлёстывает коней, скачущих прямо по телам раненых и убитых. Навстречу Дарию устремлён бесстрашный всадник, копьём пронзающий тело противника. Это Александр Македонский — его глаза страстно горят, густые волосы беспорядочно разметались в пылу битвы, лицо исполнено энергии и решительности.
К сожалению, часть фигуры Александра утрачена. В мозаике, занимающей площадь в 15 м2, сложенной из полутора миллионов кубиков смальты, художник сумел выразительно и эмоционально передать индивидуальные черты главных персонажей и общую атмосферу боевого сражения.
poznayka.org
Римские фрески
Тем не менее как раз один из самых ценных памятников античного искусства, а именно фрески, найденные в развалинах дома на Эсквилинском холме в Риме, - ландшафты, среди которых представлены похождения Одиссея. Эти фрески, исполненные в мягких и довольно правдивых красках, в бойкой "импрессионистской" манере, со значительно развитым чувством пространства (но, по-видимому, без теоретических знаний перспективы), означают, во всяком случае, такое понимание природы и такой интерес к ней, каковые не были известны древним культурам Египта и Ассирии. Однако и в них не найти понимания природы в современном смысле или в том, что уже проглядывает в готической миниатюре или в живописи старых нидерландцев и венецианцев. Художник, писавший (в I в. до н.э.?) эти фрески, отнесся к своему предмету довольно "свысока", в качестве виртуоза и импровизатора. Нет любовного отношения к жизни природы. Общий эффект передан с некоторой иллюзорностью (фрески тянутся фризом под потолком и разделены одна от другой расписанными красными пилястрами, а следовательно, весь цикл должен играть роль некоторого trompe lоеilя), но в отдельных формах не проглядывает глубокого с ними знакомства. Скалы и горы выглядят вспухшими зеленоватыми массами или картонными кулисами; тростник и трава расположены "зря", взъерошенными пучками; береговые ниши нарисованы очень приблизительно; краски, в которых доминируют серо-зеленые, серо-голубые и оливковые тона, однообразны так, что лишь только изображением "Царства мертвых" может быть объяснено желание художника передать унылый характер местности.
Чрезвычайное значение для интересующего нас вопроса представляет роспись виллы, открытой в 1863 г. в месте "ad Gallinas Albas" под Римом.
Экзекий. Ахилл и Аякс, играющие в кости. Фрагмент росписи амфоры.
Эта роспись, покрывающая сплошь стены комнаты, представляет из себя несомненную попытку создать в закрытом помещении иллюзию сада. Мы видим низкие барьеры с разнообразными прорезными орнаментами (вроде трельяжей XVIII в.), клетки с птицами и на фоне неба - деревья и кусты с цветами, часто довольно ясно характеризованные, как-то: лавр, шиповник, персиковое дерево и т. д. На ветках и на трельяжах сидят певчие птицы. Возможно, что во фресках виллы ad Gallinas Albas мы имеем образец творчества Лудиуса или его школы. Эти фрески указывают, во всяком случае, на то, что живопись в I в. до н. э. задавалась только иллюзионными задачами и что культ природы уже тогда достиг той степени, когда горожанин начинает чувствовать потребность видеть в своих стенах убедительное напоминание о природе. Новейшие исследования доказали, что эта отрасль живописи происходит с востока, из азиатских центров эллинской (или, вернее, эллинистической) культуры, а также из Александрии, где садоводство повсюду было в чрезвычайном ходу и где во II в. до н. э. славился подобными картинами упомянутый Деметрий, работавший при дворе царя Птоломея Филомета и переселившийся затем в Рим[11].
В этот поздний период античной живописи, который нам единственно (да и то приблизительно) известен по сохранившимся памятникам, господствовали (на протяжении всех римских владений) художественные вкусы, выработанные эллинистическим искусством, одним из центров которого была Александрия. Признаками этих вкусов можно считать реализм, доходивший до преследования иллюзии, игривую грацию и остроумную изобретательность, нередко впадавшую в вычурность. Античное искусство переживало в то время своего рода эпоху "барокко" - оно уже было "разменяно", ослаблено учениями любителей и теоретиков, обезличено эклектизмом. Но именно в это же время (как и в XVII в., в дни настоящего барокко) высоко развилась виртуозность в изображении видимого мира и чрезвычайно богатая декоративность.
Эти особенности поздней классической живописи нашли себе прельстительное отражение в росписи помпейских стен и в немногих остатках древней живописи в самом Риме. Однако о том, какое отражение это нашло по отношению к лучшему в искусстве своей эпохи, мы можем лишь догадываться, ибо ни одного выдающегося в свое время памятника до нас не дошло, а по одним "копиям" и ремесленным вариантам, разумеется, нельзя судить об оригиналах.
Искание иллюзии доходило у поздних греков (греческой нужно считать и всю живопись Рима) до изощренности, граничившей иногда с безвкусием. Так, нам известно существование мозаичного пола в Пергамосе, исполненного мастером мозаики Созосом и представлявшего "невыметенный пол", на котором остались разбросанными всевозможные объедки[12]. Там же находилось превозносимое Плинием изображение голубей, сидящих вокруг чаши[13]. Особенно поражала верной передачей натуры тень (отражение?) на воде от головы пьющего голубя. Несколько подобных примеров преследования иллюзии можно найти в сочинениях древних писателей, трактующих о живописи[14], а среди фресок и мозаик, найденных в Помпее и Риме, едва ли не половина принадлежит к этому художественному порядку.
Голуби на чаше. Мозаика виллы Адриана в Тиволи.
Поделитесь на страничкеСледующая глава >
design.wikireading.ru
Мозаика как подарок Древнего Рима
Какие картинки всплывают в памяти при упоминании слова «мозаика»? Сначала вспоминается сам принцип построения мозаики: составление гармоничной композиции из множества разрозненных элементов. И тут же припоминаем детские годы, когда развлекались, складывая картинки из пластиковой мозаики. Потом школьные годы – создание мозаичных картин великим русским ученым М. В. Ломоносовым. А затем приходят на ум великолепные старинные дворцы, в которых мозаикой выложены стены, полы и даже дорожки в садах. А великий храм любви, усыпальница Тадж Махал! Его тоже можно назвать образцом мозаичного искусства. Ведь художественное оформление храма полностью составлено из небольших фрагментов, выполненных из разных материалов.
Можно сказать, что техника мозаики зародилась случайно. Когда после применения в строительстве декоративного камня оставались его небольшие фрагменты, этими разноцветными кусочками как строительным мусором посыпались дорожки в дальних уголках садов и парков. В итоге получался хаотичный разноцветный узор. Прошло немного времени, и кто-то обратил на это внимание. Позже при строительстве зданий мастера создавали картины, уже специально выложенные из цветного камня мелкого размера разных цветов и оттенков.
В свое время в античном Риме мозаика считалась символом достатка и процветания. Здания общественных учреждений и дома богатых патрициев обязательно были украшены мозаикой. Скорее всего, именно с этих пор и пошла мода на украшение дворцов мозаикой. Ведь в мозаичном искусстве применялись не только мрамор или стекло разных оттенков, а и полудрагоценные, а иногда и драгоценные камни. Всегда было приятно любоваться игрой красок на мозаичных картинах, которая менялась в зависимости от времени суток и отражения солнечных лучей.
Началом «золотого века» мозаичного искусства можно считать рассвет Древнего Рима. Его властность, военное могущество и высокое экономическое положение требовали достойного художественного оформления. Для истории римские мозаики стали не только древним элементом украшения зданий, дошедшим до нашего времени, а и ценным историческим документом. В Древнем Риме мозаикой украшались стены не только общественных заведений и домов богатых людей. Мозаичные картины украшали стены храмов и арки. Даже помещения римских бань «терм» были украшены мозаикой. Темы древнеримских мозаик самые разные: от изображения военных триумфаторов до любовных игр с мифическими созданиями; от изображения богов до сцен охоты. А также в мозаике изображались разные жизненные аспекты: гладиаторские бои, сценки театральных постановок, гонки на колесницах и т. д. Ну, и конечно же, мозаики в Древнем Риме изображали животных, причем как мифических, так и реально существующих, обитателей морского дна и множество цветов, растений и птиц.
Искусство римской мозаики было настолько совершенным, что в дошедших до нашего времени картинах, можно четко увидеть лица людей (узнать как выглядели исторические личности) и стиль одежды того времени, рассмотреть детали кораблей и колесниц, узнать породы собак и лошадей и т. д. По традиции, римские мастера мозаичного дела подписывали имена персонажей, изображенных на картинах, где-нибудь внизу. В большинстве случаев именно благодаря этим надписям многие памятники античной архитектуры имеют свои современные названия.
На руку долговечности римских мозаик сыграло то, что для их создания использовался качественный природный материал, и то, что картины создавались непосредственно на месте их установки. Древнеримские мозаичные картины были масштабными, но создавались в сравнительно непродолжительный срок. Ведь мозаичный мастер работал не один: мастер выкладывал основные элементы картины, а многочисленные его ученики и подмастерья занимались созданием основного фона. Фон на мозаичных картинах выкладывался в основном из кубиков белого мрамора. Причем кубики располагались не ровными рядами, а полукругами или арками. Считалось, что таким образом вся картина будет выглядеть более естественно и непринужденно.
Развитие науки и искусства в Древнем Риме открыли художественные особенности стекла. И вскоре на мозаичных полотнах стали появляться элементы, выполненные из прозрачных или полупрозрачных стеклянных фрагментов. Но ничто в мире не вечно, и с распадом Римской Империи культурная столица цивилизованного мира тех времен из Рима перекочевала в Византию. Здесь мозаичное искусство получило вторую жизнь на качественно новом уровне. Начался второй «золотой век» мозаики в стекле и смальте. Именно с Византии началась эпоха купольной мозаики, когда из стекла разного цвета возводились прозрачные купола. А темой узоров мозаики на куполах было христианство.
Римские мозаики оказались на удивление прочными. Особенно хорошо сохранились напольные мозаики. Ведь после разрушительных набегов варваров от дворцовых сооружений часто практически ничего не оставалось. А те каменные остатки, которые сохранялись, были разобраны для других хозяйственных нужд. Так, покрываясь грязью, землей и песком, напольные мозаики на протяжении веков находились в полной сохранности под естественной защитой слоев почвы и пыли. А современные археологи во время раскопок в Италии, Тунисе и Турции до сих пор с каждым днем открывают для нашего взора все новые и новые великолепные картины из древности, воспевая великое искусство древних мастеров мозаики.
superbotanik.net
В истории искусства Древнего Рима значительное место занимает искусство провинций, расцвет которого относится ко 2 - 3 вв. н.э. Западные провинции — Испания, Галлия и другие — были сильно романизированы. Народы этих стран в полной мере ощутили огромную тяжесть римского завоевания. Вместе с тем эксплуатация римлянами естественных богатств этих стран, строительство дорог, возникновение городов способствовали развитию торговли и ремесел, распаду родового строя и, в конечном результате, — экономическому и культурному подъему. Наиболее романизированные галльские и германские племена достигли в области изобразительного искусства значительных успехов. Достойны внимания многочисленные солдатские надгробия, рельефы с изображением купцов, ремесленников, кузнецов и виноделов, а также с мифологическими и культовыми изображениями. На одном из монументальных надгробных памятников в Игле (близ Трира, 1 - 2 вв. н.э.) имеется ряд рельефов с изображением колонов, приносящих дары помещику, хлебопека у мучного ларя и у печи и др. Трактовка фигур очень обобщенная, контуры обведены темной краской. Художники западных провинций, уступая в техническом мастерстве римским художникам, достигали тем не менее большой выразительности образов. Новым сравнительно с римским искусством явилось внимательное отношение художника к простым людям, попытка передать их внутренний мир. Это новое качество проникает в позднеримское искусство. Возрастание значения римских провинций нашло свое отражение и в архитектуре. В Сирии, Северной Африке, Галлии, Испании появились крупные сооружения и целые архитектурные комплексы, в которых особенности римского зодчества нередко соединялись с местными традициями, проявившимися как в принципах композиции и архитектурных формах, так и в строительной технике. Мощный размах архитектурного строительства, отвечающий величию мировой римской державы, получил особенную внушительность в Сирии. Архитектурные комплексы Баальбека и Пальмиры возникли здесь в период экономического подъема в результате взаимодействия древневосточной, греческой и римской культур. Богатство форм, огромные размеры зданий, грандиозность ордеров, живописность решений, основанных на контрастах света и тени, чрезвычайно эмоциональный характер архитектуры — все это является новыми чертами, обогатившими архитектуру античности. Одним из интереснейших архитектурных комплексов является архитектурный ансамбль Гелиополя в Сирии (ныне Баальбека в Ливане). В отличие от римской бетонно-кирпичной архитектуры архитектура Баальбека — каменная. Здания состоят из крупных тесаных блоков, сложенных насухо.
В комплексе храмов Баальбека наряду с принципами римской архитектуры нашли свое отражение и элементы восточной традиции. Принцип чередования храмовых дворов, окруженных колоннадами, так же как и техника тесаного камня, восходит к египетскому зодчеству; богатство архитектурного и скульптурного декора, узорная орнаментика тоже близки традициям архитектуры Востока. Отдельные архитектурные мотивы и элементы, применявшиеся в баальбекских храмах, — большой ордер, пластическая трактовка стены - нашли развитие в архитектуре нового времени.
Присоединение Египта к римскому государству не повлекло за собой для страны сколько-нибудь существенных изменений, только эксплуатация стала еще тяжелее и привела, в конце концов, Египет к полному упадку. В области искусства в первые века нашей эры продолжалось то же эклектическое направление, которое сложилось в эпоху эллинизма. Комплекс храмов на острове Филэ — образчик этого направления. Киоск Траяна (начало 2 в. н.э.) на острове Филэ может служить примером этого смешения египетских и античных форм уже римского времени. Мировое значение имеют найденные в Египте фаюмские портреты, называемые так по месту находки большинства из них в оазисе Фаюм. Обычай, возникший в Египте, вероятно, среди эллинизированной верхушки египетского общества, — класть на мумию написанный красками портрет вместо обычной маски — способствовал сохранению этих портретов. Дошедшие до нашего времени портреты представляют большую ценность как редчайшие образцы античной станковой живописи. Развитие фаюмского портрета происходит в 1 - 3 вв. н.э. Портреты исполнялись на тонких деревянных дощечках в технике энкаустики (то есть восковых красок), в смешанной технике восковых красок с темперой и, наконец, одной темперой. В Музее изобразительных искусств имени Пушкина и в Эрмитаже имеются уникальные памятники этого рода.
Раскопки в Дура-Европос (на правом берегу Евфрата) открыли еще один центр культуры восточных провинций 3 в. н.э. Здесь были найдены крепость, хорошо сохранившийся дом-церковь с крещальной (баптистерием), синагога. Наибольшее значение имеет открытие стенных росписей, которые представляют в стилистическом отношении промежуточное звено между античной живописью и раннехристианской и византийской. Стены церкви и синагоги были покрыты росписью, расположенной поясами. Оформление дверных проемов подражало кладке из мрамора. Фигуры росписей помещались на светлом фоне. Живопись носила условный, плоскостный характер. Фигуры слабо связаны друг с другом. Вместе с тем самая их условность подчеркивает необыденность образов и их символический характер.
Слово «мозаика» латинского происхождения, первоначально означало «произведение, посвященное музам». Она создавалась путем складывания разноцветных камешков, кусочков стекла, эмали. Техника мозаики – рисунки, узоры, орнаменты, картины, портреты – начиная с III века до нашей эры получила широкое распространение в Древнем Риме. При раскопках города Помпеи, погибшего от извержения вулкана Везувия, как принято считать, в 79 году, были обнаружены уникальные панно, сложенные из цветных камней, стекла, изображавшие различные аспекты жизни того времени. О вольной жизни города можно узнать, прочитав на стенах домов различные призывные и морализирующие надписи. Обнаруженные фрески на внутренних стенах жилищ богачей, великолепные мозаичные картины, в том числе на полу, свидетельствуют о высоком развитии изобразительного искусства.
Стены римских домов изнутри покрывались фресками, изученными по большей части на примере Помпей, Геркуланума и Стабий. Немецкий учёный Август Мау в 1882 году предложил деление помпейских фресок на 4 стиля. Впоследствии, с открытием других памятников, эта классификация была расширена на всю римскую настенную живопись. Приведённые здесь временны́е рамки характерны для Помпей, в Риме и других городах даты могут отличаться.
Инкрустационный или структуральный (150—80 годы до н. э.) — характеризуется рустом (кладка или облицовка стен камнями с грубой, выпуклой лицевой поверхностью) и росписью, имитирующей облицовку мраморными плитами. Возник под влиянием искусства эллинизма, часто встречаются репродукции греческих картин.
Архитектурный стиль (80 год до н. э.—14 год) — на гладких стенах изображались колонны, карнизы, архитектурные композиции, пейзажи, создававшие иллюзию объёма и уходящего вдаль пространства. В росписях появляются фигуры людей, создаются сложные многофигурные композиции, часто по мифологическим сюжетам.
Египтизированный или орнаментальный (с 14 года н. э.) — переход к плоским орнаментам, в обрамлении которых размещались картины, обычно пасторальной тематики.
Фантастический или перспективно-орнаментальный (с 62 года н. э.) — появляются фантастические пейзажи, изображаемая архитектура напоминает театральные декорации, переставая подчиняться законам физики. Картины с изображением людей становятся динамичнее. Помпеи, «Битва при Иссе» — Мозаика выложена из около полутора миллионов кусочков, собранных в картину по технике, известной как «opus vermiculatum», то есть кусочки собирались один к одному по извилистым линиям.
megaobuchalka.ru
Монументальная роспись Рима
Почти все дошедшие до нас произведения монументальной росписи обнаружены либо при раскопках Помпеи, Геркуланума и других поселений, погибших при извержении Везувия в 79 г. н. э., либо найдены в Риме и его окрестностях.
В
сохранившихся везувианских фресковых декорациях в конце XIX в. установлены и описаны четыре последовательных стиля. Собственно, название "стиль" не совсем верное, скорее, это системы декорирования жилых домов и общественных зданий. Самый древний первый "стиль", называемый "инкрустационным" или "структурным", заимствованный римскими мастерами у греков, был распространен в Помпеях в 200-80 г. до н.э., встречаясь иногда и позже
Живописное покрытие стены еще было неотделимо от ее пластической структуры. Роспись была тесно слита с пластикой архитектурных элементов — цоколя, квадров, карниза; она одновременно усиливала ощущение стены, замыкала человека в интерьере, отделяла его от окружавшего дом пространства.
Для первого стиля характерна т.н. "рустованная" кладка или облицовка стен - крупные камни с рельефной, нарочито грубой поверхностью. Часто облицовка имитировалась лепкой архитектурных деталей из штукатурки "под мрамор". Цвета росписей первого стиля отличались глубиной и чистотой тона. В росписях преобладали первоплановые теплые топа — красный, коричневый, желтый; реже использовались глубинные — холодные.
Переход от первого помпеянского стиля ко второму был вызван тяготением к большей иллюзорности и отходом от пластического художественного выражения.
В
торой стиль называют "архитектурно-перспективным" и датируют 80—15 гг. до н. В отличие от первого стиля архитектурные элементы изображались не лепкой, а росписью, рельеф отсутствует.
В росписях второго стиля различают пять периодов, каждый из которых характеризуется все более усложнявшимся деталями декорации. Гирлянды и маски раннего периода сменяются ложно объемными изображениями колонн и цоколя, основную площадь стены занимает композиция.
С развитием стиля художники начинают изображать пейзажи, создавая в помещениях иллюзию пространства, вводят в композиции фигуры людей, часто используя мифологические сюжеты.
В
росписях пятого периода стена почти пропадала, замененная широкими видами на природу (Дом Ливии на Палатине, пейзажи с Эсквилинского холма с приключениями Одиссея).
Н
аверное, самые знаменитые фрески второго "стиля" - это так называемый "дионисийский цикл" Виллы Мистерий. Впрочем, до сих пор нет единого мнения о трактовке как последовательности фресок, так и их содержания.
Третий помпейский "стиль", "орнаментальный" (ок. 15 г. до н.э. - 40 г. н.э. в Риме, 62 г. н.э. в Помпеях) закономерно вырос из второго, однако при этом утратил иллюзорную перспективу последнего.
Архитектурные детали здесь уже не подчеркиваются, становясь все более условными, появляются большие плоскости, восстанавливавшие ощущение стены. Пространство вновь замыкается в границах дома. Мастера третьего стиля, отказываясь от декораций, нарушавших плоскость стены, возвращали интерьеру замкнутость, чувство торжественной статики и п
окоя.
В этот период Рим подпадает под египетское культурное влияние - в империи появляются египетские вещи, распространяются египетские культы. Живопись третьего "стиля" так же не избежала подобных мотивов - в орнаментах появляются цветки и бутоны лотоса, сфинксы и небольшие фигурки божеств.
У
словно третий "стиль" можно разделить на две фазы. В первой фазе стена представляет собой панно, разделенное на три части, с монохромным фоном, украшенных картиной-клеймом (как вариант: картина расположена только в центральной части), во второй фазе в верхнем ярусе стены появляются легкие архитектурные построения. Сюжетами центральных миниатюр среднего яруса стены служили в основном мифологические сцены и пейзажи.
В рисунках позднего третьего стиля начинали появляться тенденции к иллюзорному прорыву плоскости: в верхней части стены изображались будто находящиеся за ней архитектурные сооружения.
Ч
етвертый помпейский "стиль" (примерно с 63-62 г. - начало 2 в.) имеет несколько названий - "иллюзорный", "фантастический", "перспективно-орнаментальный". В некотором роде эта система - сочетание второго и третьего "стилей". Архитектурные элементы, характерные для второго "стиля", мастера четвертого преувеличивали, превращая их в вычурные театральные декорации, не подчиняющиеся законам физики. Орнаментальность третьего "стиля" стала пышнее, помпезнее и, сочетаясь с фантастической архитектурой и великолепными картинами на мифологические темы, создавала то богатство живописного оформления, которое присуще этой системе росписей.
П
опулярность к этому "стилю" закономерно пришла после землетрясения в 62 г. н.э., когда многие дома были сильно повреждены и в процессе восстановления в их отделку были внесены современные ноты.
В
его начальной фазе (время Нерона) стена почти исчезала, заполненная сложными сооружениями: зданиями, портиками, балконами, лоджиями, украшающими карнизы статуями и вазами. В росписях последующей фазы четвертого стиля (период Веспасиана) стена вновь начинала обретать свою поверхность; в центре часто помещалась сюжетная фреска обычно на мифологическую тему, а по краям — обрамляющие ее архитектурные детали.
Сочетание росписи и рельефа из штукатурки - это тоже примета четвертого "стиля", хотя монохромные стуковые рельефы появились уже в арсенале третьего. Элементы подобного декора изготовляли из извести, смешанной с мраморной крошкой. Фигуры чаще всего оттискивали в формах, но могли лепить и от руки.
Фрески четвертого стиля с мифологическими сюжетами с греческих оригиналов можно встретить в помещениях Дома Веттнев: изображения душащего змей Геракла, Диониса и Ариадны, наказания Дирки, мучения Пенфея, растерзанного вакханками, заполняют участки стены, обрамленные высокими колонками.
Н
а других плоскостях этих же стен в иллюзорных прорывах виднеются верхушки портиков и вестибюлей сложных сооружений. Мастера четвертого стиля тяготеют к пространственной широте, захвату громадных просторов. Чувство необъятности мира, безграничных владений империи находило отзвук в продолжившей тенденции второго стиля их живописи, иллюзорно разрушавшей поверхность стены, впускавшей природу в помещения и сливавшей архитектурное пространство с реальным.
Х
удожники того времени выбирали из множества мифологических событий сюжеты динамичные, напряженные и взволнованные, сообщавшие даже поверхности стен, на которые они были нанесены, беспокойство и подвижность. Обращаясь к реальной жизни, мастера предпочитали показывать сцены бурные, экспрессивные, вроде драки в амфитеатре, происходившей в 59 г. между помпеянцами и нуцерийцами. В манере нанесения красок живописцы часто прибегали к резким, напоминающим вспышки света на темной поверхности фона мазкам, как на фресках с амурами и психеями в Доме Веттиев.
К
роме пейзажей и мифологических образов создавались натюрморты, бытовые сцены, портреты.
В эпоху Империи стало активно развиваться искусство мозаики. Без преувеличения можно сказать, что именно в Древнем Риме мозаичное искусство достигло расцвета и заняло важное место среди других художественных искусств.
Мозаика используется для украшения не только полов, но и стен в общественных зданиях, храмах, дворцах и богатых частных жилищах. Римлянами используются разнообразные техники выкладывания мозаик, в том числе появляется техника подколки камешков, что позволяло достигать живописной реалистичности изображений. Древнейшим памятником, где была использована техника подколки или тесселирования, считаются мозаики города Моргантина на Сицилии (Мозаика Ганимеда - III век до н. э.). 
Р
имская мозаика использует различные материалы, но преимущество отдается мрамору и природным камням.
Фоновые элементы римских мозаик как правило светлые и достаточно крупные, зачастую фон формируется однотонными камнями с хаотичной укладкой без определенного порядка. Элементы рисунков и фигур - более мелкие, но часто все же крупные для выбранного рисунка. Цветовая п
алитра была расширена за счет применения таких природных материалов, как мрамор, сланец, разноцветный известняк, полудрагоценные камни. Однако эти материалы были достаточно дорогостоящими, поэтому мастера по-прежнему довольствовались цветами гальки.
С появлением цветного стекластановится доступной практически неограниченная цветовая гамма. Мозаики больших дворцов подчас поражают изысканностью цветовой гаммы, небольшие композиции кажутся ограниченными в выборе цветов.
Римские мозаики представляют очень сложные композиции и по своему эффекту приближаются к живописи. Черно-белые и многокрасочные мозаичные сцены найдены в Риме и других центрах Апеннинского полуострова. Некоторые из них — очевидно копии с греческих оригиналов. К числу таких мозаик принадлежит грандиозная по сочинению и превосходная в техническом отношении «Битва Александра Македонского с персами при Арбеллах», открытая в 1831 г. в так наз. доме Фавна в Помпее (ныне наход. в Неаполитанском музее). За копию с греческого и притом с мозаичного же оригинала, упоминаемого Плинием, признается известная «Чаша с голубями, сидящими на ее краю, пьющими из нее воду и охорашивающимися» — мозаика, найденная в вилле Адриана, в Риме.
Из прочих римских мозаик особенно любопытны: происходящий из той же виллы пол с изображением борьбы центавров с пантерами (в Берлинском музее), знаменитая палестринская мозаика (в палаццо Барберини в Риме), обширный пол из термов Каракаллы (в Латеранском дворце, там же), «Театральная репетиция» и некоторые другие произведения, добытые, подобно этой картине, при раскопках развалин Помпеи. Особенно же большое количество мозаик сохранилось на территории римской Африки.
Во II в. возникают христианские катакомбы. Росписи в них вначале напоминали декоративные композиции в римских домах, включали даже персонажей языческой мифологии; затем все заметнее в их сюжетику входят христианские мотивы. Художники постепенно меняют заказчиков и все чаще работают для приверженцев новой религии. В III в. были украшены фресками катакомбы Аврелия с мозаичной напольной надписью о роде Аврелия, с отвечающими языческому искусству фигурами Амура и Психеи в первом помещении и фреской на стене, изображающей сотворение Адама и прародителей в раю.
В III—IV вв живопись претерпевала изменения. Мощным архитектурным формам уже не соответствовали пейзажи, жанровые сценки, декоративпые росписи, украшавшие здания I—II вв. Возникла новая, напоминающая мозаику техника инкрустации — выкладывания фигур крупными разноцветными плитками камня. Панели, исполненные в такой манере, представляли собой как бы крупноформатную мозаику. На одной из них, найденной в базилике Юния Басса на Эсквплинском холме и хранящейся в Капитолийском музее, изображена тигрица, терзающая быка, на другой — солнечное божество из Митреума.
Западная Римская империя и Вечный город страдали от варваров, а на территории Восточной Римской империи рождалось новое, византийское искусство, широко пользовавшееся традициями пе только римской культуры, но и греческого эллинизма и создавшее позднее неповторимые по красоте архитектурные сооружения, мозаики, фрески, икопы. Римское искусство завершает собой многовековой путь, начатый эллинской культурой. Оно может быть определено как явление переходного периода от одной художественной системы к другой, как мост от антики к средневековью. В то же время, подобно тому, как и каждое произведение — не только звено в цепи художественного развития, но и неповторимое индивидуальное явление, римское искусство целостно и самобытно.
studfiles.net
Согласно античным преданиям, Рим был образован в середине 8 века до н. э. Культура Римской империи, которая считалась одной из самых влиятельных в период античности, оказала огромное влияние на европейскую цивилизацию. И это несмотря на то, что живопись и скульптура Древнего Рима основаны на греческих мотивах, а театр и музыка неразрывно связаны с этрусскими древними традициями.
В отличие от других античных стран, римляне не присваивали искусству воспитательных или нравственных задач. Напротив, изобразительное искусство Древнего Рима несло больше утилитарный характер, так как считалось всего лишь способом рационально организовать жизненное пространство. Именно поэтому важное место в жизни населения этой античной страны занимала архитектура. Цивилизация Древнего Рима до сих пор напоминает о себе монументальными строениями: храмами, аренами и дворцами.
Кроме великолепных памятников архитектуры, о культуре Рима в эпоху античности можно судить и по многочисленным скульптурам, которые являлись портретами тех, кто жил в то время. Жизнь в Древнем Риме была всегда подчинена строгим правилам, и в некоторые периоды скульптурные портреты создавались исключительно для того, чтобы увековечить в памяти лица правителей или знаменитых людей. Лишь спустя какое-то время римские скульпторы стали наделять свои статуи характерами или особенными чертами. Важные исторические события римские творцы предпочитали изображать в виде барельефов.
Стоит заметить, что особенности культуры Древнего Рима заключаются практически в полном отсутствии таких явлений, как театр - в привычном для нас понимании, а также собственная мифология. Используя созданные греками образы для многих великолепных произведений искусства, римляне или искажали события в угоду своим властям, или вовсе не придавали им большого значения. Происходило это прежде всего потому, что изобразительное искусство Древнего Рима развивалось под влиянием господствующей идеологии, которой были чужды отвлечённо-философские начала и художественный вымысел.
Несмотря на доказанное существование Рима как отдельной цивилизации, историки долгое время не могли отделить древнегреческое искусство от римского. Однако благодаря тому, что многие произведения художественного и архитектурного наследия Древнего Рима были сохранены до наших дней, удалось определить основные черты, присущие исключительно древнеримским произведениям. Итак, какие достижения и изобретения Древнего Рима в области изобразительного искусства характеризуют его как самостоятельное явление?
Несмотря на обилие тонких и едва заметных глазу обывателя особенностей, существует фактор, который позволяет даже неспециалисту определить принадлежность скульптурного или архитектурного объекта к древнеримской культуре. Это его размер. Цивилизация Древнего Рима известна всему миру своими грандиозными зданиями и скульптурами. Их величина в несколько раз превышает аналоги из Древней Греции и других стран.
Изобразительное искусство Древнего Рима развивалось в несколько этапов, которые соответствовали периодам исторического становления самого государства. Если эволюцию древнегреческого искусства историки подразделяют на становление (архаику), расцвет (классику) и кризисный период (эллинизм), то развитие древнеримского искусства приобретает новые черты во время смены императорской династии. Обусловлено такое явление тем, что социально-экономические и идеологические факторы играли основополагающую роль в изменении стилистически-художественных форм.
Этапами эволюции искусства в Риме принято считать период римского царства (7-5 века до н. э.), республиканский (5-1 века до н. э.) и период Римской империи (1-2 века н. э.). Настоящий расцвет всех видов искусств, в том числе скульптуры, театра, музыки и художественного и прикладного творчества, наступил в конце 1 века до н. э. и продолжался вплоть до падения Римской империи.
Становление древнеримского искусства берёт своё начало в 8 веке до н. э., когда основными мотивами в зодчестве становятся этрусские способы планировки строений, каменной кладки и использования строительных материалов. Об этом можно судить по храму Юпитера Капитолийского. Живопись и изготовление декоративных предметов также тесно связаны с этрусскими корнями. Лишь к середине 7 века до н. э., когда римляне колонизировали Грецию, они познакомились с художественными приёмами греков. Стоит заметить, что древнеримские художники уже тогда стремились создавать свои произведения максимально приближенными к оригиналам. Историки связывают это с традицией изготавливать посмертные восковые маски, которые в точности повторяли черты лица человека. Боги Древнего Рима, статуи которых были выполнены в период римского царства, изображались так же, как обычные люди.
Республиканский период Римского государства ознаменовался окончательным формированием архитектуры: все без исключения комплексы (жилые и храмовые) приобретали осевое строение и симметричность. Фасад здания оформлялся более пышно, а к входу вел подъём (обычно каменная лестница). В городах распространяется жилая застройка из многоэтажных домов, в то время как обеспеченные слои населения строят загородные террасные дома, украшенные фресками и скульптурными композициями. В этот период окончательно сформировались такие типы построек, как театр Древнего Рима (амфитеатр), акведуки, мосты.
Изобразительное искусство основывалось на портретной скульптуре: официальной и частной. Первая служила цели увековечить государственных деятелей, а вторая существовала благодаря заказам на изготовление статуй и бюстов для домов и гробниц. Общественные здания украшались барельефами с изображением исторических сцен или картин повседневной жизни государства. В храмах же чаще всего можно было увидеть картины (в том числе мозаики и фрески), на которых были изображены боги Древнего Рима.
Период Римской империи считается временем подлинного расцвета древнеримского искусства. В архитектуре доминируют арка, свод и купола. Каменные стены повсеместно облицовываются кирпичом или мрамором. Большие пространства в помещениях заняты декоративной росписью и скульптурами. Изобразительное искусство Древнего Рима в этот период претерпевает существенные изменения. При изготовлении скульптурных портретов меньше внимания уделяется индивидуальным чертам, которые порой выглядят несколько схематично. В то же время скульпторы старались изобразить стремительность движений, эмоциональное состояние портретируемого (положение тела, рук и ног, причёску и т. д.). Барельефные изображения принимают формы панорам с постепенно развивающимся сюжетом.
Декоративная живопись, в отличие от предыдущего периода, становится более сложной из-за внедрения пейзажных и архитектурных фонов. Краски, используемые для фресок, более яркие, а сочетания цветов - более контрастные. Помимо цветной мозаики, широко распространяется чёрно-белая.
Римские портреты государственных деятелей, богов и героев представлены бюстами или полноразмерными статуями. Самым ранним древнеримским портретом принято считать бронзовый бюст Юния Брута. В нем чувствуется большое влияние греческого искусства, однако типичные для римлян черты лица и небольшая асимметрия позволяют ещё раз убедиться в том, что древнеримские скульпторы уже тогда, в 3 веке до н. э., придавали своим произведениям максимум реалистичности. Несмотря на отсутствие современных технологий обработки металлов мелкие детали бюста прекрасно выполнены. Прежде всего это заметно по тонкой гравировке бороды и волос.
Наиболее реалистичным всё же принято считать скульптурный портрет Веспасиана, римского императора. Мастер не только в мельчайших деталях передал его образ, но и наделил бюст характерными чертами. Особое внимание привлекают глаза: глубоко посаженные и небольшие они излучают природную хитрость и остроумие императора. Но самым замечательным является тот факт, что скульптор изобразил и мельчайшие детали (напряжённые жилы и вены на шее, пересекающие лоб морщины), говорящие о силе и непреклонности государственного лидера. Не менее выразительным получился у скульпторов и бюст ростовщика Луция Цецилия Юкунда, жадные глаза и засаленные волосы которого изображены с поразительной точностью.
На сегодняшний день полностью не сохранилось ни одно из зданий, построенных в эпоху Древнего Рима. Самым известным и знаменитым из них считается Колизей - арена, на которой проходили бои гладиаторов и выступления государственных деятелей разного уровня, в том числе и императоров. Не менее яркой историей обладает и храм Сатурна, который неоднократно разрушался и отстраивался вновь. Его в отличие от Колизея увидеть нельзя, так как от великолепного строения осталось лишь несколько колонн. Зато удалось сохранить знаменитый Пантеон, или храм всех богов, который представляет собой достаточно большое здание, увенчанное куполом.
Несмотря на позаимствованную у греков мифологию, древние римляне также имели и свои таланты в сфере сложения стихов, песен и басен. Самые известные поэты Рима – Вергилий и Гораций. Первый прославился тем, что написал поэму «Энеида», которая очень напоминала «Илиаду» Гомера. Несмотря на менее выразительную поэтическую и художественную составляющую, эта поэма до сих пор считается эталоном исконного латинского языка. Гораций же, напротив, великолепно владел художественным словом, благодаря чему стал придворным поэтом, а строки из его стихов и песен до сих пор появляются в произведениях многих писателей.
Театр Древнего Рима изначально мало напоминал то, что сегодня мы считаем таковым. Практически все представления проходили в жанре состязаний поэтов и музыкантов. Лишь иногда древнеримские ценители искусства могли насладиться игрой актёров в сопровождении большого хора. Нередко зрителям демонстрировались цирковые номера, театральная пантомима и сольные или групповые танцы. Отличительной особенностью древнеримского театрального представления являлась многочисленность труппы. По поводу этого зрители говорили, что их меньше, чем актёров.
Стоит заметить, что костюмам и гриму тогда не уделяли особого внимания. Лишь иногда, играя роль императора или значимого в государстве человека, актёры одевались в более пышные одежды красного цвета. Репертуар состоял в основном из произведений римских поэтов: Горация, Вергилия и Овидия. Нередко неспешные повествования и песнопения в театрах сменяли кровавые бои гладиаторов, на которые зрители шли с не меньшим удовольствием.
Музыка Древнего Рима формировалась независимо от древнегреческой. При проведении массовых мероприятий и представлений наибольшей популярностью пользовались музыкальные инструменты, способные производить очень громкий звук: трубы, рога и тому подобное. Однако чаще всего во время исполнения предпочитали струнные инструменты: литавры, арфы, кифары. Стоит заметить, что музыкой увлекались все, включая римских императоров. Были среди музыкантов и певцов те, кого увековечивали в скульптуре. Особой популярностью и любовью римского народа в ту эпоху пользовались певцы и кифареды Апеллес, Терпний, Диодор, Анаксенор, Тигеллий и Месомед. Музыка Древнего Рима жива до сих пор, так как сохранены не только основные мотивы, но и музыкальные инструменты.
О влиянии римской цивилизации на современность говорится много и везде. Конечно, характеристика Древнего Рима, а точнее сказать той его области, которая относится к искусству, до сих пор не представлена в полном объёме. Тем не менее уже сейчас можно утверждать то, что архитектура, скульптура и изобразительное искусство древнеримской эпохи напрямую повлияли на культурную составляющую практически всех европейских государств. Особенно это заметно в архитектуре, когда гармония и величественность зданий заключена в чёткую симметричную форму.
fb.ru
Настенная живопись сохранилась, главным образом, благодаря извержению Везувия 79 года. Однако фрески из Помпей, Геркуланума, Стабий - в значительной степени ремесленные работы весьма среднего качества.
Далее речь пойдет об античных фресках.
Точная дата появления фресок неизвестна, но уже в период Эгейской культуры (2-е тыс. до н. э.) фресковая живопись получила широкое распространение. Это была живопись красками, где в качестве связующего использовались клей или казеин, а сама техника была близка к «а секко». Доступность исходных материалов (известь, песок, окрашенные минералы), относительная простота техники живописи, а также долговечность произведений обусловили большую популярность фресковых росписей в античном мире. В христианском искусстве фреска стала излюбленным способом украшения внутренних и (реже) внешних стен каменного храма.
В Древней Руси техника стенной росписи в основном была смешанная — живопись водными красками по сырой штукатурке дополнялась темперно-клеевой техникой (фон, верхние прописки) с различными связующими (яйцо, животные и растительные клеи).
В Европе в эпоху Возрождения владение искусством стенной росписи стало одним из важнейших мерил мастерства художника. Именно тогда в Италии фресковая живопись достигла своего наивысшего развития.
По свидетельству Витрувия, в Древней Греции для отделки наружных и внутренних стен сооружений использовалась известковая штукатурка в несколько слоёв с выглаженной до блеска поверхностью. От греков римляне переняли обычай окрашивать стены по штукатурке, позднее появилась и стенная роспись по свежеуложенному раствору, которая называлась in udo («по сырому»). Известковая штукатурка наносилась в семь слоёв, причём в нижние добавлялся песок, а в верхние — мраморная крошка. Для предотвращения появления трещин в растворы вводилось небольшое количество воды, при нанесении слои уплотнялись. Крепость покрытия достигалась добавлением молока, толчёного кирпича, пемзы и, в редких случаях, пеньки, соломы. Так в стенных росписях Помпеи обнаружена пемза, причём не только в штукатурке, но и в красочных слоях, где она применялась в качестве белил. Нанесение штукатурки в несколько слоёв позволяло замедлить процесс её высыхания, и следовательно, увеличить время работы по сырой поверхности. Выбор связующих веществ для красок диктовался видом применяемых пигментов. В качестве связующего использовались животный клей, чистая известь и её смеси с казеином, яичным белком, клеем. Витрувий для сохранности росписи советовал после высыхания фрески покрывать её поверхность смесью масла с воском с последующим нагреванием и промоканием растопленного воска.
Три Грации
Аполлон с кифарой. Фреска времен Римской империи из дома императора Августа. Рим, музеи Палантина.
Европа верхом на быке.
Амур.
Нарцисс, любующийся на свое отражение в воде
Геракл борется со львом. Помпеи.
Сапфо. Фрагмент античной фрески.
Богиня победы Ника
Ника (фрагмент).
Диана (или Персефона) с луком и стрелами. Фрагмент фрески из Стабий. 1 в. до н.э.
Флора (Весна) или Диана. Фрагмент фрески из Стабий. 1 в. до н.э..
Леда и лебедь. Фреска из Стабий (кубикул виллы Ариадны). Неаполь, Национальный археологический музей.
Беседующие женщины. Геркуланум, 3-й век до н.э
Суд Париса. Известный сюжет о разрешении спора трех богинь о том, кто из них красивее. В широкополой шляпе - Гермес.
Хирон обучает Ахилла игре на лире. Римская фреска из Базилики в Геркуланеуме. Неаполь, Национальные музей и галерея Каподимонте.
Жертвоприношение Ифигении. Фреска из дома Трагического поэта в Помпеях, I в. н.э. Неаполь, Национальный музей.
Ифигения в Тавриде. Фреска из дома Трагического поэта в Помпеях, I в. н.э. Неаполь, Национальный музей.
Брисеиду уводят от Ахилла. Фреска из дома Трагического поэта в Помпеях, I в. н.э. Неаполь, Национальные музей и галерея Каподимонте.
Торговка амурами. Вилла Ариадны. Середина I в. н.э.
Крылатый дух. Помпеи, 45-79 гг.
Дионис и Везувий. Змея - символ плодородия. Римская фреска из дома Сентенари в Помпеях, I в. н.э. Неаполь, Национальный археологический музей.
Фрикс, летящий на златоруном баране и упавшая в море его сестра Гэлла. Помпеи
Медея. Римская фреска, I в. до н.э.
Младенец Геракл, убивающий змей и наблюдающая за этим Алкмена. Помпеи, дом Ветии.
Кузнецы за работой.
Хирургическая операция. Воин, которому делают операцию, легендарный Эней. Фреска из Помпеи. I век.
Апеллес. Афродита Анадиомена, Помпеи
Катехесис (Наставление). Вилла Мистерий близ Помпей, I век до н.э.
Омовение рук. Вилла Мистерий близ Помпей, I век до н.э.
Танец с кроталанами. Вилла Мистерий близ Помпей, I век до н.э.
Одевание перед божественным бракосочетанием. Вилла Мистерий близ Помпей, I век до н.э.
Натюрморты
Натюрморт с рыбой и морепродуктами.
Натюрморт со смоквами.
lilac2012.livejournal.com
