Первые упоминания о Японии Европа услышала ещё в эпоху Средневековья, познав её вместе со смелыми путешественниками как страну неслыханной вежливости и сказочного богатства.

«Страна восходящего солнца» - Япония расположена на многочисленных маленьких и больших островах. Самыми большими из них являются Косю, Сикоку, Хоккайдо и Хонсю. Большую часть страны составляют горные цепи вулканического происхождения, они не высоки, но круты. Наиболее известная гора - Фудзияма, покрытая вечными снегами.

Природа и климат сильно влияют на быт японцев, их нравы, обычаи и характер. Многоцветие красок воды океана и морей, очертания вулканов, уходящих в небо, уникальная яркая растительность с детства формируют чувства изящного, любовь к прекрасному, которые свойственны всему населению Японии от земледельца до императора.

Мягкий морской климат, обилие влаги и солнечного тепла, благодатная почва позволяют японцам почти в течение всего года выращивать многообразные живые цветы и декоративные растения. Даже в крупных городах, в том числе гигантском Токио, используется малейшая возможность, всякий кусочек земли для выращивания цветов.

Истоки японской культуры уходят корнями в глубокую древность. Самые ранние произведения искусства относятся кIV -II тысячелетиям до нашей эры. Наиболее длительным и самым плодотворным для японского искусства был период Средневековья (IV-XIX в. в.).

В реферате подробно отражены разделы, посвященные архитектуре, живописи и скульптуре.

Проникновение в Японию буддизма, с которым было связано столь важное для средневекового искусства осознание человеком единства духа и плоти, неба и земли отразилось и на развитии японского искусства, в частности архитектуры.

Древнейшей буддийской постройкой в Японии является ансамбль Хорюдзи в городе Нара (столица государства с 710 по 784г.), воздвигнутый в 607 г. Замечательным примером японской архитектуры второй половины тысячелетия н.э. является храмовый комплекс Тодайдзи - самое большое в мире деревянное здание. Своеобразна в архитектурном отношении пагода Якусидзи, построенная в 680г. (т.е. позже Хорюдзи, но раньше Тодайдзи).

Выдающимся памятником светской архитектуры концаXIV века является, так называемый, Золотой павильон (Кинкакудзи), построенный в 1397г. в Киото по приказу правителя страны Есимицу.

Традиционная японская архитектура в целом достигла своего наивысшего уровня развития уже вXIII веке.

Произведения живописи украшают дворцы аристократов, дома горожан, монастыри и храмы. Развивается стиль декоративных панно: дами-э. Такие панно писали сочными красками на золотой фольге.

Признаком высокого уровня развития живописи является существование в концеXVI века ряда живописных школ, в том числе Кано, Тоса, Ункоку, Сога, Хасэгава, Кайхо.

Расцвет специфической городской культуры сопутствующих видов искусства определило основное направление развития японского искусства вXVII-XIX веках. Высочайшего уровня достигла также гравюра на дереве, ставшая вXVIII-XIX веках главным видом японского искусства.

Искусство эпохи Эдо (1615 - 1868) характеризуется особым демократизмом и сочетанием художественного и функционального. Примером такого сочетания является живопись на ширмах. Именно на парных ширмах написаны «Красные и белые цветы сливы» - самое значительное и знаменитое из сохранившихся произведений великого художника Огата Корина (1658-1716), шедевр, по праву причисляемый к лучшим созданиям не только японской, но и мировой живописи.

Распространение в стране буддизма способствовало развитию в Японии искусства скульптуры, поскольку отправление буддийских культов требовало скульптурного изображения Будд, бодисатв и т.п. Одной из наиболее древних статуй является статуя Будды в храме Гангодзи, сделанная скульптором Тори Буси в началеVII века. Будда изображен стоя. Высота фигуры 5 метров.

Миниатюрная скульптура - нэцкэ, как один из видов декоративно - прикладного искусства, получила широкое распространение вXVIII - первой половинеXIX в. Появление её связано с тем, что национальный японский костюм - кимоно - не имеет карманов и все необходимые мелкие предметы (трубка, кисет, коробочка для лекарств и др.) прикрепляются к поясу с помощью брелока-противовеса. Постоянными сюжетами нэцкэ были следующие: растрескавшийся баклажан со множеством семян внутри - пожелание большого мужского потомства, две уточки - символ семейного счастья. Огромное число нэцкэ посвящено бытовым темам и повседневной жизни города. Это бродячие актеры и фокусники, уличные торговцы, женщины за разными занятиями, странствующие монахи, борцы.

С большим искусством и вкусом украшаются японцами их дома, жилища, места работы и отдыха. Японцы вкладывают в икебану глубокий смысл. Это целая философия, свой особый способ понимания и познания окружающего мира. Характерно, что каждая веточка, на взгляд японцев, должна иметь определенное значение. Часто, например, высокая веточка означает небосвод, средняя - человек, а самая низкая - землю. Такое соединение трех веток именуют «триадой»: «небо, земля, человек», имеющей свои глубокие корни в духовной жизни народа, его философии.

Наиболее загадочным и имеющим глубокий философский и эстетический смысл является чайный церемониал - «Тя-ною» . Это строго регламентированное искусство приготовления и питья чайного напитка в присутствии гостей.

Японская культура во многих отношениях уникальна и удивительна. Здесь удивительная вежливость уживается со смелостью, отвагой и готовностью самопожертвования самураев.

В последние годы в нашей стране интерес к Японии заметно возрос. Открываются центры, где люди получают возможность заниматься японским языком, икебаной, знакомиться с чайной церемонией, японским театром и боевыми искусствами. Проводятся фестивали японских фильмов.

С полным текстом реферата Вы можете ознакомиться в школе «Приоритет».

superbotanik.net

по мхк ученицы 9 класса Иванниковой Ольги - Реферат

Искусство Японии

Реферат по МХК

Ученицы 9 класса Иванниковой Ольги

Руководитель Николаева Ольга Павловна

Истоки японской культуры уходят корнями в глубокую древность. Самые ранние произведения искусства относятся к IV - II тысячелетиям до нашей эры. Наиболее длительным и самым плодотворным для японского искусства был период Средневековья ( IV- XIX в. в.).

В реферате подробно отражены разделы, посвященные архитектуре, живописи и скульптуре.

Выдающимся памятником светской архитектуры конца XIV века является, так называемый, Золотой павильон (Кинкакудзи), построенный в 1397г. в Киото по приказу правителя страны Есимицу.

Традиционная японская архитектура в целом достигла своего наивысшего уровня развития уже в XIII веке.

Признаком высокого уровня развития живописи является существование в конце XVI века ряда живописных школ, в том числе Кано, Тоса, Ункоку,

Сога, Хасэгава, Кайхо.

Расцвет специфической городской культуры сопутствующих видов искусства определило основное направление развития японского искусства в XVII- XIX веках. Высочайшего уровня достигла также гравюра на дереве, ставшая в XVIII- XIX веках главным видом японского искусства.

Распространение в стране буддизма способствовало развитию в Японии искусства скульптуры, поскольку отправление буддийских культов требовало скульптурного изображения Будд, бодисатв и т.п. Одной из наиболее древних статуй является статуя Будды в храме Гангодзи, сделанная скульптором Тори Буси в начале VII века. Будда изображен стоя. Высота фигуры 5 метров.

Миниатюрная скульптура - нэцкэ, как один из видов декоративно - прикладного искусства, получила широкое распространение в XVIII - первой половине XIX в. Появление её связано с тем, что национальный японский костюм - кимоно - не имеет карманов и все необходимые мелкие предметы (трубка, кисет, коробочка для лекарств и др.) прикрепляются к поясу с помощью брелока-противовеса. Постоянными сюжетами нэцкэ были следующие: растрескавшийся баклажан со множеством семян внутри - пожелание большого мужского потомства, две уточки - символ семейного счастья. Огромное число нэцкэ посвящено бытовым темам и повседневной жизни города. Это бродячие актеры и фокусники, уличные торговцы, женщины за разными занятиями, странствующие монахи, борцы.

С полным текстом реферата Вы можете ознакомиться в школе «Приоритет».

www.litsoch.ru

Реферат по МХК 'Деревенский пейзаж второй половины XIX века' 9 класс

МКОУ "Джалыковская СОШ имени Бембеева Т.О."

РЕФЕРАТ

«Деревенский пейзаж

Выполнил: Наранов Баир, ученик 9 класса

Проверила: Башнанова Л.С..,

учитель МХК

2014 г.

"Деревенский пейзаж в творчестве русских художников

второй половины XIX века"

Каждый любит природу по- своему и «как может». Для кого- то это выражается лишь выездом в лес, а некоторым, источником новых сил, эмоциональных переживаний. Своими моральными качествами, талантливостью и творческой силой наш народ обязан, среди других причин, и нашей природе. Сила её эстетического восприятия так велика, что, не будь её, у нас не было бы такого блистательного Пушкина, каким бы он был. Но не только Пушкина, но и Лермонтова, Чехова и наконец, не было бы плеяды замечательных художников- пейзажистов: Саврасова, Левитана, Нестерова, Поленова и многих других.

Понятно мы никогда не променяем на самые торжественные красоты тропиков и запада наши скромные дали. Мы родились и жили под «сереньким ситцем этих тихих северных небес», их красота слилась со всей нашей жизнью, они были её свидетелями, и потому только мы можем с полной силой её ощутить и понять. В который раз приходят на память слова Грибоедова о том, что «дым отечества нам сладок и приятен»- дым деревень в тишине мягкого зимнего дня или дымок костров, что низко тянет над луговыми озерами.

Картины хороши тем, что в любую минуту ты можешь войти в знакомый , но всегда чем-то новый мир нашей природы,- стоит только переступить порог рамы. Трудно поверить, что еще в начале XIX века некоторые критики считали пейзаж ненужным, а о художниках и писателях- пейзажистах говорили, что они « прячутся в пейзаж от действительности» и тем самым выдают себя с головой как недругов прямого восприятия и отражения действительности.

Подлинный пейзажист всегда знает, где можно найти самый густой иней, где растут самые могучие ели в близлежащей местности, какие краски нужны для воды глухого озера и какие для дождя в деревенских сумерках.

Полное счастье от готовой работы испытываешь больше, когда работаешь под открытым небом в любую погоду. Даже в те дни, когда валит снег с дождем над болотом, и порывистый ветер срывает с мольберта подрамник и холст. А ведь в другие дни ты и не увидишь и не почувствуешь всю полноту истинных красок пейзажа - красок хмурости неба, яркого, ослепляющего летнего солнца, опьяняющей свежести весеннего ветра.

Труд подлинного пейзажиста - не только труд живописца, но и подлинного патриота Его плотна - поэма о России, поэма о доме в первую очередь.

Принимая во внимание все то, что происходит в современном искусстве, в частности, в живописи, все больше понимаешь, как глубока и морально «воспитана» живопись прошлых столетий. Только там, в «той живописи» можно научиться действительно прекрасному, человеческому, одухотворенному.

Факт остается фактом, современный человек, находясь в постоянном тандеме города, технологий и прочих новшеств, которые отнимают время на отдых, простые размышления, раздумья, поиски себя, несомненно, пытается от этого оградить себя, дать отдых организму и своим мыслям.

Что и говорить, порой невыносимо хочется вырваться на природу, в лес, а то и в деревню. Просто отдохнуть, полюбоваться, надышаться воздухом, налюбоваться красотой и великолепием природы.

Обращаясь же к художественной литературе, а конкретнее, к литературе 50- годов, жизнь крестьян изображалась особенно часто. Народность, как неотъемлемая черта реализма, была неразрывно связана с национальным характером содержания искусства.

Представление о русской природе было в то время настолько неотделимо от народа, что в ней самой, в её образах часто находили поэтические выражения народных дум, страданий и отчаяний. Стоит вспомнить слова небезызвестного М.Е. Салтыкова- Щедрина о столь ярком восприятии природы - « Я ещё с детства симпатизировал с нашей сельской природою, хотя нет ничего в ней такого, чем бы особенно можно было похвалиться». Заключает же он свое описание проникновенными строками « Но я люблю её эту, однообразную природу русской земли, я люблю ее не для неё самой, а для человека, которого она воспитала на лоне своем и которого она объясняет… »

Реалистическая пейзажная живопись пятидесятых годов принципиально отличалась как от прежней живописи перспективной, то есть «видовой», задачи которой ограничивались документально точным воспроизведение панорамы, определенной местности, так и то романтического пейзажа, широко распространенного среди художников- академистов. Именно в то время происходил перелом в русской пейзажной живописи, выразившийся на первых порах в обращении пейзажистов к русской природе, являвшейся естественной жизненной средой для крестьянина

Пейзаж завоевал место одного из ведущих жанров живописи. Его язык стал, подобно поэзии, способом проявления высоких чувств художника, областью искусства, в которой выражаются глубокие и серьезные истины о жизни и судьбах человечества, в нем современник говорит и узнает себя. Вглядываясь в произведения пейзажной живописи, прислушиваясь к тому, о чем повествует, изображает природу художник, мы учимся знанию жизни, пониманию и любви к миру и человеку.

В русской живописи прошлого столетия раскрываются две стороны пейзажа как вида живописи: объективная-то есть изображение, вид определенных местностей и городов, и субъективная - выражение в образах природы человеческих чувств и переживаний. Пейзаж является отображением находящейся вне человека и преобразуемой им действительности. С другой стороны, он отражает и рост личного и общественного самосознания.

Глубокое впечатление производит, например, высказывание А. И. Герцена о русской природе (написано за границей в 1853 году): "В нашей бедной северной долинной природе есть трогательная прелесть, особенно близкая нашему сердцу. Сельские виды наши не задвинулись в моей памяти ни видом Сорренто, ни Римской Кампанией, не насупившимися Альпами, ни богато возделанными фермами Англии. Наши бесконечные луга, покрытые ровной зеленью, успокоительно хороши, в нашей стелящейся природе... что-то такое, что поется в русской песне, что кровно отзывается в русском сердце".

Пейзаж должен быть портретом с природы, а не любованием одних красивых и поразительных эффектов ее. Искать эти последние - дело скользкое и опасное. Даже при самой сильной, поэтической, первоначальной натуре тут легко сковырнуться, полететь головой вниз...".

Начало развития деревенского пейзажа положил Алексей Венецианов (1780-1847), который известен всем кА непревзойденный мастер бытового жанра. Жизнь в деревне дала художнику богатый материал открыла новый мир, красоту и поэтичность родной русской природы. К самым поэтическим произведениям Венецианова, проникнутым умиротворенностью и покоем, любовью к человеку и природе, принадлежит небольшая картина "Спящий пастушок". Спокойные плавные ритмы равнин, пологие склоны холмов, поросшие тонкими деревцами, одиноко стоящие ели, речка с низкими берегами - все эти бесконечно знакомые, близкие мотивы найдены художником в родной природе. Пейзаж в картинах Венецианова являлся уже не просто фоном, а играл активную роль в передаче настроения, в решении образа.

Сам Венецианов соединял виды полей и лугов в своих картинах с изображениями крестьянских девушек и детей. Эти жницы и пастушки воплощали в его картинах поэтический собирательной образ крестьянской Руси. Пейзажные фоны его картин вводят в русскую живопись тему природы как сферы приложения труда человеческих рук. В этом Венецианов порывает с классической традицией изображения идеальной природы, подстриженной и приглаженной - природой парков, где отдыхают и наслаждаются люди из высших слоев общества. Но при всем демократизме венециановских крестьянских угодий сами фигуры девушек в его картинах классически идеализированы.

Пейзажи для своих картин Венецианов находил в окрестностях принадлежавшей ему деревни Сафонково. В тех же местах работали и художники его школы. Часто они вносили в свои произведения наивность и простодушие народной картинки. Далекое пространство в их пейзажах кажется порой беспредельным. В нем теряются населяющие его маленькие фигурки людей. Эти люди у венециановцев представляют характерные типажи деревни или провинциального города. Парень с косой, баба с коромыслом и ведрами, охотники, губернские чины и торговцы на городской площади- вот мир людей, которых они изображали и чьими глазами смотрели на окружающую жизнь.

Творчество самого Венецианова было для пейзажистов 50-х годов настолько близким наследием, что даже в классных занятиях учителя Московского Училища Живописи широко применяли венециановскую систему, основанную на тщательном изучении предмета изображения. Произвдения Венецианова с изображениями русской природы и опыты в этой области его последователей, хотя и исполненные на материале живой природы, воспринимались молодыми художниками как этап уже пройденный.

Образ природы, как облик человека, отражает в себе жизнь, чувства и мысли того общества, которое воспитало его создателя-художника. В пейзажах отражаются размышления лучших русских людей о судьбах родины, глубокая любовь к своему народу, взволнованный призыв к борьбе против несправедливости. Идеи, которыми освещено было все искусство второй половины 19 столетия, проникают в изображения, наполняя его новым для общеевропейской живописи содержанием.

Живопись художников-пейзажистов реалистического направления ярко свидетельствует о том горячем интересе и серьезном внимании, с которым наиболее передовые мастера относились к нуждам народа, его страданиям, нищете и угнетению, как искренне стремились своим искусством не только разоблачить несправедливость общественного устройства, но и встать на защиту "униженного и оскорбленного" народа.

Уже в первой половине века художники А. В. Тыранов и Г. В. Сорока, бывшие прямыми воспитанниками Венецианова, пробовали свои силы в работе над деревенским пейзажем, в родных для художников местах. Их картины, "не всегда совершенные по мастерству, отличаются необычайной чистотой восприятия природы и искренностью чувства". Являясь преемниками венециановских традиций, эти пейзажисты своим творчеством представляют характерное явление в реалистическом искусстве 40-х годов.

Главенствующую роль для художников-пейзажистов приобретал вопрос о содержании их искусства. От художников ждали произведений, которые отражали бы настроения угнетенного народа.

Именно в это десятилетие и проявился у русских пейзажистов интерес к изображению таких мотивов природы, в которых художники языком своего искусства могли бы рассказать о народной печали. Тоскливая природа осени, с грязными, размытыми дорогами, редкие перелески, хмурое, плачущее дождем небо, занесенные снегом маленькие деревушки, -все эти темы в своих бесконечных вариантах, такой любовью и старанием исполняемые русскими пейзажистами, получили права гражданства в 60-е годы. Характерно, что в это же время нашла широкое распространение тема зимнего пейзажа, над которой особенно много работали Саврасов и Каменев.

Художественная деятельность Поленова основывалась на стремлении приносить своим искусством пользу людям, активно участвовать в жизни общества. Это стремление сближало творчество мастера с общим процессом демократизации искусства последней трети XIX века, прежде всего с движением Товарищества передвижников, чьим активным участником он был с конца 1870-х годов. Для работ Поленова 1890-х годов характерно особенное внимание к различным состояниям природы. Одной из особенностей Поленова было стремление соединить пейзажный и бытовой жанры, не просто оживить тот или иной мотив человеческими фигурками, а представить целостную картину жизни, в которой люди и окружающая их природа слиты в единый художественный образ. И в "Московском дворике", элегических по настроению картинах "Бабушкин сад", "Заросший пруд", "Ранний снег", "Золотая осень" -во всех своих пейзажах Поленов средствами живописи утверждает важную и по существу, очень простую истину: поэзия и красота - вокруг нас в привычном течении повседневности, в окружающей нас природе.

Творчество Поленова крупное и значительное явление в русской живописи второй половины 19 века. С Саврасовым и Васильевым его сближают не сразу ощутимая, но крепкая и строгая композиционная построенность и картинность, придающие его пейзажам определенную монументальность. Также Поленов свободнее и непосредственнее, чем его сподвижники, пользуется средствами и приемами пленэра. Свет и воздух становятся "героями" его замечательных полотен, и сегодня покоряющих своей свежестью, эмоциональностью, жизненной убедительностью и естественностью.

Многогранный талант В.Д.Поленова наиболее полно проявил себя в области пейзажной живописи. В её историю, ознаменованную блестящими победами, этот художник вписал своим творчеством одну из ярких страниц. Работая одновременно в таких различных жанрах, как историческая живопись, портрет, пейзаж и декоративное искусство, сам художник считал пейзажную живопись наиболее отвечающей складу своего дарования. Такое исключительное положение пейзажной темы в его творчестве и делает возможным самостоятельное её рассмотрение среди работ других пейзажистов.

С начала 70-х годов в произведениях Поленова все чаще встречаются сюжеты из крестьянской жизни. Художник, видимо, начинает искать пути к пейзажно-бытовому жанру, работа над которым позволила бы дать пейзаж как действенный компонент взятого сюжета.

Признавался С.И. Мамонтову после поездки в Италию в 1873 году: «Теперь я в деревне, дышу полной грудью после душной, зловонной Италии; какой у нас сосновый воздух! Итальянцы не подозревают, что такой на свете существует! Ведь это же Наш, родной, деревенский воздух!» Тонко и проникновенно воссоздан художником деревенский пейзаж в этюде «Деревня Тургенево» (музей - усадьба В.Д. Поленова). Своей спокойной мягкостью он как бы скрашивает жизнь обитателей маленькой деревеньки с покосившимися, крытыми соломой избами. Этот этюд был написан Поленовым в 1885 году в Тургеневе. Высокие живописные качества данного этюда и присущая ему полнота художественного выражения дали возможность Поленову спустя много лет использовать его, почти не меняя композиции колорита, в картине «Задворки», показанной на передвижной выставке 1892 года.

Впоследствии был использованы в картинах и другие мотивы деревенского пейзажа, запечатленные первоначально в этюдах. Давая в картинах более углубленную характеристику пейзажного образа, Поленов достигал в них вместе с тем и большей идейной направленности.

Интересно остановиться в этом плане на большой картине Поленова «Русская деревня», поя вившаяся впервые на передвижной выставке в Москве в 1889 году. Центральное место в композиции пейзажа занимает рыбацкая деревня, расположенная среди открытой местности у широкой реки. Крепкие, бревенчатые срубы со строгим, подчеркнутым рисунком высоких кровель, маленькие участки зеленых огородов, рыбацкие сети, смотанные на высоких шестах, отсутствие тенистой зелени вокруг жилья- все это сообщает несколько суровый характер внешнему облику деревни. Однако и здесь художник сумел дать почувствовать природу как светлое и радостное начало в жизни людей.

На переднем плане изображена узкая речушка с освещенным солнцем песчаным берегом и пологим склоном, сходящим к воде. Перекинутые через речку кривые мостики, ведущие в деревню, узкие, протоптанные тропки, идущие от мостков вверх по склону, прясла, спускающиеся к воде от крайней избы, придают большую протяженность в глубину переднему плану и усиливают его эмоциональное звучание. Глядя на фигуру белоголового мальчика, стоящего с удочкой у воды, на аленьких деревенских ребятишек, играющих на солнце в песке близ мостков, на сидящую около них старуху бабку с ребенком на руках, видишь их всех согретыми теплом и лаской природы.

Заканчивая обзор творчества Поленова как пейзажиста, следует еще раз подчеркнуть, что именно пейзаж составлял его наиболее прогрессивную сторону. Именно в этой области Поленов начиная с 60-х годов неуклонно шел по пути реализма. Своеобразие и значительность его роли в реалистическом деревенском пейзаже второй половины XIX заключались в том, что он, являясь крупнейшим представителем пейзажистов- передвижников, смог стать живым и действенным звеном между реалистами старшего поколения и молодежью. В сознании которой он неустанно поддерживал интерес к большому содержательному искусству, к воплощению в пейзаже- картине глубоких впечатлений действительности. Молодежь находила в его пленэрной живописи опору для своих собственных исканий, для выражения в пейзаже своих чувств и раздумий над жизнью.

С давних пор пейзаж вносил свой отпечаток в становлении мировой живописи.

Но откуда же пошел русский пейзаж. ВСЕМ ИЗВЕСТНЫ ГОРОДСКИЕ ПЕЙЗАЖИ. Но что же особенного в деревенских пейзажах?

«По таким дорогам только в калошах проходить!» про Левитана

А что же таки нас всех привлекает в первую очередь в русском деревенском пейзаже?!

Левитановские пейзажи своей открытостью, естественностью, чувственностью…

Исаак Левитан - самый великий из тех русских пейзажистов, которые в XIX веке открыли для современников скромную красоту русской природы. Начиная работать под руководством Саврасова и Поленова, Левитан вскоре оставил далеко позади своих учителей, навсегда вписав свое имя в пантеон отечественной культуры. Долгое время считалось, что в России нет природы, способной вызвать восхищение и стать темой для серьезного произведения. Вместо природы была лишь серая, безликая масса, тоскливая и бесконечная, как горе людское. Но поэтому же его лучшие пейзажи, порой совсем маленькие, несут в себе поистине большой поэтический смысл. В изображении кривых ветел на деревенской улице и перекинутых через канаву старых бревен мы видим "небесный" образ весны, в луже видим отраженное солнце, а молодая зеленая трава у деревенского мостика оказывается не просто растением известного сорта, но знамением радости воскрешения природы.

Левитан много писал на воздухе. Так велел ему Саврасов.

-Солнце гоните на холст!- кричал Саврасов.- Весеннюю теплынь прозевали! Снег таял, бежал по оврагам холодной водой, почему я не видел его на ваших этюдах? Липы распускались, дожди были такие, будто не вода, а серебро лилось с неба, - где всё это на ваших холстах? Срам и чепуха! Со времени этого тяжелого разноса Левитан начал работать на воздухе. Вначале ему трудно было привыкнуть к новому ощущению красок. То, сто в комнатах казалось ярким и чистым, на воздухе непонятным образом жухло, покрывалось мутным налетом.

Маленький пейзаж «Мостик» представляет собой написанный на натуре этюд, в котором покоряет прежде всего мастерски переданная молодым художником свежесть непосредственного восприятия природы. Прекрасно воспроизведены краски летнего солнечного дня, когда вся зелень кажется сверкающей и полной жизненных соков. Светом пронизана листва старых ветел, сомкнувшихся кронами. Их густые ветви образуют зеленый шатер и почти закрывают небо. Избрав низкую точку зрения, Левитан центром композиции в этом этюде сделал ветхий бревенчатый мостик, перекинутый через ручей, протекающий по дну оврага. Здесь объединяются все элементы, участвующие в построении пейзажного образа. От этого центра взгляд легко устремляется вглубь, к избам деревни, благодаря чему сам мостик воспринимается как часть типичного деревенского ландшафта. Левитан стремится показать зрителю особую красоту выбранного им мотива: он заставляет любоваться игрой солнечных бликов и голубых теней на ветхих бревнышках мостика, дает возможность заглянуть под мост и увидеть за темной тенью, бросаемой им на воду, пятно яркого света на поверхности воды и отражение голубого неба в ней. Но не только сияние солнечного дня смогло преобразить этот скромный, лишенный внешнего эффекта деревенский пейзаж. В каждом запечатленном в этюде куске живой натуры выражено тонкое поэтическое восприятие художником жизни, чувство её красоты. Именно потому он, несмотря на сравнительно широкую манеру письма, дает ощущение полноты жизни и внутренней завершенности. Нельзя не обратить внимание и на живописное мастерство, казавшееся прежде всего в умелом использовании богатых возможностей цветовой гаммы. Звучная живопись служит Левитану для того, чтобы воспеть столь скромный мотив, подобный которому нельзя было встретить в старом пейзажном искусстве.

Связи искусства Левитана с искусством Саврасова выступают в пейзаже с мостиком не столь определенно и непосредственно, как в предыдущей картине. Но вместе с тем только у воспитанника саврасовской школы могла зародиться мысль сделать объектом художественного воссоздания такую малоприметную деталь деревенского ландшафта, как старенький, кое- как сбитый пешеходный мостик. Используя основные принципы саврасовского искусства, Левитан в этом этюде идет дальше своего учителя в поисках простоты и лаконичности сюжета.

А наряду с этим в живописи «Мостика», в светлой палитре цветов, в тонко переданном взаимодействии света и цвета чувствуется уже та система живописи, которой Левитан мог овладеть под руководством Поленова.

Но самый значительный и глубокий по содержанию образ деревенского пейзажа был создан Левитаном в картине «Сумерки. Стога» (1899, Третьяковская галерея), написанной также после поездки в Новгородскую губернию. Как и предыдущие, этот пейзаж крайне прост по сюжету. Перед зрителем - равнина скошенного луга с рядами сметанных стогов, озаренных мягким светом луны. И только. Но, видимо, этот мотив глубоко взволновал художника значительностью и поэтической красотой своего облика. И, может быть, еще до возвращения в Москву, где писалась картина «Сумерки. Стога», в представлении художника этот сюжет повседневной жизни уже сложился в пейзажный образ, одухотворенный мечтой о гармонии природы и человека, отдающего свои силы и свой труд. Достигнув высокой степени обобщения, Левитан сумел сохранить в картине ясное ощущение состояния природы, то есть ту сторону её жизни, которая сильнее дает чувствовать себя в пейзаже лирического склада, определяя собой её эмоциональный строй. В сочетании лирического и эпического начала заключены неповторимое обаяние и трогательная нежность этого пейзажа.